L’ancien rédacteur de SPIN, Chuck Klosterman, a un jour dressé une liste de groupes qui n’étaient ni surestimés ni sous-estimés, mais simplement bien notés. Il a résumé les Beatles de manière succincte : « Les Beatles sont généralement considérés comme le groupe de rock le plus important de tous les temps parce qu’ils ont écrit toutes les meilleures chansons. Comme ces deux faits sont vrais, les Beatles sont correctement évalués. »
Le point zéro de facto à partir duquel le rock contemporain et la culture pop ont émergé, les Beatles ont fait quelques choses de mieux que leurs pairs et ont même fait quelques choses que personne n’avait encore conçues. Célébrons donc les 20 façons dont les Beatles ont changé le monde.
Sommaire
Ils ont créé les tout premiers clips musicaux rock
À l’époque, la plupart des artistes musicaux pouvaient faire filmer leurs performances légendaires sur des plateaux préétablis d’émissions de fin de soirée et de variétés, mais en dehors de cela, le meilleur endroit pour les voir était en concert ou à la radio. Le premier film des Beatles, A Hard Day’s Night, comportait des séquences conçues pour mettre en valeur certaines chansons, mais les Fab Four ont voulu pousser l’idée de l’art et du marketing encore plus loin et ont filmé leurs propres clips de performance pour « Day Tripper » et « We Can Work It Out ».
Ils en filmeront d’autres par la suite. Pourtant, ces expériences cinématographiques autonomes, sans public, centrées sur les nouvelles chansons, ont prédit l’ère des vidéos musicales, prouvant une autre raison pour laquelle ils étaient en avance sur leur temps.
Ils ont mené la charge de la British Invasion, donnant naissance à un nouveau type de culture pop britannique.
Avant la British Invasion, il y avait le bon vieux rock and roll. Si beaucoup considèrent qu’Elvis et Little Richard ont contribué à lancer l’obsession mondiale pour ce genre musical, les jeunes Britanniques qui ont grandi avec ces disques ont fini par vouloir créer le leur. Fin 1963, la popularité des Beatles est telle que les journaux télévisés leur consacrent un reportage.
Après leur prestation légendaire au Ed Sullivan Show en 1964, l’Amérique est rongée par la « Beatlemania », ce qui ouvre les portes à des groupes comme les Kinks, les Rolling Stones, Dusty Springfield et les Who, qui font des percées dans la culture pop mondiale. Même la ville natale des Fab Four, Liverpool, est rapidement devenue une destination touristique populaire, générant une fascination mondiale pour tout ce qui est britannique.
Ils ont même brisé les règles sur ce à quoi pouvaient ressembler les pochettes d’album.
Au début de l’industrie du disque, les pochettes d’album étaient souvent constituées d’une photo de l’artiste accompagnée d’un texte. Il pouvait y avoir un paysage s’il s’agissait d’un disque classique, mais dans l’ensemble, les pochettes de disques étaient assez prévisibles.
Si la couverture en forme de boucherie de la compilation Yesterday and Today de 1966 s’est avérée trop extrême pour l’époque, le dessin au trait de Revolver et le collage pop de Sgt. Peppers ont changé les notions de ce qui pouvait être fait avec le support. Le plus célèbre, le double disque éponyme des Beatles en 1968, a reçu la couverture d’album la plus radicale jamais réalisée : Rien qu’une surface blanche et vierge. Elle est devenue une telle pierre de touche culturelle que les gens appellent toujours ce disque « The White Album ».
Ils étaient les maîtres du marketing
À l’apogée de la Beatlemania, les produits dérivés de John, Paul, Ringo et George étaient légion et restent aujourd’hui encore très recherchés. Pourtant, même après la dissolution du groupe en 1970, la société du groupe, Apple Corps Limited, a réussi à faire fructifier leur héritage par de nouveaux moyens. Pour chaque nouvelle décennie, elle a trouvé des moyens uniques et innovants de faire découvrir le son du groupe à une toute nouvelle génération d’auditeurs.
Le milieu des années 90 a vu la sortie de la série et du documentaire Anthology en trois parties, montrant aux fans des tas d’extraits et de séquences en coulisses. En 2000, la compilation 1 merely a rassemblé tous leurs succès sur un seul CD, qui s’est vendu à plus de 31 millions d’exemplaires. En 2006, leur spectacle Love du Cirque du Soleil a été créé. Même en 2021, il y avait quelque chose de nouveau à dire, puisque le documentaire Get Back de Peter Jackson a été universellement salué pour avoir montré des facettes du groupe à l’aide de séquences brutes. Même si vous pensez connaître leur catalogue et leur histoire, il y aura toujours de nouvelles facettes à commercialiser et à reconditionner.
Ils ont utilisé leur plateforme pour faire avancer des causes politiques
Alors que la musique « rock » peut parfois être considérée comme anti-establishment, les Beatles ont utilisé leur plate-forme pour explorer des thèmes politiques, qu’ils soient quelque peu ironique (« Back in the U.S.S.R. », « Taxman ») ou véritablement sincère (« Blackbird », qui est souvent considéré sous l’angle du mouvement contemporain pour les droits civiques). Alors que certains politiciens britanniques s’efforçaient de rallier le groupe à leur cause, la carrière solo de John Lennon et son mariage avec Yoko Ono ont fait de lui un activiste, utilisant sa célébrité pour mettre en lumière les injustices et les causes qui lui tenaient à cœur.
Ils ont changé la façon dont les disques étaient produits
Les Beatles ont abandonné les tournées assez tôt dans leur carrière (1966), ce qui était surprenant compte tenu du fait que les tournées ont tendance à être financièrement lucratives. Au lieu de cela, avec l’aide du producteur et grand spécialiste des sons George Martin, le groupe a traité le studio d’enregistrement comme un instrument, trouvant de nouvelles façons de créer des sons jamais entendus auparavant. Ils ont inversé les pistes d’instruments, amorti la batterie, fait appel à des voix multicouches aux sonorités sauvages et utilisé divers instruments rarement utilisés dans les enregistrements pop occidentaux. Leur volonté d’expérimenter sur le plan sonore mettait en évidence la qualité de la structure de leurs chansons. Presque tous les enregistrements de chansons que vous entendez aujourd’hui sont redevables à l’innovation des Beatles, que leurs créateurs le sachent ou non.
Ils ont joué dans des films et en ont fait la bande originale, réécrivant ainsi les règles du cinéma rock.
Les stars du rock et les salles de cinéma n’avaient rien de nouveau lorsque les Fab Four sont devenus célèbres. Ricky Nelson a transformé sa notoriété à l’écran en succès dans les hit-parades, et les films d’Elvis Presley sont sortis à la pelle. (Ils étaient pour la plupart des schlocks, mais les cinéphiles se montraient quand même et achetaient les bandes originales). Pourtant, A Hard Day’s Night, sorti en 1963, était plus méta que la filmographie d’Elvis, puisque le groupe jouait « les Beatles », mais dans des versions exacerbées et fictives d’eux-mêmes, mettant en valeur leurs personnalités loufoques et leur sens de l’humour. La bande-son qui en a résulté est considérée comme l’une de leurs meilleures offres pré-Rubber Soul, et le film a depuis changé la façon dont les musiciens de rock et le cinéma s’entremêlent. (La bande originale de Help ! de 1965, cependant, était infiniment meilleure que son homologue cinématographique).
Ils se sont battus pour la justice raciale.
En 1964, les Beatles devaient jouer au Gator Bowl de Jacksonville, en Floride, mais ont d’abord refusé de le faire lorsqu’ils ont appris que le public était ségrégé. « Nous n’avons jamais joué devant un public ségrégationniste, et nous n’allons pas commencer maintenant. Je préférerais perdre l’argent de nos apparitions », avait alors déclaré Lennon (h/t NPR). La salle a finalement cédé et a permis au public de se mélanger, mais les Beatles ne se sont pas arrêtés là.
Reprenant souvent des tubes de Motown et citant leur amour des grands chanteurs de soul dans la presse, le groupe a demandé à la légendaire Mary Wells de faire la première partie de leurs concerts au Royaume-Uni. Plus tard, Esther Phillips les rejoint pour des dates suite au succès de sa reprise de « And I Love Him ».
Ils ont réécrit les règles du succès de la musique pop.
La date est gravée dans l’histoire : le 4 avril 1964. C’est le jour où les Beatles ont réussi l’exploit sans précédent d’occuper les cinq premières places du Billboard Hot 100. À peu près à la même époque, en Australie, ils occupaient six places de leur Top 10. Une semaine au Canada, ils occupaient neuf de ces dix places. Ils ont régulièrement terminé la plupart de leurs années d’existence en ayant l’album le plus vendu au Royaume-Uni, ils ont battu des records de fréquentation pendant les années où ils ont fait des tournées et ils ont un jour détenu un record pour avoir six albums consécutifs en tête des hit-parades. Si nombre de ces records ont été dépassés par d’autres artistes, les Beatles ont été la seule entité à établir un tel mouvement, ce qui témoigne de leur force culturelle.
Ils ont créé leur propre label, bouleversant ainsi l’industrie du disque établie.
Si les Fab Four sont célèbres pour leur association avec Capitol Records et EMI, on ne devient pas une force de conquête mondiale comme les Beatles sans certaines réserves glorieuses. L’une d’elles a été la création d’Apple Records, une maison qui leur a permis d’être aussi créatifs qu’ils le souhaitaient sans avoir à répondre à autant de personnes en costume. Si Apple Records (et sa filiale d’avant-garde, Zapple) a hébergé les projets des Beatles, il a également permis au groupe de soutenir ce qu’il considérait comme des talents méritants, offrant une plateforme majeure à des artistes comme Mary Hopkin, l’ami de la bande Billy Preston, l’incroyable Badfinger et un jeune artiste folk bizarre nommé James Taylor.
Ils ont contribué à faire entrer l’avant-garde dans le courant dominant grâce à leurs expériences et à leurs collaborateurs délirants.
Si les Beatles ont expérimenté en studio d’enregistrement pour produire des sons et des textures hors du commun, ils ne se sont pas contentés de simples « chansons pop ». Ils sont allés aux confins du genre connu, jusqu’à la sortie de « Revolution 9 » en 1968. Une tranche avant-gardiste de huit minutes de sons trouvés et de musique concrète (logée sur « The White Album », où l’on se dispute les genres), « Revolution 9 » en a déconcerté plus d’un et en a ravi encore plus.
C’était un virage à droite difficile pour un groupe qui pliait déjà sa créativité en de nouvelles formes, mais lorsqu’il a été publié sur un album d’un groupe aussi populaire que les Beatles, il s’est également gravé dans la conscience du public, élevant le statut de la muse connue de Lennon, Yoko Ono, et faisant bientôt découvrir au monde des genres qu’il ne connaissait peut-être même pas.
Ils sont devenus, sans le vouloir, des icônes de la mode.
Bien d’autres personnes avaient porté la botte Baba avant John, Paul, George et Ringo, mais ces précédents champions ne faisaient pas partie des Beatles. Une fois que la Beatlemania a battu son plein, les quatre gars de Liverpool aux cheveux crépus ont commencé à remarquer que plusieurs fans avaient la même coupe de cheveux. La botte Baba à talon haut a rapidement été rebaptisée familièrement « la botte des Beatles », car tout le monde voulait la porter. Au fur et à mesure que l’ère du « boy band » s’éloignait, chaque membre a commencé à adopter son propre style et son propre look, créant ainsi des tendances vestimentaires et de mode pour chaque décennie.
Leur curiosité pour le monde a permis d’introduire de nouveaux instruments dans le débat culturel.
Le voyage des Beatles en Inde a été largement reconnu comme un tournant majeur dans leur son, leur esthétique et leur orientation générale. George Harrison, en particulier, est devenu fasciné par le sitar. Bien qu’il ait signé et produit le maître de l’instrument Ravi Shankar pour Apple Records, c’est l’utilisation du sitar par Harrison sur « Norwegian Wood » qui s’est avérée être une porte d’entrée pour le public occidental.
De même, Harrison a été l’une des premières personnes au Royaume-Uni à mettre la main sur une nouvelle chose puissante appelée le synthétiseur Moog. Bien que sa fonction soit archaïque (on ne peut maintenir qu’une seule note à la fois), il est utilisé de manière proéminente sur des morceaux légendaires comme « Here Comes the Sun » et « I Want You (She’s So Heavy) ». Leur utilisation d’un Mellotron dans « Strawberry Fields Forever » a également bouleversé le répertoire des instruments populaires.
Ils ont redéfini ce qu’était une « carrière solo » après avoir quitté un groupe.
Avant les Beatles, les carrières solo en dehors des groupes n’existaient pas vraiment. Vous étiez soit membre d’un groupe, soit une star solo dès le départ. Une fois les Beatles dissous, leur popularité et leur bonne volonté culturelle ont contribué à propulser chacun d’entre eux vers le succès en solo (et ce n’est pas pour rien que 1970 est aussi l’année où Diana Ross se lance en solo).
Ringo a sorti son premier album en mars 1970, et Paul’s McCartney est sorti quelques semaines avant le dernier disque des Beatles, Let It Be, sorti en mai 1970. All Things Must Pass de Harrison est sorti en novembre de la même année, tandis que le premier album de Lennon avec le Plastic Ono Band est sorti en décembre.
Ce qui est encore plus remarquable, c’est que tous leurs succès en solo étaient uniques. Ringo était le troubadour country-pop loufoque, et Harrison a ouvert de nouvelles voies avec ses compositions distinctes et émotives. Lennon alternait les disques de blagues trash et les plaidoyers sérieux dans la même mesure, tandis que McCartney était le caméléon du rock & roll, changeant avec les temps et obtenant des succès même dans les années 2010.
Ils ont créé l’un des premiers véritables albums conceptuels de rock and roll.
Pendant longtemps, les albums de rock et de pop étaient considérés comme une collection de singles potentiels. Rien de trop fantaisiste, et rarement, voire jamais, de thématique. Cela a changé dans les années 1950, lorsque Frank Sinatra a commencé à sortir des disques comme In the Wee Small Hours (1955), dans lesquels toutes les chansons avaient un ton mélancolique cohérent. Si Pet Sounds des Beach Boys a mené l’ère du rock au pays de l’album conceptuel avec un disque qui s’est avéré être quelque peu autobiographique, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band a fait un bond en avant par rapport à tous les autres.
Le groupe jouant un groupe qui n’était pas lui-même, ce méta-commentaire était bien plus complexe que les caricatures qu’il avait dépeintes sur A Hard Day’s Night. Ringo jouait le rôle du chanteur principal Billy Shears, mais il n’était qu’une partie d’un étrange récit entrelacé qui serait difficile à digérer s’il n’était pas intégré à certaines des meilleures chansons jamais enregistrées.
Ils ont changé la façon dont la musique rock était évaluée par la critique.
Si Elvis, les Supremes et les Beatles sont aujourd’hui considérés comme les piliers sur lesquels repose toute la musique populaire, cela n’a pas toujours été le cas. Les critiques musicaux existaient bien avant que « Five O’Clock Rock » n’arrive sur les ondes, mais ils ne critiquaient pas le rock & roll avant que le genre ne soit établi. Elvis était populaire mais facile à écarter en raison de sa terrible carrière cinématographique. Mais une fois les Beatles arrivés, il était impossible d’ignorer leur incroyable sens du métier. Les Beatles ont obtenu la toute première nomination pour l’album de l’année aux Grammys (pour Help !) et ont été le premier groupe de rock à remporter ce prix (pour Sgt. Pepper’s). L’invasion britannique a entraîné l’essor de la critique rock, et ce sont ces mêmes critiques qui ont contribué à maintenir l’héritage des Beatles à flot.
Ils ont aidé à inaugurer le mouvement de la contre-culture.
En août 1964, les Beatles ont rencontré Bob Dylan, qui leur a ensuite fait découvrir l’herbe. Le mouvement de la contre-culture des années 60 commençait à se répandre, et tandis que les hippies cherchaient à atteindre une conscience supérieure, les quatre jeunes hommes de Liverpool faisaient de même. Cela a commencé par une balade boppy appelée « The Word », tirée de l’album Rubber Soul de 1965, qui exprimait leur appel sincère à l’amour universel, mais cela s’est vite étendu à des chansons trippantes avec des instruments ornés et même à un film d’animation trop étrange pour être dit, Yellow Submarine. Alors que l’utilisation de substances psychédéliques commençait à devenir populaire, les Fab Four étaient en plein dedans, offrant aux fans les meilleures bandes sonores pour le trip et les images sauvages qui vont avec. Le critique musical Jim DeRogatis les a un jour qualifiés d' »apôtres de l’acide du nouvel âge ». Daytrippin’.
Ils n’avaient pas peur d’affronter la controverse et ont montré au monde comment la surmonter.
Lorsque vous êtes le plus grand groupe de la planète, tout ce que vous faites et dites est scruté à la loupe, et le commentaire désinvolte de John Lennon au printemps 1966 sur le fait que les Beatles devenaient « plus populaires que Jésus » a suscité l’indignation. Dans sa citation originale et dans les conférences de presse qui ont suivi, Lennon n’a jamais laissé entendre que les Beatles étaient plus importants que Jésus, mais les protestations n’en ont pas moins eu lieu. Si la controverse et le rock ne sont certainement pas étrangers l’un à l’autre, les remarques de Lennon ont prouvé l’importance des Beatles et leur capacité de résistance.
Leur enregistrement sur Ed Sullivan a provoqué un changement de culture
Le théâtre Ed Sullivan du Studio 50 accueille 728 spectateurs pour un enregistrement en direct. Lorsqu’Elvis Presley se produit en 1957, CBS reçoit plus de 7 000 demandes de billets. Lorsque les Beatles se produisent en 1964, le studio reçoit plus de 50 000 demandes. La demande était énorme, mais l’impact a été plus grand que quiconque aurait pu le prévoir : plus de 73 millions de personnes ont suivi la diffusion et, pour beaucoup, la manie, l’énergie et le charme qui se dégageaient des écrans de télévision ont déclenché un interrupteur dans leur cerveau qui leur a donné envie de devenir des rockstars. Billy Joel, Nancy Wilson, Tom Petty et bien d’autres ont cité cette émission spécifique comme la raison pour laquelle ils ont voulu se lancer dans la musique. L’enregistrement lui-même est devenu un tel élément de la culture pop que tout le monde, d’OutKast à BTS, lui a rendu hommage.
Ils ont bouleversé la notion établie selon laquelle les faces B étaient des « chansons de moindre importance ».
Au début du rock, il y avait des albums, des singles et des faces B. Les albums et les singles étaient parfois séparés. Alors que les albums et les singles étaient parfois des entités distinctes, la radio rendait le single plus important, et la plupart des albums contenaient les singles, mais peut-être pas ces enregistrements de chiens errants qui n’étaient pas jugés assez dignes d’une sortie d’album proprement dite.
Les Beatles ont pris le contre-pied de cet état de fait en plaçant certaines de leurs meilleures œuvres au dos d’énormes succès radiophoniques, créant ainsi une discographie secrète parallèle à leur discographie principale. Oui, leurs faces doubles A ont également connu un grand succès, mais si nous devions choisir les meilleures faces des Beatles, nous devrions choisir « Rain » en 1966 et l’extraordinaire « Don’t Let Me Down » en 1969.
