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Ringo Starr et l’autoportrait : de la photographie des Beatles à l’art numérique (1966–2024)

Les 12 jalons essentiels de l’art de Ringo →

De l’image prise sur le vif au visage transformé par le dessin puis l’animation, Ringo Starr a fait de son propre portrait un terrain d’expérimentation. La démarche n’a rien de linéaire : les négatifs des années 1960 ont parfois été publiés en tirages de collection plusieurs décennies après leur création, tandis que les compositions sur ordinateur ont changé le statut même de l’autoportrait. Lire cette histoire oblige à distinguer le moment où une image est née, celui où Ringo l’a signée et celui où elle est devenue un objet d’art.

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Du Beatle photographié au musicien qui décide de sa propre image

La célébrité des Beatles s’est très tôt construite autour d’images répétées : quatre visages, quatre costumes, quatre silhouettes dont la presse et l’industrie du disque pouvaient immédiatement faire des emblèmes. Ringo Starr fut au centre de ce dispositif dès son arrivée dans le groupe en 1962. Pourtant, le fait d’être constamment photographié ne signifie pas que l’on maîtrise les photographies diffusées. Les agences, les studios, les maisons de disques, les photographes de plateau et les services de publicité poursuivaient chacun leurs objectifs.

À l’inverse, les images réalisées par Ringo pendant les années Beatles déplacent le point de vue. L’appareil n’est plus seulement tourné vers le batteur ; il est entre ses mains. Cette inversion explique une partie de l’intérêt de ses photographies intimes, de ses vues de déplacement et de ses portraits de John Lennon, Paul McCartney ou George Harrison : les personnes photographiées ont moins besoin de jouer leur rôle public devant un collègue de tournée. Il ne faut pas idéaliser pour autant cette proximité. Une image personnelle reste cadrée, sélectionnée, parfois mise en scène, et la photographie conservée ne raconte pas toute la situation dont elle est issue.

La question devient plus délicate avec l’autoportrait. Lorsque Ringo est à la fois le sujet et l’auteur annoncé de l’image, une troisième position s’ajoute à celle de témoin. Il choisit sa propre représentation. Le dispositif peut dépendre d’un miroir, d’un retardateur ou d’une autre technique ; en l’absence d’indications précises, il serait imprudent d’inventer la méthode de déclenchement. L’expression « autoportrait » doit être comprise ici comme une attribution d’auteur, non comme la description automatique d’un appareil ou d’une séance.

Japon, 1966 : le premier autoportrait n’est pas une image de publicité

Un premier jalon est le tirage intitulé Self Portrait, associé à la période japonaise de 1966 et publié dans le portfolio photographique Genesis de 2013. Le titre est bref et pourrait sembler générique, mais il renvoie à un objet défini : une photographie ancienne choisie pour une édition d’art postérieure. Le public qui découvre ce tirage en 2013 n’assiste pas à la création d’une nouvelle photographie. Il voit une image prise des décennies auparavant, interprétée et présentée sous une nouvelle forme matérielle.

Le Japon de 1966 constitue un contexte particulier. Les Beatles y vivent une série de concerts dont la sécurité, les déplacements et les espaces accessibles sont étroitement organisés. Les images de cette période peuvent être autant des souvenirs d’enfermement et de découverte que des documents du spectacle. Le portrait de Ringo, replacé dans cette géographie, relève de l’histoire d’un musicien voyageur autant que de celle de la Beatlemania. Il ne doit toutefois pas être amalgamé aux photographies qu’un professionnel extérieur au groupe aurait prises de lui pendant les mêmes journées.

La notice consacrée au tirage Self Portrait de 2013 permet d’examiner cet objet en détail. Elle rappelle un principe qui vaut pour tout le dossier : un titre semblable ne prouve ni l’identité du négatif ni celle de l’édition. Le nom donné à une estampe ou à une photographie peut circuler plus facilement que son historique matériel.

Vers 1969 : l’infrarouge comme expérience de représentation

Un autre autoportrait de Ringo, souvent présenté comme datant approximativement de 1969, possède une caractéristique technique plus rare : il est associé à un film infrarouge. Ce renseignement change la nature de l’analyse. L’infrarouge argentique n’est pas un filtre de logiciel appliqué pour donner un aspect ancien à une photographie moderne ; il implique des propriétés de sensibilité et des effets sur les valeurs visuelles dès la prise de vue. Il s’inscrit donc dans l’histoire de l’expérimentation photographique du XXe siècle.

Il est tentant de faire de ce cliché un ancêtre direct de toute la peinture numérique de Ringo. La continuité d’une curiosité pour les images est vraisemblable, mais elle ne signifie pas que les mêmes outils, les mêmes gestes et les mêmes intentions aient été employés. L’appareil argentique, le traitement du film, la sélection du négatif et l’impression contemporaine constituent autant d’opérations distinctes. Le spectateur peut reconnaître une recherche commune de transformation du visage sans transformer cette parenté esthétique en preuve d’un programme artistique suivi pendant cinquante ans.

La date « vers 1969 » doit rester approximative. Elle ne permet pas de fixer un jour, une ville ou une séance avec la précision d’un carnet de studio. La recherche sur l’autoportrait infrarouge étudie précisément cette séparation entre procédé, attribution et chronologie. Sa réédition photographique en 2024 est, pour sa part, un nouvel objet de collection, non une nouvelle date de création de l’image.

Les années 1970 : bijoux, souvenirs et détails biographiques

Le tirage intitulé simplement Ringo, intégré au portfolio Genesis de 2015, renvoie à un autoportrait situé dans les années 1970. Cette fois, les accessoires portés par le musicien occupent une place importante dans le récit. Un vêtement, une bague, un pendentif peuvent faire surgir un souvenir personnel. Ils ne constituent pas pour autant une méthode de datation suffisante lorsque plusieurs années restent possibles.

Cette différence est capitale pour l’historien de l’image. La mémoire racontée après coup et l’information inscrite sur un négatif appartiennent à des régimes documentaires différents. Le témoignage explique ce qui comptait pour celui qui regarde la photo des décennies plus tard ; il n’identifie pas toujours toutes les circonstances de la prise de vue. Un autoportrait de l’époque où Ringo menait sa carrière solo peut aussi être lu comme une réponse moins contrôlée à la photographie promotionnelle de ses pochettes de disques.

La notice du tirage Ringo publié en 2015 conserve ces incertitudes et examine les caractéristiques de l’édition. Elle doit être lue séparément du portrait japonais de 1966 et du négatif infrarouge daté approximativement de 1969. Trois images qui portent des intitulés voisins ne forment pas nécessairement une série conçue dès l’origine.

Peinture numérique : Ringo compose désormais son personnage

Le tournant informatique modifie la manière dont Ringo Starr utilise son visage. Dans les œuvres graphiques, l’artiste n’est plus tenu de partir d’une photographie unique ni de respecter la vraisemblance d’un portrait. Il peut répéter une tête, styliser les yeux, transformer une chevelure, isoler un bandeau ou organiser des couleurs en séries. Le rapport au temps change lui aussi : la figure n’est plus seulement celle d’un instant fixé par l’obturateur, mais un personnage susceptible de réapparaître sous des formes diverses.

Ce vocabulaire correspond à une personnalité publique immédiatement reconnaissable. Le prénom de scène, les lunettes, les gestes de paix ou le bandana évoquent le musicien sans qu’il soit nécessaire d’en reproduire fidèlement tous les traits. C’est précisément ce qui rend ces compositions intéressantes au-delà de leur valeur marchande. Ringo y joue avec le souvenir collectif de son visage, devenu un signe autonome dans l’histoire de la pop. L’autoportrait passe ainsi du domaine de la ressemblance à celui de l’emblème.

Il faut néanmoins se garder de qualifier toutes ces images de « peintures originales ». Un fichier graphique, une toile travaillée directement, une sérigraphie et une giclée ne sont pas des supports équivalents. Une œuvre peut exister comme composition numérique puis être éditée sur différents matériaux, sans que chaque impression devienne automatiquement un tableau unique. Le parcours consacré à la peinture et aux estampes distingue les techniques et les séries publiées.

New York, 2014 : le visage de Ringo entre en galerie

L’exposition de Soho Contemporary Art, présentée au 259 Bowery à New York à partir du 19 juin 2014, donne une autre visibilité à cette démarche. Ringo apparaît dans un espace identifié au marché de l’art contemporain plutôt que dans une salle de concert ou sur un plateau de télévision. Le lieu et le calendrier de l’exposition comptent, mais ils ne suffisent pas à dater chaque œuvre accrochée. Une manifestation de 2014 peut réunir des travaux plus anciens, des versions nouvelles et des éditions conçues pour être montrées à cette occasion.

Les motifs associés au visage de Ringo entretiennent alors une conversation particulière avec l’histoire du portrait pop. L’artiste peut multiplier son effigie et varier les signes qui l’accompagnent. La comparaison avec des traditions de l’art urbain est utile pour lire certaines compositions, mais ne doit pas conduire à inventer des collaborations avec des créateurs simplement associés au quartier du Bowery. Le voisinage géographique ou l’affinité stylistique ne prouvent pas une participation commune à la fabrication des œuvres.

La chronique de l’exposition new-yorkaise de 2014 détaille les dates, l’adresse et la circulation des images. Elle replace les autoportraits dans une histoire plus large : celle de la transformation d’un imaginaire de star en objets destinés à être vus, décrits et parfois collectionnés pour leurs qualités graphiques propres.

2022 : quand l’autoportrait se met en mouvement

En juin 2022, le programme The Creative Mind of a Beatle présenté avec Julien’s Auctions associe plusieurs créations animées de Ringo Starr à un dispositif de vente en NFT. Deux intitulés éclairent particulièrement l’évolution de son autoportrait : Starr Art, où dominent l’étoile et les variations chromatiques, et Bandana Man, centré sur une figure devenue familière dans son vocabulaire visuel. Les créations sont accompagnées d’éléments musicaux liés à Ringo, ce qui fait entrer le rythme dans une œuvre qui n’est plus seulement immobile.

Il ne faut pas réduire l’ensemble à une « toile numérique ». Le projet associe des fichiers animés, des objets enregistrés sur une blockchain, des éléments sonores et des supports physiques annoncés dans les lots. Ces composantes peuvent être vendues ensemble sans avoir le même statut. Une édition annoncée en quatre jetons ne prouve pas l’existence de quatre peintures originales entièrement distinctes ; une toile signée ne permet pas, à elle seule, de reconstituer les caractéristiques techniques du fichier animé.

La notice Starr Art et celle de Bandana Man examinent séparément les deux compositions. Les rapprochements entre ces œuvres et les tirages plus anciens reposent sur des motifs récurrents, non sur une identité d’édition. C’est le déplacement essentiel de cette période : l’artiste peut faire vivre son effigie dans le temps, la transformer en personnage animé, puis la faire circuler simultanément sous plusieurs formes matérielles.

2013, 2015, 2024 : pourquoi les dates des tirages ne sont pas celles des autoportraits

Les portfolios photographiques publiés par Genesis permettent de mesurer la distance qui sépare la création d’une image et sa mise en circulation. La série de 2013 rassemble douze photographies sélectionnées pour une édition numérotée ; huit autres tirages apparaissent en 2015 ; le portfolio de 2024 ouvre un nouveau chapitre éditorial. Un négatif ancien peut ainsi être redécouvert ou mis en valeur au moment où les possibilités techniques et commerciales du tirage d’art sont très différentes de celles de sa première vie.

Pour comprendre une notice, il faut donc relever au moins quatre informations : la date ou la période de la photographie, la date de sélection ou de signature, la technique de fabrication de l’épreuve et le nombre d’exemplaires annoncé. Les confondre produit des erreurs de chronologie. Un autoportrait réalisé vers 1969 mais édité en 2024 n’est pas une création photographique de 2024 ; il est un tirage contemporain d’une photographie plus ancienne. L’inscription d’un numéro sur le papier ne date pas le déclenchement de l’appareil.

La question de l’authenticité n’est pas plus simple. Une signature peut certifier l’adhésion de l’artiste à une édition sans établir, à elle seule, la provenance complète du négatif, l’histoire de son stockage ou la date précise de prise de vue. Les catalogues d’éditeur renseignent les caractéristiques prévues ; les exemplaires conservés éclairent les variations et les états matériels. Cette méthode, parfois minutieuse, est la condition d’une histoire qui distingue l’archive du souvenir et la création de sa commercialisation.

Un fil conducteur : Ringo auteur, sujet, puis personnage de son propre art

Au terme de ce parcours, trois positions se dessinent. Dans l’autoportrait photographique, Ringo est d’abord le sujet et l’auteur d’une image. Dans les compositions graphiques, il devient aussi le concepteur d’un personnage inspiré de son apparence publique. Dans les œuvres animées, ce personnage peut enfin se déplacer, changer de forme et rencontrer une dimension sonore. Ces étapes ne se remplacent pas : elles coexistent avec des photographies conservées, des livres, des sérigraphies et des créations sur toile.

Cette histoire est moins celle d’un batteur devenu peintre par surprise que celle d’une curiosité visuelle persistante, à laquelle les supports disponibles ont donné des formes successives. Elle montre aussi les limites d’une lecture exclusivement biographique : le visage de Ringo ne suffit pas à attribuer un cliché, à dater une peinture ou à authentifier un objet. Revenir aux techniques, aux titres, aux tirages et aux circonstances de diffusion permet de reconnaître ce qui relève véritablement de sa création.

Pour poursuivre, le catalogue des œuvres et des éditions rassemble les notices matérielles, tandis que la chronologie des arts visuels permet de suivre le passage des années Beatles aux expositions et aux créations contemporaines. Les études de chaque autoportrait donnent les détails que cette synthèse rapproche sans les confondre.