Les 20 meilleures chansons de John Lennon avec et sans les Beatles

Bien qu’il ne soit pas extrêmement doué musicalement, Lennon savait reconnaître une accroche quand il en voyait une et quand il a jeté un coup d’œil à un magazine et a vu la publicité de la NRA avec le slogan : « Happiness is a warm gun », il a su qu’il avait quelque chose. Bien sûr, McCartney a certainement participé à l’élaboration du morceau, les signatures temporelles complexes vous le diront, mais le motif et le sentiment du morceau sortent tout droit du manuel de Lennon.

C’est l’un des moments les plus durs de l’Album blanc de 1968, et Lennon y ajoute une puissante dose d’acid-rock au milieu des tourbillons de blues et du crescendo doo-wop. C’est un morceau joyeux.

Un titre qui n’est pas nécessairement issu d’un trip sous acide comme certaines des chansons du groupe, mais qui est certainement empreint de psychédélisme est  » A Day In The Life « . Ce titre est imprégné du même mysticisme que les meilleurs morceaux des Beatles. Il s’agit d’un récit fragmenté des journaux de la journée, qui montre Lennon sous son meilleur jour, choisissant ses inspirations à la volée.

Sur le plan des paroles, la chanson ne donne pas nécessairement l’impression d’être aussi « what-the-fuckery » que certains autres morceaux du groupe, mais musicalement, le morceau est l’un des plus expansifs du groupe. Débutant comme un simple morceau de guitare acoustique et de piano, les sons continuent à monter et à monter avant qu’un climax tourbillonnant n’explose finalement.

Ce morceau est considéré à juste titre comme l’un des meilleurs moments des Beatles sur bande et constitue un exemple parfait de la façon dont les deux principaux auteurs-compositeurs du groupe pouvaient marier leurs styles et leurs motifs sans effort.

L’une des interprétations les plus passionnées de Lennon est sans doute celle du titre Let It Be du groupe,  » Don’t Let Me Down « . Cette chanson n’est certainement pas le morceau de musique le plus complexe que vous ayez jamais entendu, mais le rockeur intérieur de Lennon s’exprime pleinement sur ce titre. Elle est considérée comme l’un des morceaux les plus précieux des Beatles.

La chanson a été composée à propos de Yoko et Lennon pousse ses paroles jusqu’à implorer Yoko de rester avec lui, de lui prouver qu’il a raison et que tous les soucis et problèmes supplémentaires qu’il doit maintenant affronter en valent la peine. Comme Paul McCartney s’en souvient en 1994, « Donc ‘Don’t Let Me Down’ était une véritable supplique, ‘Ne me laisse pas tomber, s’il te plaît, quoi que tu fasses. Je suis sur cette branche.

« C’était une façon de dire à Yoko : ‘Je sors vraiment du rang sur ce coup-là. Je laisse vraiment voir ma vulnérabilité, alors tu ne dois pas me laisser tomber. Je pense que c’était un véritable appel à l’aide. C’était une bonne chanson. On l’a enregistrée dans le sous-sol d’Apple pour ‘Let It Be’ et plus tard on l’a faite sur le toit pour le film. »

Sans doute l’une des chansons les plus irrévérencieuses de l’album Revolver de 1966, « I’m Only Sleeping » est magnifiquement construite et dorée par l’utilisation magnifique de guitares à l’envers. Lennon a déclaré que le son de la chanson était une représentation de « moi en train de rêver toute ma vie ».

La chanson a été inspirée par le fait que Paul McCartney devait continuellement réveiller John Lennon pour les sessions d’écriture prévues l’après-midi chez ce dernier. La journaliste Maureen Cleave a dit de Lennon en 1966 : « Il peut dormir presque indéfiniment, c’est probablement la personne la plus paresseuse d’Angleterre. ‘Physiquement paresseux’, disait-il. Ça ne me dérange pas d’écrire, de lire, de regarder ou de parler, mais le sexe est la seule chose physique qui me dérange encore. « 

Le morceau est parfaitement léthargique et merveilleusement doué pour mettre de côté toute pensée tapageuse, ne serait-ce que le temps d’une petite sieste.

Le meilleur moment de la carrière solo de Lennon est sans doute survenu au milieu de son meilleur album solo, John Lennon/Plastic Ono Band, avec le titre à la fois brillant et douloureux  » Working Class Hero « .

Comme on peut l’imaginer, il s’agit d’une chanson profondément personnelle pour le jeune ouvrier de Liverpool, qui s’en prend au système de classe britannique dans ce morceau poignant. « Je pense que c’est pour les gens comme moi qui font partie de la classe ouvrière – peu importe, supérieure ou inférieure – et qui sont censés passer dans les classes moyennes, à travers la machinerie », a déclaré Lennon à Rolling Stone en 1970.

« C’est mon expérience, et j’espère que c’est juste un avertissement pour les gens. Je dis que c’est une chanson révolutionnaire ; pas la chanson elle-même mais que c’est une chanson pour la révolution. »

Initialement écrite comme une chanson de campagne pour Timothy Leary alors que le militant pro-drogues se présentait aux élections en Californie, Lennon a reconnu le potentiel de la chanson et dès que la course de Leary a été écourtée, il s’est assuré de l’inclure dans leur canon. Au moment de la sortie d’Abbey Road, ce morceau commence à être un signe important des choses à venir.

À ce stade du parcours du groupe, Lennon opérait presque en tant qu’artiste solo et a composé ce morceau en grande partie à l’écart du reste du groupe – mais la chanson a été modifiée pendant la session : « On a dit : ‘Ralentissons-la. On a dit : « Ralentissons-la, faisons ceci ou cela », et c’est comme ça qu’elle est sortie », se souvient Lennon à l’époque. « J’ai juste dit : ‘Écoute, je n’ai pas d’arrangement pour toi, mais tu sais comment je le veux’. Je pense que c’est en partie parce que nous avons joué ensemble pendant longtemps. Alors j’ai dit, ‘Donnez-moi quelque chose de funky et mettez en place un rythme, peut-être’. Et ils ont tous participé. »

La chanson ressemblait un peu à une chanson de Chuck Berry et a vu Lennon payer le rock ‘n’ roller dans un règlement à l’amiable. Lorsqu’il a parlé du morceau à David Sheff, Lennon a déclaré : « C’est funky, c’est bluesy, et je le chante plutôt bien. J’aime le son du disque. On peut danser dessus. Je vais l’acheter ! »

Le morceau Rubber Soul est souvent considéré comme le premier véritable morceau acid-rock de Lennon, mais la vérité est un peu loin. Au contraire, ce morceau est la première fois qu’il établit ce son comme faisant partie de son propre vocabulaire musical. Bien sûr, il avait besoin d’aide pour la partie de sitar de la chanson, et heureusement, il avait Harrison sous la main.

Dans une interview accordée à Rolling Stone en 1971, John Lennon explique pourquoi il a été décidé d’utiliser la sitar sur cette chanson. Il se souvient : « Je pense que c’était au studio. George venait d’avoir le sitar et je lui ai demandé s’il pouvait jouer ce morceau. Nous sommes passés par de nombreuses versions différentes de la chanson, ce n’était jamais bon et j’étais très en colère à ce sujet, ça ne sortait pas comme je l’avais dit. Ils m’ont dit : « Fais-le comme tu veux » et j’ai répondu : « Je veux juste le faire comme ça ».

Ajoutant : « Il n’était pas sûr de pouvoir en jouer parce qu’il n’avait pas fait beaucoup de sitar, mais il était prêt à essayer, comme d’habitude, et il a appris le morceau et l’a doublé après. Je pense que nous l’avons fait par sections. » Mais la véritable histoire derrière cette chanson est un peu plus scandaleuse. Il a révélé : « J’essayais d’écrire sur une liaison sans que ma femme sache que j’en avais une. J’écrivais en quelque sorte à partir de mes expériences – les appartements des filles, des choses comme ça. J’étais très prudent et paranoïaque parce que je ne voulais pas que ma femme, Cyn, sache qu’il se passait vraiment quelque chose en dehors du foyer. »

Lennon a ensuite déclaré honnêtement : « J’avais toujours eu des liaisons en cours, alors j’essayais d’être sophistiqué en écrivant sur une liaison, mais d’une manière tellement fumiste qu’on ne pouvait pas le dire. Mais je ne me souviens pas d’une femme en particulier avec laquelle cela avait un rapport. »

Certaines chansons de la carrière solo de Lennon étaient une vision de l’avenir, d’autres sont purement dirigées vers le passé et, dans le cas de ‘How Do You Sleep?’, vers Paul McCartney en réponse à sa propre chanson.

Le titre « Too Many People » ne cite pas de noms et ne fait pas référence à des événements spécifiques de la vie de John et Yoko, mais lorsque vous regardez les paroles, le sujet devient assez évident. Dans le premier couplet, « People reaching for a piece of cake » semble parler des dernières années de l’ère des Beatles, mais si vous écoutez le refrain qui parle de Lennon et Yoko, il n’est pas étonnant qu’il n’ait pas été très satisfait. McCartney chante « C’était ta première erreur. Tu as pris ton coup de chance et tu l’as cassé en deux. »

S’adressant au magazine Crawdaddy, Lennon a parlé de sa colère en entendant le morceau pour la première fois : « J’ai entendu les messages de Paul dans Ram – oui, il y en a, cher lecteur ! Trop de gens vont où ? On a raté notre chance de quoi ? Quelle a été notre première erreur ? On ne peut pas se tromper ? Huh ! Je veux dire que Yoko, moi, et d’autres amis ne peuvent pas tous entendre des choses. »

Cela signifie que Lennon a enregistré  » How Do You Sleep ?  » en représailles et qu’avec Harrison à la guitare, la chanson a eu un poids supplémentaire.  » Donc, pour m’amuser un peu, je dois remercier publiquement Allen Klein pour la ligne  » just another day « . Un vrai poète ! Certaines personnes ne voient pas le côté drôle de la chose. Dommage. Qu’est-ce que je suis censé faire, vous faire rire ? C’est ce qu’on pourrait appeler une « lettre de colère », chantée – vous comprenez ? ».

Le morceau que Lennon appelait « ma première chanson psychédélique » a été l’un des moments marquants du disque expérimental Revolver du groupe. Tomorrow Never Knows n’avait peut-être pas les milliers de moines chantant que Lennon avait initialement prévus pour l’enregistrement, mais elle a certainement l’habitude de faire triper et de faire venir les gens.

La chanson a été inspirée par le Livre des morts tibétain, comme McCartney le rappelle en 1984 : « John a écrit les paroles à partir de la version de Timothy Leary du ‘Livre des morts tibétain’. C’était une sorte de Bible pour tous les fous de psychédélisme. C’était une chanson sur le LSD. Probablement la seule. Les gens ont toujours pensé que « Lucy in the Sky with Diamonds » en était une, mais en fait non. »

Il est indéniable que cette chanson a marqué le début de l’histoire d’amour du groupe avec le LSD, mais elle n’en reste pas moins un morceau exceptionnel en soi. Elle reste l’un des moments les plus brillants de libre pensée et d’expérimentation créative de l’album.

Il n’y a pas grand-chose à dire de plus sur  » Instant Karma « , cette merveille d’un jour que Lennon produit sans préavis, que nous n’ayons déjà dit. Nous allons donc laisser Lennon reprendre l’histoire.

« Je l’ai écrite le matin au piano », a déclaré Lennon à Rolling Stone en 1971. « Je suis allé au bureau et je l’ai chantée plusieurs fois. Alors j’ai dit : ‘Bon sang, faisons-le’, et on a réservé le studio, et Phil [Spector] est venu et a dit : ‘Comment tu veux que ce soit ?’ J’ai dit, « Tu sais, les années 50. Il a dit, ‘Bien,’ et boom, je l’ai fait en trois fois ou quelque chose comme ça. J’y suis allé, il l’a repassé et c’était bon. Le seul problème était que j’ai dit un peu plus de basse, c’est tout, et c’était parti. »

C’est l’une des plus grandes chansons de John Lennon de tous les temps et elle témoigne de sa quête de pureté artistique. Pour Lennon, hors de portée de Paul McCartney, il a pu travailler de manière audacieuse et brillante avec un certain degré de spontanéité.

S’il y a une chose que nous devrions tous nous soucier de laisser dans notre « héritage », c’est que le monde a besoin d’un peu plus d’amour. Toujours. Lennon pourrait en être fier, car sa chanson « All You Need Is Love » continue d’être un hymne à la paix, à la gentillesse et à la compréhension. Écrite en tant que pièce maîtresse du Magical Mystery Tour, Lennon la considérait comme une continuation des sentiments qu’il avait exprimés dans le morceau précédent, « The Word ».

« Je pense que si l’on va à l’essentiel, quel que soit le problème, il s’agit généralement d’amour », déclarait Lennon à Rolling Stone en 1971. « Donc je pense que ‘All You Need is Love’ est une déclaration vraie. Je ne dis pas, ‘Tout ce que vous avez à faire est…’ parce que ‘All You Need’ est sorti à l’époque de la génération Flower Power. Ça ne veut pas dire qu’il suffit de faire un faux sourire ou de porter une robe à fleurs pour que tout aille bien. »

« L’amour n’est pas seulement quelque chose que l’on colle sur des affiches ou que l’on colle à l’arrière de sa voiture, ou à l’arrière de sa veste ou sur un badge », a poursuivi le chanteur. « Je parle du véritable amour, donc je continue à y croire. L’amour, c’est apprécier les autres et leur permettre d’être. L’amour, c’est permettre à quelqu’un d’être lui-même et c’est ce dont nous avons besoin. »

Nous sommes sûrs qu’il y aura d’innombrables aficionados des Beatles ou des centaines de musiciens qui attendront à notre porte figurative, prêts à nous arracher les oreilles pour nous expliquer pourquoi « Imagine » de Lennon ne devrait pas figurer aussi haut dans la liste. Mais pour contrebalancer cela, nous avons littéralement des millions de personnes qui considèrent ‘Imagine’ comme un bastion de la paix mondiale, de la libre pensée et du comportement progressiste.

C’est Lennon qui s’est fixé un objectif qu’il savait qu’il n’atteindrait jamais, mais qu’il ne pouvait tout simplement pas abandonner. L’ancien Beatle a joint l’acte à la parole et le monde a ainsi gagné une chanson qui parvient à les unir tous.

Que vous soyez fan des Beatles ou non, « Imagine » de Lennon a toujours été un lieu de réconfort pour ceux qui cherchent la paix.

Une de mes meilleures chansons », a déclaré Lennon à propos de la chanson de Let It Be, « Across The Universe. La chanson semble être sortie de nulle part pour Lennon après une dispute avec sa première femme Cynthia, « Je n’arrêtais pas d’entendre ces mots encore et encore, coulant comme un flot sans fin. Je suis descendu et ça s’est transformé en une sorte de chanson cosmique plutôt qu’une chanson irritée… ça m’a fait sortir du lit. Je ne voulais pas l’écrire, mais j’étais légèrement irritable et je suis descendu et je n’ai pas pu m’endormir avant de l’avoir mis sur papier. »

Malgré des débuts apparemment piquants, le morceau a pris une nouvelle personnalité avec la révision et est maintenant considéré comme un moment resplendissant du disque, un moment où il est facile de se laisser traverser par la musique.

Pour Lennon, la composition était très similaire : « C’est comme être possédé », disait-il en parlant de l’écriture de la chanson, « comme un médium ou une médium. La chose doit disparaître. Elle ne vous laisse pas dormir, alors vous devez vous lever, la transformer en quelque chose, et ensuite vous pouvez dormir. C’est toujours au milieu de la nuit, quand tu es à moitié réveillé ou fatigué et que tes fonctions critiques sont désactivées. »

Sur l’album Magical Mystery Tour du groupe en 1967, Lennon s’est inspiré de sa vie à Liverpool pour ajouter une certaine sentimentalité à ce numéro autrement trippant : « Strawberry Fields est un endroit réel. Après avoir cessé de vivre à Penny Lane, j’ai emménagé chez ma tante qui vivait en banlieue dans une jolie maison mitoyenne avec un petit jardin et des médecins, des avocats et d’autres personnes de ce genre qui vivaient autour… pas l’image du pauvre bougre qui était projetée dans toutes les histoires des Beatles. »

Pour Lennon, le temps passé autour de ces maisons et de ces champs, à perdre des billes et à s’amuser était tout le symbolisme qui lui importait vraiment : « On s’amusait toujours à Strawberry Fields. C’est donc de là que vient le nom. Mais je l’ai utilisé comme une image. Strawberry Fields pour toujours. »

Alors que « Penny Lane » est une chanson similaire dans le ton et le sentiment, Lennon emmène ce morceau dans un tout nouveau domaine et plutôt que de se souvenir de sa maison comme d’un endroit inaccessible, Lennon l’imagine comme son paradis personnel, son endroit sûr.

Jealous Guy » est le travail intérieur de John Lennon, c’est l’homme emblématique qui se met sur la toile, avec tous ses défauts, et dissèque sans détour tout ce qui est bon et mauvais en lui. Surtout le mauvais.

Inspirée par son séjour chez le Maharishi, la chanson est devenue depuis une vision de la vie de Lennon à l’époque et un moment de vulnérabilité sincère. S’adressant à David Sheff en 1980, il a révélé : « Les paroles s’expliquent clairement : J’étais un type très jaloux et possessif. Envers tout. Un homme très peu sûr de lui. Un type qui veut mettre sa femme dans une petite boîte, l’enfermer, et la faire sortir seulement quand il a envie de jouer avec elle. Elle n’a pas le droit de communiquer avec le monde extérieur – en dehors de moi – parce que ça me met en insécurité. »

S’adressant à la BBC, Lennon a révélé plus loin : « Lorsque vous êtes réellement amoureux de quelqu’un, vous avez tendance à être jaloux, et à vouloir le posséder et le posséder à cent pour cent, ce que je fais… J’aime Yoko, je veux la posséder complètement. Je ne veux pas l’étouffer, tu vois ? C’est le danger, de vouloir les posséder à mort. »

Ce n’est pas un sentiment unique, c’est un sentiment que beaucoup d’entre nous ont éprouvé mais que beaucoup, beaucoup moins ont exprimé. C’est pourquoi il mérite de figurer en tête de cette liste. « Jealous Guy » montre que John Lennon s’est totalement investi dans son art.

Il y a une certaine fatalité à se faire gronder pour avoir mis notre chanson préférée de John Lennon sous le titre « Help ! ». Un classique de la pop, le titre n’est pas aussi bien considéré qu’il devrait l’être. Pour nous, il représente l’essentiel de ce qui a fait de Lennon l’un des plus grands auteurs-compositeurs de tous les temps – avec « Help ! », il rend la pop personnelle.

« Nous pensons que c’est l’une des meilleures chansons que nous ayons écrites », a déclaré John Lennon en 1965 alors qu’il contemplait le récent single du groupe, un titre commandé pour leur nouveau film Help ! en s’inspirant du titre du film. Mais derrière tous les jeux rapides, l’argent rapide et le fanatisme imparable, John Lennon commençait déjà à se languir d’un temps avant que les Beatles n’arrivent et ne prennent le contrôle de sa vie. Il appelait à l’aide. C’est sur ce morceau qu’il entre dans sa « grosse période Elvis » et qu’il parvient malgré tout à créer l’une des chansons les plus appréciées du groupe – et l’une des préférées de Lennon.

À une question de Rolling Stone lui demandant pourquoi il aimait tant cette chanson, le chanteur et guitariste a répondu : « Parce que je le pensais, c’est vrai. Les paroles sont aussi bonnes maintenant qu’elles l’étaient à l’époque, ce n’est pas différent, vous savez. Ça me rassure de savoir que j’étais aussi sensible ou autre – enfin, pas sensible, mais conscient de moi-même. Et ça sans acide, sans rien… enfin sans herbe ou autre. » Lennon précise son propos : « C’était juste moi qui chantait « help » et je le pensais, tu sais. Je n’aime pas trop l’enregistrement, j’aime la chanson. On l’a fait trop vite pour essayer d’être commercial. »

C’est une notion que Lennon a développée plus tard lors de son interview désormais iconique avec David Sheff de Playboy en 1980. « Toute l’histoire des Beatles dépassait l’entendement », se souvient Lennon alors que des flashs des foules de fans et de la presse lui traversent le cerveau. « Quand ‘Help’ est sorti, je criais à l’aide. La plupart des gens pensent que c’est juste une chanson rapide de rock’n roll. Je ne m’en suis pas rendu compte à l’époque ; j’ai simplement écrit la chanson parce qu’on m’avait demandé de l’écrire pour le film. Mais plus tard, j’ai compris que je criais vraiment à l’aide. »

C’était un moment où l’ancienne personnalité de Lennon, son ancienne façon d’être, commençait à perdre du terrain face à la pop star que le groupe avait créée. Alors il a fait tout ce qu’il a pu pour expulser ces démons et les mettre dans une chanson. C’est le moment où l’icône John Lennon est née.