“Pretty fuckin’ heavy” : pourquoi John Lennon tenait Ticket to Ride pour l’un des premiers disques de heavy metal

Il y a des phrases de John Lennon qui résument une chanson mieux que dix analyses musicologiques. Et il y en a d’autres qui la déforment si joliment qu’on finit par ne plus entendre que la formule. Celle-ci appartient aux deux catégories à la fois.

Interrogé sur Ticket to Ride, Lennon a expliqué que le morceau était, pour l’époque, “pretty fuckin’ heavy”. Autrement dit : sacrément lourd. Il ajoutait qu’il suffisait d’aller regarder ce que les autres publiaient dans les classements de 1965 pour s’en convaincre, que c’était un disque lourd et que la batterie l’était aussi, et que c’était précisément pour cela qu’il l’aimait. Quelques années plus tard, il est allé encore plus loin : Ticket to Ride aurait été l’un des premiers disques de heavy metal jamais enregistrés.

La première réaction de tout amateur de rock est de sourire. Entre la chanson des Beatles et Paranoid de Black Sabbath, il y a cinq ans, un océan de distorsion et une galaxie de décibels. Karen Carpenter en a fait une ballade feutrée en 1969. Des générations d’élèves de guitare l’ont jouée au coin du feu. Rien, à l’oreille d’aujourd’hui, ne ressemble moins à du métal.

Et pourtant, Lennon n’avait pas tout à fait tort. Pour le comprendre, il faut faire trois choses que la formule empêche de faire : revenir au sens qu’avait le mot “heavy” en 1965, réécouter le disque piste par piste comme on ouvrirait le capot d’une voiture, et replacer Ticket to Ride dans les classements de l’époque, ceux-là mêmes auxquels Lennon renvoyait ses interlocuteurs. C’est ce que propose cette enquête, qui s’attarde aussi sur les deux légendes qui entourent le titre de la chanson, sur la querelle d’attribution entre ses deux auteurs, et sur la manière dont le morceau a ouvert, sans que personne ne s’en rende compte sur le moment, la période la plus inventive de l’histoire du groupe.

Une phrase célèbre, deux déclarations distinctes

Ce que Lennon a réellement dit

La citation circule presque toujours sous une forme compactée, comme si Lennon avait prononcé d’une traite une sentence définitive. En réalité, deux idées se superposent, et elles n’ont pas exactement le même poids.

La première est comparative et prudente. Lennon explique que Ticket to Ride apportait un son “un peu nouveau” au moment de sa sortie, qu’il était très lourd “pour l’époque”, et que l’auditeur qui réécoute le disque des années plus tard le trouve encore correct. Il invite à faire la comparaison avec la production contemporaine. Il précise que la batterie est lourde elle aussi. Et il laisse échapper une remarque que l’on cite rarement : s’il pouvait reprendre les bandes multipistes et refaire le mixage, il montrerait vraiment ce que le morceau contient. L’aveu est intéressant. Lennon ne dit pas que le disque publié est du rock lourd, il dit que la matière enregistrée l’est, et que le mixage de 1965 l’a en partie domestiquée.

La seconde idée est une revendication. En 1980, dans les longs entretiens accordés à David Sheff pour Playboy, Lennon range Ticket to Ride parmi les tout premiers disques de heavy metal, et il accompagne cette affirmation d’une pique qui en dit long sur l’état de sa relation avec son ancien partenaire : la contribution de Paul, selon lui, se résumait à la manière dont Ringo jouait de la batterie.

Pourquoi la nuance “l’un des premiers” compte

Lennon n’a pas dit que Ticket to Ride était le premier disque de heavy metal. Il a dit qu’il en était l’un des plus anciens. La différence n’est pas un détail de traduction. “Le premier” serait une revendication d’invention, facilement réfutable. “L’un des premiers” est une revendication de filiation : Lennon place son disque dans une généalogie, aux côtés d’autres, sans prétendre l’avoir fondée seul.

Un Lennon de 1980 qui relit son passé

Il faut aussi tenir compte du moment où la phrase est prononcée. En septembre 1980, Lennon sort de cinq années de retrait. Il prépare Double Fantasy. Il passe des heures avec Sheff à parcourir le catalogue des Beatles chanson par chanson, et il le fait avec un double objectif assumé : rendre à chacun ce qui lui revient, et d’abord à lui-même. Nombre de ses jugements de cette période sont justes, précis et souvent drôles. Certains sont aussi des règlements de comptes. Quand il réduit l’apport de McCartney à une indication de batterie, il ne décrit pas seulement une séance de 1965, il prolonge une conversation de quinze ans avec son ancien associé, celle que nous avons retracée dans notre dossier sur la rivalité Lennon-McCartney de 1957 à 1970.

Il y a enfin l’effet de perspective. En 1980, le heavy metal existe comme genre. Il a ses héros, Led Zeppelin, Black Sabbath, Deep Purple, et sa nouvelle vague britannique qui déferle précisément cette année-là avec Iron Maiden, Saxon ou Def Leppard. Revendiquer une place dans sa généalogie, c’est se situer du côté de la puissance et de la modernité, pas du côté des gentils garçons en costume de 1964. Pour un Lennon qui a passé sa vie à se défaire de l’image du Beatle mignon, l’argument est irrésistible.

Ce que “heavy” voulait dire en 1965

Un mot qui a changé de sens en cours de route

Le cœur du malentendu est linguistique. En anglais, “heavy” n’a pas attendu le métal pour exister dans le vocabulaire des musiciens. Dans l’argot du jazz puis du rock des années 1960, un disque “heavy” est un disque qui a du poids, de la gravité, de la consistance. Le mot désigne autant une densité sonore qu’une profondeur d’intention. Une chanson “heavy” est une chanson sérieuse, qui pèse, qui ne se contente pas de divertir. Dans la bouche d’un musicien de 1966 ou 1967, une conversation “heavy” est une conversation lourde de sens, pas une conversation bruyante.

Lorsque Lennon parle de Ticket to Ride comme d’un disque “heavy”, il mobilise donc les deux acceptions à la fois. La chanson est sonorement plus épaisse que ce que les Beatles avaient publié jusque-là. Et elle est psychologiquement plus sombre : c’est l’histoire d’un homme que sa compagne quitte parce qu’elle étouffe à ses côtés, racontée sans consolation, avec une amertume que les chansons d’amour du groupe ignoraient encore largement.

L’apparition progressive de l’expression “heavy metal”

L’expression “heavy metal” elle-même n’appartient pas au vocabulaire musical de 1965. On la trouve chez William S. Burroughs au début des années 1960, dans un sens qui n’a rien à voir avec la musique. Elle entre dans la culture rock en 1968, quand Steppenwolf évoque dans Born to Be Wild un tonnerre de métal lourd pour décrire le vrombissement d’une moto. La critique musicale américaine s’en empare vers 1970-1971 pour désigner le rock saturé et massif qui suit Led Zeppelin et Black Sabbath.

Autrement dit, en 1965, personne n’aurait pu qualifier Ticket to Ride de heavy metal, puisque la catégorie n’existait pas. La déclaration de Lennon est une relecture rétrospective : il projette sur un disque de 1965 une catégorie née cinq ans plus tard. C’est parfaitement légitime, c’est ce que font tous les historiens de la musique, mais cela oblige à préciser ce que l’on compare. La question honnête n’est pas “Ticket to Ride est-il du métal ?”, à laquelle la réponse est évidemment non. C’est “Ticket to Ride contient-il certains des ingrédients qui, assemblés et amplifiés, donneront plus tard le rock lourd ?”. Et là, la réponse devient beaucoup plus intéressante.

Le mot “heavy”, fil rouge de Lennon jusqu’en 1969

Le terme reviendra obstinément dans la carrière de Lennon avec les Beatles. En 1969, il intitulera l’un de ses morceaux les plus monolithiques I Want You (She’s So Heavy), un blues obsessionnel de près de huit minutes dont la coda répète le même motif jusqu’à la saturation avant de s’interrompre net au milieu d’une mesure. Entre les deux, il y aura Revolution et sa guitare saturée jusqu’à l’agression, et, du côté de McCartney, Helter Skelter, que notre classement des chansons les plus rock des Beatles place au sommet de la démesure du groupe. Ticket to Ride est le premier maillon de cette chaîne. C’est la première fois qu’un Beatle a employé le mot pour qualifier l’un de ses propres disques, et le sens qu’il y met n’a cessé de s’alourdir avec les années.

Février 1965 : un groupe fatigué qui change de méthode

Quatre mois sans studio

Pour mesurer ce que Ticket to Ride a de neuf, il faut se souvenir de l’état des Beatles au début de 1965. La dernière séance d’enregistrement remonte au 26 octobre 1964, date à laquelle le groupe a bouclé Beatles for Sale dans l’urgence, entre deux tournées. Ce quatrième album britannique est un disque de fatigue. Il contient six reprises sur quatorze titres, ce qui trahit un manque de temps plus qu’un manque d’idées, et ses meilleures compositions originales, No Reply, I’m a Loser, Baby’s in Black, sont déjà teintées d’une mélancolie nouvelle.

Entre la fin octobre 1964 et la mi-février 1965, les Beatles ont enchaîné une tournée britannique, une série de spectacles de Noël à Londres jusqu’à la mi-janvier, puis quelques semaines de repos. Ringo Starr s’est marié le 11 février 1965 avec Maureen Cox. Quatre jours plus tard, le lundi 15 février, le groupe retrouve le Studio Two d’Abbey Road pour commencer les chansons de son deuxième film, qui ne s’appelle pas encore Help! mais porte le titre provisoire de Eight Arms to Hold You.

Une nouvelle manière d’enregistrer

Mark Lewisohn, qui a épluché les fiches de séance d’EMI pour ses Recording Sessions, décrit ce 15 février comme l’ouverture d’une période plus sérieuse dans la manière dont les Beatles travaillent en studio. Jusque-là, le groupe enregistrait le plus souvent en direct, instruments et voix ensemble, en multipliant les prises jusqu’à obtenir la bonne. À partir de Ticket to Ride, la méthode s’inverse : on répète la piste rythmique jusqu’à ce qu’elle soit parfaite, on l’enregistre, puis on construit par-dessus les voix, les guitares supplémentaires, les percussions.

Le résultat se lit dans les chiffres. Ticket to Ride est bouclé en deux prises seulement, dont la première est un faux départ immédiat. La seconde est la bonne. Ce n’est pas que les Beatles soient soudain devenus infaillibles : c’est que tout le travail d’essai et d’erreur a eu lieu avant que la bande ne tourne, sous forme de répétitions. La séance occupe tout l’après-midi. Le soir même, le groupe enchaîne sur Another Girl et I Need You, la chanson de George Harrison qui figurera elle aussi dans le film.

Ce changement de méthode n’est pas anecdotique pour notre sujet. Un morceau enregistré en direct sonne comme un groupe qui joue dans une pièce. Un morceau construit par couches sonne comme un objet fabriqué, dont chaque élément peut être travaillé pour lui-même. La densité de Ticket to Ride, cette impression d’épaisseur qui frappera Lennon, est en partie un produit de cette nouvelle façon de faire. L’ingénieur Norman Smith, dont nous avons raconté le rôle décisif et le départ au moment de Rubber Soul, est aux manettes ce jour-là, sous la direction de George Martin.

Ce que McCartney en disait à chaud

Un témoignage contemporain permet de saisir la perception du groupe au moment même. Dans le Melody Maker du 20 mars 1965, McCartney présente la chanson comme très différente de tout ce que les Beatles avaient fait. Il la décrit comme assez lente, se dit très content des harmonies vocales qui accompagnent la voix principale de John, et évoque, faute d’un meilleur mot, un rythme un peu “arabe”. Il raconte aussi qu’en réécoutant la bande le soir, après avoir enchaîné sur un autre titre, les quatre musiciens l’ont tous trouvée très étrange, tant elle leur paraissait inhabituelle.

Ce témoignage a une valeur particulière parce qu’il précède de quinze ans la relecture de Lennon. En mars 1965, personne ne parle de heavy metal. Mais tout le monde, dans le groupe, a conscience d’avoir fabriqué quelque chose de bizarre, de lent, de dense, avec un rythme qui ne ressemble à rien de connu. La perception de nouveauté est là dès le premier jour. Seul le vocabulaire pour la décrire manque encore.

Un détail amusant de ce témoignage mérite d’être relevé : McCartney affirme que la chanson a été enregistrée “un matin”. Les fiches d’EMI indiquent pourtant une séance d’après-midi. Rien de grave, mais la contradiction rappelle que même les souvenirs les plus frais, recueillis cinq semaines après les faits, sont des reconstructions. C’est une leçon à garder en tête au moment d’aborder les récits beaucoup plus tardifs sur l’origine du titre.

Qui a écrit Ticket to Ride ? Trois versions pour une chanson

Lennon en 1965 : “aux trois quarts la mienne”

Le crédit officiel est, comme toujours, Lennon-McCartney. Derrière ce crédit, les deux auteurs ont donné au fil des ans des versions qui ne se recoupent pas. En 1965, Lennon présente la chanson comme étant aux trois quarts la sienne, en reconnaissant que Paul l’a un peu modifiée et lui a suggéré de changer l’air. C’est une attribution généreuse, au sens où elle concède à McCartney une intervention mélodique réelle.

Lennon en 1980 : “la contribution de Paul, c’est la batterie de Ringo”

Quinze ans plus tard, la part de McCartney s’est réduite comme peau de chagrin. Dans les entretiens Playboy, Lennon revendique la chanson et limite l’apport de son partenaire à une idée d’arrangement : la manière dont Ringo joue de la batterie. La formule est cinglante, mais elle contient malgré elle un aveu considérable. Si, comme Lennon l’affirme dans la même conversation, la batterie est justement ce qui rend le disque “lourd”, alors attribuer la batterie à McCartney revient à lui attribuer une part décisive de ce qui fait l’originalité du morceau. Le magazine MusicRadar l’a fait remarquer avec malice : en voulant minimiser McCartney, Lennon lui rend l’ingrédient principal de sa propre revendication.

McCartney en 1997 : “une séance de trois heures”

McCartney a répondu dans Many Years From Now, la biographie autorisée écrite par Barry Miles et publiée en 1997. Sa version est plus nuancée qu’on ne le dit souvent. Il admet que Lennon chante la mélodie principale et qu’à ce titre on peut lui attribuer environ 60 % de la chanson. Mais il conteste la description réductrice de 1980 : selon lui, les deux hommes se sont assis ensemble pour une séance d’écriture complète d’environ trois heures, au terme de laquelle ils avaient les paroles, les harmonies et tous les petits détails. Il décrit la chanson comme un travail d’atelier qui a plutôt bien tourné, et il revendique surtout la fin, cette coda qui change de tempo, comme le passage le plus audacieux du morceau.

Pourquoi la querelle compte pour notre sujet

Cette querelle d’attribution n’est pas qu’une affaire d’ego. Elle touche directement la question du caractère “lourd” du morceau. Si l’on suit Lennon de 1980, la lourdeur tient à la batterie, et la batterie tient à une idée de McCartney. Si l’on suit McCartney, l’innovation la plus radicale est la fin, avec son changement de tempo. Dans les deux cas, les éléments qui font de Ticket to Ride un disque à part relèvent davantage de l’arrangement que de la composition au sens strict. La mélodie et les paroles, elles, restent fondamentalement celles d’une chanson de Lennon, dans la veine introspective qu’il explorait depuis I’m a Loser.

C’est une donnée essentielle pour comprendre la période. Au début de 1965, l’originalité des Beatles se déplace. Elle ne loge plus seulement dans l’écriture, où le groupe excellait depuis 1963, mais de plus en plus dans la fabrication du son. Ticket to Ride est l’un des premiers disques où l’on peut dire que la façon de jouer compte autant que ce qui est joué. C’est le programme de toute la suite, de Rubber Soul à Revolver.

Le mystère du titre : Ryde, Hambourg et un billet de train

La piste de l’île de Wight

La première explication du titre est géographique, et c’est McCartney qui l’a donnée. Sa cousine Betty et le mari de celle-ci, Mike Robbins, tenaient des pubs ; l’un d’eux se trouvait dans Union Street, à Ryde, sur la côte nord de l’île de Wight. Au début des années 1960, Lennon et McCartney sont allés leur rendre visite en auto-stop. Des années plus tard, le souvenir de ce voyage aurait fourni un jeu de mots : un “ticket to ride”, un billet pour voyager, qui serait aussi un billet pour Ryde.

McCartney a longtemps présenté cette piste avec prudence. Dans Many Years From Now, il dit se souvenir qu’ils ont parlé de Ryde, mais que le titre était l’affaire de John. Dans The Lyrics, publié en 2021, il est plus affirmatif : Lennon et lui adoraient les jeux de mots, et la phrase renvoyait évidemment à un trajet en bus ou en train, mais aussi, pour qui veut vraiment savoir, à la ville de Ryde. Il précise au passage que Mike Robbins a fini sa carrière comme responsable des animations dans un village de vacances Butlin’s.

L’explication a pour elle la cohérence biographique et le goût bien documenté des deux auteurs pour les calembours. Elle a contre elle d’être partielle : elle éclaire le titre, pas le sens de la chanson, qui parle d’une femme qui s’en va, pas d’un voyage d’agrément sur la côte anglaise.

La piste de Hambourg

La seconde explication est beaucoup plus sulfureuse, et c’est elle qui fait la fortune de la chanson dans la presse depuis des décennies. Elle vient d’un journaliste, Don Short, qui suivait les Beatles pour le Daily Mirror. Selon son récit, Lennon lui aurait confié, lors du retour du groupe à Hambourg en juin 1966, que l’expression désignait les cartes sanitaires que les autorités médicales délivraient aux prostituées de la ville. Ces documents attestaient qu’elles n’étaient porteuses d’aucune maladie vénérienne, et leur donnaient en quelque sorte le droit de travailler. Short ajoute lui-même que Lennon plaisantait peut-être, et qu’il fallait toujours se méfier avec John, tout en affirmant se souvenir très nettement de la conversation.

L’explication est séduisante parce qu’elle colle à la mythologie hambourgeoise du groupe : les années de Reeperbahn, les clubs de Sankt Pauli, les nuits interminables, la fréquentation quotidienne d’un milieu interlope. Elle est plausible sur le fond : les prostituées déclarées de Hambourg étaient effectivement soumises à des contrôles médicaux et à un carnet sanitaire. Elle est enfin cohérente avec l’argot britannique de l’époque, où “ride” pouvait avoir une connotation sexuelle.

Ce que dit vraiment la chanson

Au-delà de ces deux légendes, le texte de la chanson est d’une grande clarté. Le narrateur annonce qu’il va être triste, parce que sa compagne s’en va. Elle a un billet, elle part, et cela lui est égal. Il comprend qu’elle ne pouvait pas vivre à ses côtés, que sa présence la tirait vers le bas, et qu’elle ne sera jamais libre tant qu’il sera là. Il lui reproche de ne pas avoir réfléchi, et il lui demande de changer d’avis, de revenir, sans grand espoir.

C’est cette situation, bien plus que Ryde ou Hambourg, qui fait la gravité de la chanson. Pour la première fois dans un single des Beatles, l’échec amoureux n’est pas un malentendu à réparer ni une jalousie passagère. C’est une rupture dont le narrateur est peut-être la cause, et qu’il constate avec une lucidité amère. C’est le versant “heavy” au sens de 1965 : une chanson qui pèse.

Pour la traduction et l’explication vers par vers, on se reportera à notre fiche consacrée aux paroles et à l’histoire de Ticket to Ride. Nous nous concentrons ici sur ce que les paroles ne disent pas : le son.

Anatomie d’un disque lourd : ce qui se passe réellement sur la bande

Pour juger l’affirmation de Lennon, il faut quitter le terrain des anecdotes et ouvrir la bande. Ticket to Ride a été enregistré sur un magnétophone quatre pistes, et la répartition des instruments, connue grâce aux fiches d’EMI et aux travaux de Lewisohn, permet de comprendre comment la densité du morceau a été fabriquée.

Piste	Contenu	Rôle dans la “lourdeur”
1	Batterie (Ringo Starr) et basse (Paul McCartney)	Le socle rythmique : motif de batterie brisé, toms basses, basse qui ancre le bourdon
2	Guitare rythmique à douze cordes (George Harrison) et guitare rythmique (John Lennon)	Le riff carillonnant et le mur d’accords
3	Voix principale de John Lennon	Une voix grave et retenue, doublée
4	Tambourin, battements de mains, harmonies vocales, guitare solo supplémentaire (Paul McCartney)	Les ponctuations et les traits de guitare qui “piquent”

La batterie : le motif qui trébuche

Commençons par l’élément que Lennon désigne lui-même comme la source de la lourdeur. Ringo Starr ne joue pas, sur Ticket to Ride, le temps régulier et entraînant des singles de 1963-1964. Il joue un motif brisé, qui semble trébucher à chaque mesure : une figure syncopée, avec des accents décalés, des roulements sur les toms basses et une caisse claire qui tombe là où on ne l’attend pas tout à fait. Ian MacDonald, dans Revolution in the Head, insiste sur ces toms graves qui grondent sous le morceau ; le critique Dave Marsh voyait dans le groove de la chanson une réfutation de tous les doutes sur les capacités de Ringo.

Ce motif change complètement la perception de la chanson. Sur un tempo modéré, un rythme régulier aurait donné une ballade. Le motif brisé lui donne un balancement lourd, pesant, presque boiteux, qui empêche le morceau de décoller et le tire vers le sol. C’est littéralement une batterie “heavy” : elle pèse. C’est probablement ce que McCartney avait en tête en proposant l’idée, et c’est ce que Lennon entendait quinze ans plus tard en revendiquant le caractère lourd du disque.

La comparaison avec le métal devient ici pertinente, à condition de rester précis. Le heavy metal de la fin des années 1960 repose, entre autres, sur un rapport nouveau entre la batterie et le reste du groupe : la batterie n’accompagne plus, elle structure. Elle devient une architecture sur laquelle les riffs s’appuient. Sur Ticket to Ride, pour la première fois dans un single des Beatles, la partie de batterie est un motif composé, identifiable, qu’on pourrait fredonner. Elle ne sert pas la chanson, elle la définit. Nous avons longuement montré, dans notre enquête sur le procès en médiocrité fait à Ringo Starr, combien ce type d’invention a été sous-estimé.

La guitare à douze cordes : un riff qui carillonne

Le deuxième élément est le riff d’introduction, joué par George Harrison sur sa Rickenbacker à douze cordes, l’instrument qu’il avait reçu en 1964 et qui avait déjà donné son éclat à A Hard Day’s Night. Ce riff ne rythme pas la chanson, il la fait sonner. Les cordes doublées à l’octave produisent un halo harmonique, une sorte de carillon métallique qui se prolonge et se superpose à lui-même. MacDonald parle de guitares qui carillonnent massivement ; l’expression est juste.

Ce son est l’une des matrices du folk rock américain. Quelques semaines après la sortie de Ticket to Ride, les Byrds publient leur version électrique de Mr. Tambourine Man, où Roger McGuinn fait de la Rickenbacker à douze cordes la signature d’un genre entier. Ce n’est pas du métal, c’est même son opposé esthétique. Mais la logique est la même : l’instrument ne joue plus des accords pour accompagner une voix, il produit une texture qui occupe tout l’espace sonore. La lourdeur de Ticket to Ride est d’abord une question de densité.

Le bourdon : une harmonie qui refuse de bouger

Le troisième élément est le plus subtil, et c’est aussi celui que les analystes ont le plus commenté. Le riff d’Harrison s’appuie sur une note de la tonique, le la, qui reste présente en permanence pendant les couplets, comme un bourdon. Les accords changent au-dessus, mais la basse harmonique, elle, ne bouge pas. Ce procédé est l’un des fondements de la musique indienne, où la tampura fait entendre en continu les notes fondamentales du raga.

MacDonald a relevé ce recours au bourdon, et il a suggéré qu’il aurait pu influencer See My Friends des Kinks, publié quelques mois plus tard, en juillet 1965. L’hypothèse est discutée. Nous avons raconté dans un article dédié comment ce petit single des Kinks a inventé le raga rock avant les Beatles, au point que McCartney a reconnu avoir été devancé. Mais sur le plan strictement sonore, Ticket to Ride précède See My Friends, et il contient déjà cette immobilité harmonique qui deviendra l’une des marques du rock psychédélique puis du rock lourd. Tomorrow Never Knows, en 1966, poussera la logique à son terme : un seul accord pendant presque toute la chanson. Et nombre de riffs de heavy metal reposent précisément sur une note pédale grave, répétée sous des accords mobiles.

C’est l’ingrédient le plus convaincant de la thèse de Lennon. Le bourdon crée une tension qui ne se résout pas. L’oreille attend un changement de basse qui ne vient pas, et cette attente frustrée produit une sensation de poids, d’insistance, d’obsession. La même sensation que l’on retrouvera, décuplée, dans la coda de I Want You (She’s So Heavy).

La guitare solo de McCartney

Le quatrième élément est souvent oublié : les traits de guitare solo qui ponctuent le morceau et en particulier sa fin ne sont pas joués par George Harrison mais par Paul McCartney. C’est l’une des premières fois que McCartney tient une partie de guitare solo sur un disque des Beatles, et il le refera le même jour sur Another Girl, puis sur Taxman en 1966. Son jeu est plus sec, plus nerveux, plus “piquant” que celui d’Harrison. Ce sont de courts traits incisifs, placés en réponse à la voix, avec un son plus agressif que les guitares rythmiques.

Un auditeur attentif a noté que, dans le canal droit du mixage stéréo, derrière le riff, se cache une guitare mixée assez bas mais au son étonnamment rugueux. C’est sans doute à ce genre de détail que Lennon pensait en disant qu’avec les bandes multipistes, il pourrait montrer ce que le morceau contient vraiment. La lourdeur est là, mais elle est enfouie dans le mixage de 1965, qui privilégie encore la voix et l’équilibre général. Notre portrait de Paul McCartney en ciment musical des Beatles revient sur cette polyvalence instrumentale qui lui permettait de passer de la basse à la guitare solo d’une chanson à l’autre.

La voix : grave, doublée, retenue

Le cinquième élément est la voix de Lennon. Il chante dans un registre relativement grave pour lui, sans les cris aigus de Twist and Shout ou de Money. Sa voix est doublée, selon une technique que les Beatles emploient depuis 1963 et que Lennon affectionne parce qu’il n’aime pas le son de sa propre voix seule. McCartney chante les harmonies, et il a précisé que les deux hommes avaient travaillé la mélodie ensemble pendant l’écriture, Lennon prenant la ligne principale et lui l’harmonie.

Ce chant retenu, presque las, contribue à la gravité du morceau. Il n’y a ni exubérance ni supplication spectaculaire. Le narrateur constate. C’est un ton que Lennon développera jusqu’à la dépression déclarée de Help!, écrite quelques semaines plus tard, et jusqu’à Yer Blues en 1968, qu’il fera entrer dans le registre du blues le plus noir. Notre fiche sur Yer Blues retrace cette évolution.

La coda : le changement de tempo

Le sixième élément est celui que McCartney revendique comme le plus radical : la fin. Au lieu de conclure la chanson en reprenant le refrain comme un dernier couplet, les Beatles changent de tempo. Ils reprennent un fragment du texte, la phrase où le narrateur constate que sa compagne s’en moque, mais sur une mélodie complètement nouvelle et en doublant la vitesse, sur un accord de la majeur tenu en permanence, avec le rythme accéléré utilisé dans le pont.

McCartney a expliqué à Barry Miles que ce passage avait été écrit spécialement pour le fondu de sortie, qu’on n’avait presque jamais vu une chanson inventer une section nouvelle destinée uniquement à disparaître, et que c’était un geste assez culotté pour l’époque. Lennon, de son côté, citait ce passage parmi ses moments préférés de la chanson. C’est l’un des rares points sur lesquels les deux auteurs sont d’accord.

L’importance de ce procédé dépasse largement Ticket to Ride. Une coda autonome, qui change de tempo et de mélodie, c’est l’amorce de toutes les fins étirées et hypnotiques qui marqueront la suite : la fin de Hey Jude, celle de I Want You (She’s So Heavy), le long fondu de Strawberry Fields Forever. C’est aussi une idée qui fera fortune dans le rock lourd des années 1970, où les morceaux se terminent souvent par un changement de vitesse, une accélération ou un ralentissement brutal destinés à marquer physiquement l’auditeur.

Une durée inhabituelle

Enfin, un dernier détail a son importance : la durée. À un peu plus de trois minutes, Ticket to Ride est souvent présenté comme la première chanson des Beatles à franchir la barre des trois minutes. Dans une industrie où le single idéal durait deux minutes et demie, pour s’insérer facilement entre deux publicités à la radio, c’était une petite provocation. Cette durée est une conséquence directe du tempo modéré et de la coda : les Beatles prennent leur temps. Ils installent un climat au lieu de livrer un tube calibré.

L’hypothèse du LSD : une chronologie qui résiste mal

Ce que suggère Ian MacDonald

Ian MacDonald a avancé une hypothèse qui a beaucoup circulé : le son lourd de Ticket to Ride pourrait avoir été influencé par la première expérience de Lennon et d’Harrison avec le LSD. On connaît l’épisode : un dîner chez le dentiste John Riley, à Londres, au cours duquel l’hôte a versé de l’acide dans le café de ses invités à leur insu, avant une nuit d’errance qui s’est terminée au club Ad Lib. Lennon et Harrison en ont parlé à plusieurs reprises comme d’une expérience fondatrice.

L’hypothèse est séduisante parce qu’elle offre une explication simple au changement de climat : les Beatles auraient commencé à entendre le monde autrement, et leur musique aurait suivi. Elle s’inscrit aussi dans le grand récit de l’évolution psychédélique du groupe, que nous avons retracé dans notre dossier sur l’expérimentation musicale des Beatles en studio de 1962 à 1970.

Le problème de la date

Le problème est chronologique. La date exacte du dîner chez John Riley varie selon les biographes, et la plupart la situent au printemps 1965, c’est-à-dire après le 15 février. Or Ticket to Ride a été écrit avant cette date, et enregistré ce jour-là. Si le dîner a eu lieu en mars ou en avril, comme beaucoup le pensent, l’influence directe du LSD sur la conception de la chanson est matériellement impossible.

Une explication plus prosaïque

Il existe une explication plus simple et mieux documentée à la couleur sombre de Ticket to Ride : la fatigue, la lassitude de la Beatlemania et la maturation personnelle de Lennon. Depuis la fin 1964, celui-ci écrit des chansons qui parlent d’échec et de solitude. Il est marié, père d’un jeune enfant, installé dans une grande maison de banlieue à Weybridge où il s’ennuie. Il lit, il écoute Bob Dylan, il commence à comprendre qu’une chanson pop peut parler de soi. Ticket to Ride n’a pas besoin du LSD pour être sombre. Elle a besoin d’un Lennon de 24 ans qui ne supporte plus d’être un Beatle souriant. Nous avons exploré cette période dans notre article sur la période que Lennon préférait chez les Beatles.

Le test des classements : ce que Lennon nous demandait de vérifier

Prendre Lennon au mot

Lennon ne se contentait pas d’affirmer que Ticket to Ride était lourd. Il donnait une méthode de vérification : allez regarder ce que les autres faisaient dans les classements. Prenons-le au mot. Que trouvait-on au sommet des hit-parades britannique et américain au printemps 1965 ?

Classement	Période	N°1
Royaume-Uni	Mars 1965	The Rolling Stones, The Last Time
Royaume-Uni	Début avril 1965	Unit 4 + 2, Concrete and Clay
Royaume-Uni	Mi-avril 1965	Cliff Richard, The Minute You’re Gone
Royaume-Uni	22 avril – mi-mai 1965	The Beatles, Ticket to Ride (3 semaines)
Royaume-Uni	Mai 1965	Roger Miller, King of the Road
États-Unis	Début mai 1965	Herman’s Hermits, Mrs. Brown, You’ve Got a Lovely Daughter
États-Unis	22 mai 1965	The Beatles, Ticket to Ride (1 semaine)
États-Unis	Fin mai 1965	The Beach Boys, Help Me, Rhonda

Le tableau parle de lui-même. Autour de Ticket to Ride, on trouve une chanson de variétés de Cliff Richard, une ballade country de Roger Miller, une rengaine de music-hall chantée par Herman’s Hermits avec un accent de Manchester outré, un morceau pop aux percussions latines d’Unit 4 + 2 et un titre ensoleillé des Beach Boys. Seuls les Rolling Stones, avec The Last Time, proposent quelque chose d’aussi râpeux, et encore : le morceau reste un rhythm and blues entraînant, sans le poids ni l’immobilité harmonique de Ticket to Ride.

Sur ce terrain, Lennon a raison. Dans le paysage des numéros un du printemps 1965, Ticket to Ride est de loin le disque le plus dense, le plus sombre et le plus étrange. Le test qu’il proposait, les classements, tourne à son avantage.

Mais les classements ne sont pas toute la musique

L’argument a cependant une faiblesse : il compare Ticket to Ride aux tubes, pas à ce qui se faisait de plus radical. Or, en dehors des sommets du hit-parade, la scène britannique de 1964-1965 bouillonne d’expériences sonores bien plus brutales. Les Kinks ont publié You Really Got Me en août 1964, avec un riff d’accords de puissance joué sur un amplificateur dont Dave Davies avait tailladé le haut-parleur à la lame de rasoir pour obtenir une saturation sale. Ils ont enchaîné avec All Day and All of the Night en octobre 1964. Les Who ont publié I Can’t Explain en janvier 1965, en attendant Anyway, Anyhow, Anywhere et ses larsens au printemps. Les Yardbirds, avec For Your Love, ont mêlé clavecin et rythme heurté dès mars 1965.

Si l’on cherche les ancêtres du heavy metal, c’est vers ces disques-là que la plupart des historiens se tournent. Le riff d’accords de puissance de You Really Got Me, joué fort et saturé, est une matrice bien plus directe de ce que feront Black Sabbath et Deep Purple que le carillon d’Harrison. Face à ces concurrents, la revendication de Lennon perd de sa force : Ticket to Ride est plus lourd que Cliff Richard, certainement pas plus agressif que les Kinks.

Les Beatles contre eux-mêmes

Il faut enfin comparer Ticket to Ride aux autres disques des Beatles. Le groupe avait déjà, quelques mois plus tôt, ouvert I Feel Fine, enregistré le 18 octobre 1964, sur un larsen de guitare délibérément placé en tête du disque. Lennon revendiquait volontiers ce larsen comme le premier jamais gravé intentionnellement sur un disque, autre affirmation difficile à prouver mais qui témoigne d’un intérêt ancien pour le bruit. Et quelques mois plus tard, à l’automne 1965, Day Tripper ferait reposer toute une chanson sur un riff de guitare, ce que nous avons analysé en détail dans notre enquête sur la bande de travail de Day Tripper.

Ticket to Ride se situe exactement entre ces deux moments. Il n’a pas l’effet de bruit spectaculaire d’I Feel Fine, ni le riff de guitare dominant de Day Tripper. Sa lourdeur est ailleurs : dans la masse, dans le rythme, dans l’immobilité harmonique. C’est une lourdeur de structure, pas une lourdeur de volume. Et c’est précisément ce qui rend la revendication de Lennon à la fois discutable et intéressante.

Les autres prétendants au titre de “premier disque lourd”

Une généalogie à plusieurs racines

Aucun genre musical ne naît d’un seul disque. Le heavy metal a des racines multiples, et les historiens les font remonter à des sources très différentes : le blues électrique de Chicago, avec Howlin’ Wolf et Muddy Waters, dont les amplificateurs poussés à fond produisaient déjà de la saturation dans les années 1950 ; le rock instrumental de Link Wray, dont Rumble, en 1958, fut l’un des premiers disques à exploiter délibérément un son de guitare distordu ; le riff d’accords de puissance des Kinks en 1964 ; la saturation et la puissance scénique des Who ; les expérimentations de Jimi Hendrix et de Cream à partir de 1966-1967 ; puis la masse sonore de Blue Cheer, d’Iron Butterfly et de Vanilla Fudge en 1967-1968.

Dans cette généalogie, les Beatles occupent une place à part. Ils ne sont pas des pionniers de la saturation ni du volume. Mais ils sont des pionniers de plusieurs éléments qui, combinés, donneront au rock lourd sa grammaire : la batterie comme architecture, le bourdon harmonique, les codas étirées, le studio comme instrument. Ticket to Ride réunit pour la première fois plusieurs de ces éléments dans un même disque. C’est en ce sens, et en ce sens seulement, qu’il peut prétendre au titre de l’un des premiers disques lourds.

Vanilla Fudge, 1967 : la preuve par la reprise

Un indice concret appuie cette lecture. En 1967, le groupe américain Vanilla Fudge, pionnier d’un rock psychédélique massif, ralenti et saturé d’orgue Hammond, publie son premier album. Il ne contient que des reprises, jouées au ralenti avec une emphase dramatique qui annonce le rock lourd. Parmi elles figurent deux chansons des Beatles : Eleanor Rigby et Ticket to Ride. Le choix n’est pas anodin. Pour un groupe qui cherche à alourdir la pop, Ticket to Ride est un matériau idéal, précisément parce que sa structure contient déjà la lenteur, le bourdon et la gravité qu’il suffit d’amplifier. Vanilla Fudge influencera directement Deep Purple, dont les premiers albums reprendront la même méthode.

La filiation revendiquée par Lennon trouve ici un appui concret : l’un des groupes qui ont inventé le son lourd de la fin des années 1960 a choisi Ticket to Ride comme terrain d’expérimentation.

Les Carpenters, 1969 : la preuve inverse

Deux ans plus tard, une autre reprise démontre l’inverse, et c’est tout aussi instructif. En 1969, le duo formé par Karen et Richard Carpenter publie son premier album, d’abord intitulé Offering, puis réédité sous le titre Ticket to Ride après le succès du duo. Richard Carpenter, en entendant la version des Beatles, a eu l’idée d’en faire une ballade. Son arrangement transforme complètement le morceau : lent, sombre, porté par la voix grave et feutrée de Karen, il met au premier plan la tristesse des paroles au lieu de la puissance rythmique. Le single, publié le 5 novembre 1969, atteint la 54^e place du Billboard Hot 100 et la 19^e place du classement Adult Contemporary. Richard Carpenter réenregistrera le morceau en 1973 pour la compilation The Singles 1969-1973.

La version des Carpenters prouve que Ticket to Ride n’est pas lourd par nature. Débarrassé de la batterie de Ringo, du carillon de la douze cordes et de la coda accélérée, il devient une complainte douce. Autrement dit, la lourdeur du disque de 1965 tient entièrement à l’arrangement et à l’interprétation, pas à la chanson en tant que telle. C’est exactement ce que suggérait la querelle d’attribution : ce qui rend Ticket to Ride lourd, c’est la façon dont il est joué.

La coïncidence a quelque chose de poignant : la version mélancolique des Carpenters paraît à l’automne 1969, au moment où les Beatles eux-mêmes sont en train de se séparer. Une chanson de rupture, transformée en ballade d’adieu, accompagne sans le savoir la fin du groupe qui l’a écrite.

La face B : Yes It Is, l’envers exact de Ticket to Ride

Un single construit sur un contraste

On oublie souvent de retourner le disque. La face B de Ticket to Ride est Yes It Is, une autre chanson de Lennon, enregistrée le lendemain, le 16 février 1965. Tout y est à l’opposé de la face A. Là où Ticket to Ride est dense, rythmique et massif, Yes It Is est une ballade lente en trois voix, d’une douceur presque liturgique. Là où la douze cordes d’Harrison carillonne, sa guitare, sur la face B, est filtrée par une pédale de volume qui efface l’attaque des notes et les fait surgir comme des nappes, un effet que les Beatles réemploieront sur I Need You.

Les deux faces racontent pourtant une histoire voisine : celle d’un homme blessé par une relation, dans un cas parce que la femme s’en va, dans l’autre parce qu’une couleur, le rouge, lui rappelle un amour passé qu’il ne parvient pas à oublier. Le single forme ainsi un diptyque sur la perte, décliné en deux esthétiques opposées : le poids et la grâce.

Ce que le contraste révèle

Ce contraste confirme une chose importante : en février 1965, la lourdeur de Ticket to Ride est un choix, pas une limite. Le même Lennon, le même jour ou presque, avec les mêmes musiciens, est capable d’écrire et d’enregistrer une ballade d’une délicatesse extrême. Les Beatles ne sont pas en train de basculer vers le rock lourd, ils élargissent leur palette dans toutes les directions à la fois. Lennon, plus tard, se montrera sévère avec Yes It Is, qu’il considérait comme une tentative ratée de réécrire This Boy. La chanson a pourtant ses défenseurs, et son travail harmonique annonce les harmonies vocales de Because, quatre ans plus tard. Sur la stratégie qui conduisait les Beatles à publier leurs singles en dehors de leurs albums, on se reportera à notre article pourquoi les Beatles ont-ils séparé leurs 45 tours de leurs albums.

Du studio à l’écran : Ticket to Ride dans le film Help!

Les pistes de ski d’Obertauern

Ticket to Ride a été écrit et enregistré pour le deuxième film des Beatles, réalisé comme le premier par Richard Lester. En mars 1965, le tournage conduit le groupe dans la station de ski d’Obertauern, en Autriche, après une première partie tournée aux Bahamas. C’est là qu’est filmée la séquence qui accompagne la chanson : une suite de gags burlesques sur la neige, où les quatre Beatles, pour la plupart débutants à ski, tombent, glissent et se relèvent sous l’œil complice de la caméra.

Le contraste est saisissant entre le ton de la séquence, léger et bouffon, et celui de la chanson, sombre et pesant. Lester utilise la musique comme une bande-son indépendante de l’action, selon un procédé qu’il avait déjà expérimenté dans A Hard Day’s Night et qui préfigure l’esthétique du clip vidéo. La chanson ne raconte pas ce qu’on voit à l’écran, elle l’accompagne. Des années plus tard, cette manière de filmer une chanson sera saluée comme l’une des matrices de la vidéo musicale moderne.

Un titre de film qui n’existait pas

Un détail ravit les collectionneurs : sur l’étiquette du single américain publié par Capitol le 19 avril 1965, la chanson est présentée comme extraite du film de United Artists Eight Arms to Hold You. C’était le titre provisoire du film, abandonné peu après au profit de Help!, quand Lennon eut écrit la chanson du même nom. Les pressages portant cette mention sont devenus des objets recherchés, témoins d’un film qui n’a jamais existé sous ce titre.

Le film sort en avant-première au London Pavilion le 29 juillet 1965, et l’album Help! suit le 6 août 1965. Ticket to Ride y figure en septième position, clôturant la face consacrée aux chansons du film. Pour l’histoire complète de cet album charnière, on lira notre grand dossier Help!, 61 ans après : anatomie de l’album où les Beatles ont commencé à dire la vérité.

Sur scène : un disque lourd face aux hurlements

La télévision, la radio et un voyage dans le temps

Une chanson qui sort en avril 1965 doit être défendue sur tous les fronts. Les Beatles la jouent à la télévision britannique, notamment pour Top of the Pops. De cette prestation, un fragment a survécu par un chemin inattendu : il a été intégré à un épisode de la série de science-fiction Doctor Who, diffusé en mai 1965, dans lequel les héros observent l’histoire à l’aide d’une machine à visualiser le temps et tombent sur les Beatles en train de jouer Ticket to Ride. Ce clin d’œil de la BBC à ses propres archives est aujourd’hui l’une des rares traces filmées de cette prestation.

À la radio, le morceau donne même son titre à la dernière grande émission spéciale des Beatles pour la BBC, enregistrée le 26 mai 1965 et diffusée le lundi de Pentecôte, 7 juin 1965 : The Beatles (Invite You to Take a Ticket to Ride). Une version captée pour la BBC figure sur Live at the BBC. Nous avons raconté cette longue relation dans l’histoire complète des Beatles à la BBC.

Wembley, Blackpool, Ed Sullivan

Le 11 avril 1965, deux jours après la sortie du single, les Beatles sont en tête d’affiche du concert annuel des lauréats du référendum du New Musical Express, à l’Empire Pool de Wembley. Ticket to Ride entre immédiatement dans leur répertoire de scène. Le 1^er août 1965, ils la jouent à la télévision depuis Blackpool, dans l’émission Blackpool Night Out ; cette interprétation figure sur Anthology 2, publié en 1996. Le 14 août, ils l’enregistrent pour le Ed Sullivan Show, diffusé le 12 septembre 1965.

Shea Stadium et Hollywood Bowl

Pendant la tournée nord-américaine de l’été 1965, Ticket to Ride fait partie de chaque concert. Le 15 août 1965, elle est jouée devant 55 600 personnes au Shea Stadium de New York, dans des conditions acoustiques à peu près impossibles : les amplificateurs de 100 watts du groupe sont branchés sur la sonorisation du stade, conçue pour les annonces des matchs de baseball, et les hurlements du public couvrent tout. Pour le documentaire The Beatles at Shea Stadium, la bande-son de la chanson sera d’ailleurs réenregistrée à Londres. Notre article Shea Stadium, le concert que personne n’a entendu revient sur cette soirée.

Le 29 août 1965, la chanson est captée au Hollywood Bowl de Los Angeles, et cette version figurera en 1977 sur l’album The Beatles at the Hollywood Bowl, réédité et remixé en 2016 sous le titre Live at the Hollywood Bowl. On y entend le paradoxe de Ticket to Ride sur scène : la chanson que Lennon considérait comme un disque lourd, avec sa batterie complexe et son riff de douze cordes, est engloutie par le vacarme d’un public qui n’écoute plus. Ce décalage croissant entre la musique enregistrée et la musique jouée en concert conduira à l’arrêt des tournées l’année suivante, un processus que nous analysons dans pourquoi l’arrêt des tournées était inéluctable.

Du “heavy” de 1965 à celui de 1969 : la lignée lourde des Beatles

1966 : Rain et Paperback Writer

Si Ticket to Ride est le premier disque que Lennon qualifie de lourd, il n’est pas le dernier. Au printemps 1966, le single Paperback Writer, avec Rain en face B, pousse la logique plus loin. McCartney y remplace sa basse Höfner par une Rickenbacker, et les ingénieurs d’Abbey Road utilisent un haut-parleur comme microphone pour obtenir une basse plus présente que jamais sur un disque britannique. Sur Rain, Ringo Starr livre une partie de batterie qu’il a souvent citée comme sa préférée, et le morceau repose, comme Ticket to Ride, sur un rythme lent et pesant et sur une harmonie qui tourne autour d’un seul centre. On mesure le chemin parcouru en un an : la lourdeur est devenue un projet assumé. Sur l’instrument de McCartney, notre dossier consacré à la Höfner 500/1 retrace ces changements de matériel.

1968 : Revolution et Helter Skelter

En 1968, la lourdeur devient bruit. La version single de Revolution s’ouvre sur une guitare saturée jusqu’à la distorsion, obtenue en branchant directement les guitares dans la console, ce qui provoque une surcharge délibérée. Quelques semaines plus tard, McCartney enregistre Helter Skelter, conçu explicitement pour être le morceau le plus bruyant et le plus sale possible, après avoir lu qu’un groupe concurrent se vantait d’avoir fait le disque le plus sauvage du moment. Ringo termine la séance en criant qu’il a des ampoules aux doigts. C’est ce morceau, bien plus que Ticket to Ride, que la plupart des historiens citent comme la contribution des Beatles à la naissance du heavy metal.

1969 : I Want You (She’s So Heavy)

La boucle se referme en 1969 avec I Want You (She’s So Heavy). Le mot “heavy” est désormais dans le titre. Le morceau de Lennon est un blues obsessionnel, dont la coda répète un même motif descendant en accumulant les guitares superposées et un bruit blanc produit par un synthétiseur, jusqu’à la coupure brutale décidée au montage. Harrison le décrivait comme très lourd. Tout ce que Ticket to Ride contenait en germe en 1965, le bourdon, l’immobilité, la répétition, la coda autonome et la batterie comme architecture, y est porté à son paroxysme.

Entre les deux morceaux, il y a exactement quatre ans. C’est la durée d’une révolution. Notre classement des dix chansons les plus rock des Beatles, de Ticket to Ride à Helter Skelter propose une lecture complète de cette lignée.

Verdict : Lennon avait-il raison ?

Ce qui est faux

Prise au pied de la lettre, la revendication de Lennon ne tient pas. Ticket to Ride n’est pas un disque de heavy metal, ni au sens de 1970 ni au sens d’aujourd’hui. Il n’a ni la saturation, ni le volume, ni le riff d’accords de puissance qui définissent le genre. À la même époque, les Kinks, les Who et les Yardbirds faisaient déjà un rock plus agressif. Et dans la discographie même des Beatles, d’autres morceaux, Helter Skelter en tête, sont des ancêtres bien plus directs du métal.

Ce qui est juste

Mais comprise dans son sens de 1965, la déclaration est parfaitement fondée. Ticket to Ride est bien plus lourd, au sens de dense et de grave, que tout ce que les Beatles avaient publié auparavant, et que la quasi-totalité des numéros un de son époque. Il introduit dans un single pop plusieurs procédés qui deviendront des piliers du rock lourd : une batterie conçue comme un motif structurant, un bourdon harmonique qui refuse de se résoudre, une texture de guitares qui remplit tout l’espace, une coda autonome qui change de tempo. Et l’un des groupes fondateurs du rock lourd de la fin des années 1960, Vanilla Fudge, l’a choisi pour matériau.

Ce qui est le plus intéressant

Le plus intéressant, c’est peut-être la façon dont la phrase de Lennon éclaire sa propre trajectoire. En 1965, il a 24 ans et commence à se sentir enfermé dans l’image du Beatle aimable. Ticket to Ride est l’un des premiers disques où il fait entendre autre chose. En 1980, à 39 ans, il revendique ce disque comme l’ancêtre d’un genre viril, puissant, rebelle. Ce n’est pas tant une analyse musicologique qu’un autoportrait : Lennon se reconnaît dans ce disque parce qu’il y a pour la première fois fait sonner son malaise. “Heavy”, chez lui, n’a jamais seulement voulu dire bruyant. Cela voulait dire vrai.

Guide d’écoute : entendre la lourdeur de Ticket to Ride en huit étapes

Une méthode pour réécouter le morceau

1. L’introduction. Concentrez-vous uniquement sur le riff de la douze cordes. Écoutez comment les notes se prolongent et se chevauchent, produisant un halo plutôt qu’une ligne. Notez la note grave qui ne change pas.

2. L’entrée de la batterie. Oubliez la voix et suivez uniquement Ringo. Essayez de taper le motif sur une table : vous constaterez qu’il n’est pas régulier, qu’il semble boiter, et que c’est cela qui donne au morceau son balancement pesant.

3. Les toms basses. Guettez les roulements graves qui ponctuent le motif. Ce sont eux qui donnent au disque ce grondement que MacDonald relevait.

4. Le bourdon. Pendant le premier couplet, essayez de fredonner la note de la ; vous pourrez la tenir sans rupture sous presque tous les accords. C’est l’immobilité harmonique qui crée la tension.

5. La voix. Écoutez le doublage de la voix de Lennon et l’entrée de l’harmonie de McCartney. Notez le registre grave et le ton retenu, presque résigné.

6. Le pont. Au moment du pont, le rythme change de caractère. Repérez cette accélération : c’est elle qui reviendra, transformée, dans la coda.

7. Les traits de guitare solo. Cherchez les courtes phrases incisives de McCartney, en particulier vers la fin. Sur le mixage stéréo, écoutez aussi le canal droit, où une guitare au son plus rugueux se cache derrière le riff.

8. La coda. Enfin, écoutez le changement de tempo final, sur la phrase répétée en boucle. Remarquez que la mélodie est nouvelle et que le morceau ne se termine pas, il s’efface. Imaginez ce passage joué deux fois plus fort, deux fois plus lentement, avec une guitare saturée : vous entendrez ce que Lennon entendait en 1980.

Pour prolonger l’écoute, comparez ensuite la version studio avec celle du Hollywood Bowl, puis avec la ballade des Carpenters. Les trois versions montrent, chacune à sa manière, que la lourdeur de Ticket to Ride est affaire d’interprétation plus que de composition.

Chronologie de Ticket to Ride

Date	Événement
Début des années 1960	Lennon et McCartney rendent visite en auto-stop à Betty et Mike Robbins, cousins de McCartney, qui tiennent un pub à Ryde, sur l’île de Wight
Août 1964	Les Kinks publient You Really Got Me
18 octobre 1964	Enregistrement d’I Feel Fine et de son larsen d’ouverture
26 octobre 1964	Dernière séance de Beatles for Sale
11 février 1965	Mariage de Ringo Starr et Maureen Cox
15 février 1965	Enregistrement de Ticket to Ride en deux prises au Studio Two d’Abbey Road ; le soir, Another Girl et I Need You
16 février 1965	Enregistrement de Yes It Is, future face B
Mars 1965	Tournage de la séquence de ski à Obertauern (Autriche)
20 mars 1965	McCartney présente la chanson dans le Melody Maker
9 avril 1965	Sortie du single au Royaume-Uni (Parlophone R 5265)
11 avril 1965	Concert des lauréats du New Musical Express à l’Empire Pool de Wembley
19 avril 1965	Sortie aux États-Unis (Capitol 5407), étiquette mentionnant Eight Arms to Hold You
22 avril 1965	N°1 au Royaume-Uni, pour trois semaines
22 mai 1965	N°1 du Billboard Hot 100, pour une semaine
7 juin 1965	Diffusion de l’émission spéciale BBC The Beatles (Invite You to Take a Ticket to Ride)
29 juillet 1965	Avant-première du film Help! au London Pavilion
1er août 1965	Interprétation télévisée à Blackpool Night Out (future plage d’Anthology 2)
6 août 1965	Sortie de l’album Help!
15 août 1965	Concert du Shea Stadium
29 août 1965	Captation au Hollywood Bowl
1967	Reprise ralentie de Vanilla Fudge sur son premier album
5 novembre 1969	Single des Carpenters, 54e au Billboard Hot 100
Septembre 1980	Entretiens avec David Sheff pour Playboy : “l’un des premiers disques de heavy metal”
1996	Parution d’Anthology 2, avec la version de Blackpool
1997	Many Years From Now : McCartney revendique une séance d’écriture commune de trois heures
2004	Rolling Stone classe la chanson parmi les 500 plus grandes de tous les temps
2021	The Lyrics : McCartney confirme le jeu de mots sur Ryde

Questions fréquentes sur Ticket to Ride

Pourquoi John Lennon disait-il que Ticket to Ride était “pretty fuckin’ heavy” ?

Parce qu’en comparaison des disques qui occupaient les classements en 1965, la chanson était beaucoup plus dense et plus sombre : batterie au motif brisé, bourdon harmonique, guitare à douze cordes qui carillonne, coda qui change de tempo. Lennon insistait en particulier sur la batterie, qu’il jugeait elle-même lourde.

Lennon a-t-il dit que c’était le premier disque de heavy metal ?

Non. Dans ses entretiens de 1980 avec David Sheff pour Playboy, il l’a présenté comme l’un des tout premiers disques de heavy metal, pas comme le premier. La nuance est importante : il revendique une filiation, pas une invention.

Qui a écrit Ticket to Ride ?

La chanson est créditée Lennon-McCartney et a été écrite pour l’essentiel par John Lennon. Lennon se l’attribuait aux trois quarts en 1965 et presque entièrement en 1980 ; McCartney lui accorde environ 60 % mais décrit une séance d’écriture commune de trois heures et revendique notamment l’idée de la coda.

Que signifie le titre Ticket to Ride ?

Deux explications coexistent. Selon McCartney, le titre joue sur la ville de Ryde, sur l’île de Wight, où vivaient ses cousins. Selon un souvenir du journaliste Don Short, Lennon lui aurait dit qu’il désignait les cartes sanitaires des prostituées de Hambourg. La première est confirmée à deux reprises par McCartney, la seconde repose sur un témoignage unique et indirect.

Qui joue la guitare solo sur Ticket to Ride ?

Paul McCartney. George Harrison joue le riff d’introduction sur sa Rickenbacker à douze cordes, et McCartney, en plus de la basse, ajoute les traits de guitare solo, notamment à la fin du morceau.

Quand Ticket to Ride a-t-il été enregistré ?

Le lundi 15 février 1965, au Studio Two d’Abbey Road, en deux prises seulement. C’était la première chanson enregistrée pour l’album et le film Help!.

Ticket to Ride a-t-il été numéro un ?

Oui, des deux côtés de l’Atlantique : trois semaines en tête du classement britannique à partir du 22 avril 1965, et une semaine en tête du Billboard Hot 100 le 22 mai 1965.

Quelle est la face B du single ?

Yes It Is, une ballade de Lennon enregistrée le 16 février 1965, avec des harmonies à trois voix et une guitare filtrée par une pédale de volume. Elle forme un contraste frappant avec la face A.

Ticket to Ride a-t-il été influencé par le LSD ?

C’est une hypothèse avancée par Ian MacDonald, mais la chronologie la fragilise : la première expérience de Lennon et d’Harrison avec le LSD est généralement datée du printemps 1965, après l’enregistrement du 15 février. Rien ne permet de l’établir.

Quelles sont les reprises les plus célèbres ?

Celle des Carpenters, publiée en single en 1969 et devenue le titre de leur premier album réédité, et celle de Vanilla Fudge en 1967, dans une version ralentie et massive qui annonce le rock lourd.

Dans quel film entend-on Ticket to Ride ?

Dans Help!, réalisé par Richard Lester en 1965, pendant une séquence de ski burlesque tournée à Obertauern, en Autriche.

Pourquoi le single américain mentionne-t-il “Eight Arms to Hold You” ?

C’était le titre provisoire du film, abandonné au profit de Help! après l’impression des premières étiquettes. Ces pressages sont recherchés par les collectionneurs.

Glossaire

Bourdon : note tenue ou répétée en continu, généralement grave, au-dessus de laquelle évoluent la mélodie et les accords. Hérité notamment de la musique indienne.

Coda : section finale d’un morceau. Dans Ticket to Ride, elle introduit un tempo et une mélodie nouveaux.

Doublage vocal : technique consistant à enregistrer deux fois la même voix et à superposer les prises pour épaissir le son.

Douze cordes : guitare dont les cordes sont doublées, souvent à l’octave, produisant un son riche et scintillant. Harrison utilisait une Rickenbacker de ce type.

Face B : seconde face d’un disque 45 tours, moins mise en avant que la face A.

Heavy metal : genre de rock apparu à la fin des années 1960, caractérisé par des guitares saturées, un volume élevé et des riffs puissants. L’expression se répand dans la critique vers 1970-1971.

Larsen : sifflement produit lorsqu’un micro ou une guitare capte le son de son propre amplificateur. Les Beatles l’utilisent délibérément sur I Feel Fine.

Magnétophone quatre pistes : appareil permettant d’enregistrer séparément quatre sources sonores sur une même bande, puis de les mélanger. C’est l’outil des Beatles de 1963 à 1968.

Pédale de volume : dispositif permettant de faire varier le volume d’une guitare au pied, et donc d’effacer l’attaque des notes. Harrison l’emploie sur Yes It Is.

Pour aller plus loin sur yellow-sub.net

Sur la même période, on pourra lire notre tour d’horizon de l’œuvre des Beatles en 212 chansons, notre enquête sur la prise inédite de Norwegian Wood qui prolonge la question du bourdon et de la musique indienne, et notre analyse des milliards d’écoutes des Beatles sur Spotify. La chronologie de 1963 permet de mesurer le chemin parcouru en deux ans, et nos éphémérides du 15 février et du 9 avril reviennent sur les journées de l’enregistrement et de la sortie. Pour tout le reste, direction la page d’accueil des Beatles.

Sources et bibliographie

Témoignages et entretiens

David Sheff, All We Are Saying: The Last Major Interview with John Lennon and Yoko Ono, St. Martin’s Press, 2000 (entretiens Playboy de septembre 1980, d’abord publiés en recueil sous le titre The Playboy Interviews with John Lennon and Yoko Ono).
Barry Miles, Paul McCartney: Many Years From Now, Secker & Warburg, 1997.
Paul McCartney, The Lyrics: 1956 to the Present, Allen Lane, 2021.
Melody Maker, 20 mars 1965 (présentation de la chanson par McCartney).
The Beatles, The Beatles Anthology, Chronicle Books, 2000.

Ouvrages de référence

Mark Lewisohn, The Complete Beatles Recording Sessions, Hamlyn, 1988.
Ian MacDonald, Revolution in the Head: The Beatles’ Records and the Sixties, Fourth Estate, 1994, rééd. 2005.
Walter Everett, The Beatles as Musicians: The Quarry Men through Rubber Soul, Oxford University Press, 2001.
Kenneth Womack, The Beatles Encyclopedia, Greenwood, 2014.
Dave Marsh, The Heart of Rock and Soul: The 1001 Greatest Singles Ever Made, 1989.

Ressources en ligne

The Beatles Bible, fiche Ticket to Ride.
The Paul McCartney Project, fiche Ticket to Ride.
MusicRadar, Ultimate Classic Rock et Far Out Magazine, articles sur la revendication “heavy metal” de Lennon.
Classements Official Charts Company et Billboard, printemps 1965.
Discographie des Carpenters (A&M) et fiche de l’album Offering / Ticket to Ride.

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