Comment les studios d’Abbey Road et les Beatles se sont mutuellement influencés

Un regard sur la relation fructueuse et interdépendante entre le studio et le groupe.

Les studios EMI/Abbey Road de Londres ont été un microcosme de l’évolution musicale du 20e siècle. Il est donc logique que le fil conducteur d’une grande partie de cette évolution soit le groupe le plus innovant qui ait jamais existé dans une année avec un 19 devant lui. La discographie monolithique que les Beatles ont créée au 3 Abbey Road a à la fois bénéficié et inspiré de nombreux autres classiques réalisés dans ces murs sacrés.

L’installation élaborée de trois studios construite à cette auguste adresse par EMI a ouvert ses portes en 1931. Le premier client de ce qui s’appelait alors les studios EMI fut Sir Edward Elgar, le compositeur britannique le plus célèbre pour avoir écrit Pomp and Circumstance. Il a dirigé l’Orchestre symphonique de Londres dans cette éternelle marche de fin d’études pour couper le ruban de l’endroit.

Jusque dans les années 1950, les enregistrements classiques étaient le pain et le beurre des studios. En 1934, Igor Stravinsky lui-même y dirige un ensemble, dont le BBC Chorus, pour son ballet Les Noces. Au fil des ans, un défilé de géants du classique y a travaillé, du légendaire pianiste Artur Schnabel au légendaire baryton Dietrich Fischer-Dieskau.

Les studios étaient idéaux pour capturer la grandeur des orchestres, suffisamment grands pour accueillir un orchestre mais pas trop pour ne pas noyer les enregistrements symphoniques dans une réverbération naturelle. Lorsque les Beatles ont commencé à dépasser les bases de la guitare et de la batterie (souvent avec les encouragements et l’aide du producteur et arrangeur George Martin), le pedigree classique des studios s’est avéré utile. En témoignent le quatuor à cordes endeuillé qui colore « Yesterday », la marée montante du chaos qui porte « A Day in the Life » à son apogée avec un orchestre entier qui passe de ses notes les plus basses à ses notes les plus hautes, ou le grand gang de cuivres et de cordes qui renforce le drame épique du medley de l’album de fin de carrière intitulé à juste titre Abbey Road.

Cliff Richard et The Shadows

La scène rock anglaise est un peu en retard sur celle des États-Unis, mais c’est à Abbey Road que se produit le Big Bang du rock britannique. Le 24 juillet 1958, Cliff Richard & The Drifters sont venus au studio pour enregistrer « Move It », un morceau cracheur de feu prouvant que les Britanniques pouvaient revendiquer le son rauque qui modifiait l’ADN de la musique pop. Dans le documentaire de 2022 consacré au studio, If These Walls Could Sing, Richard estime qu' »Abbey Road a donné vie au rock ‘n’ roll [britannique]… il était à l’avant-garde de l’un des plus grands changements musicaux ».

Paul McCartney, adolescent, a été impressionné par « Move It » et aurait couru pour montrer à John Lennon comment il maîtrisait le premier riff de guitare du morceau. Richard affirmera plus tard que Lennon a dit un jour : « Avant Cliff Richard et ‘Move It’, il n’y avait rien qui valait la peine d’être écouté en Angleterre ».

Les Cliff’s Drifters ont rapidement évolué vers The Shadows, qui ont eu une carrière distincte en tant que groupe instrumental, en plus de soutenir Richard. En juin 1960, ils innovent à Abbey Road en enregistrant « Apache. Le guitariste principal, Hank Marvin, obtient un nouveau son envoûtant grâce à la combinaison d’un dispositif d’écho à bande et d’une manipulation magistrale de sa barre de trémolo – un son obsédant à mi-chemin entre les Ventures (dont le premier tube vient à peine de sortir) et les bandes-son de westerns spaghetti d’Ennio Morricone, qui ne sont pas encore arrivés à maturité.

Les Beatles font leurs débuts à Abbey Road

Hank Marvin était un guitar hero pour tous les rockeurs britanniques des années 60, mais le son de The Shadows a directement frappé les Beatles. Les Liverpudliens ont adopté « Apache » pour leur répertoire dès leurs premiers jours dans les clubs de Hambourg et ont même enregistré leur propre hommage aux Shadows, « Cry for a Shadow. En 1987, George Harrison a déclaré à Guitar Player :  » John et moi étions en train de bull***** un jour, et il avait cette nouvelle petite Rickenbacker avec une sorte de barre d’oscillation bizarre sur la guitare. Il a commencé à en jouer, et je suis arrivé, et on a tout inventé sur le champ. »

Si les Beatles ont été signés après de nombreux refus d’autres labels, c’est notamment parce qu’EMI était impatient de mettre la main sur le prochain Cliff Richard & The Shadows. Avec George Martin comme producteur, ils ont enregistré une grande partie de leur premier album, Please Please Me, à Abbey Road en un peu moins de 12 heures, avec une technologie à deux pistes seulement.

Vous connaissez la suite. Mais l’un des nombreux effets secondaires du succès des Beatles a été l’afflux d’autres groupes britanniques dans les studios EMI pour capturer la même magie. Au milieu des années 60, 3 Abbey Road accueillait tout, du rock ‘n’ roll aux accents R&B/jazz de Manfred Mann à la folk-pop aérienne et pleine d’harmonies de The Seekers.

Larsen et cassettes à l’envers

Les sessions d’Abbey Road des Beatles ont donné lieu à une série d’innovations qui ont changé la façon dont les disques étaient réalisés. Les premières innovations ont commencé dès octobre 1964, lorsque le bourdon d’ouverture de « I Feel Fine » a inauguré l’utilisation du larsen sur disque. Cela a commencé par un accident lorsque la guitare de John a capté la note de basse de Paul et l’a renvoyée dans l’amplificateur de John. Le groupe a tellement aimé l’effet qu’il l’a reproduit pour l’intro. Lennon déclara plus tard : « Je défie quiconque de trouver un disque [précédent] – à moins qu’il ne s’agisse d’un vieux disque de blues de 1922 – qui utilise le feedback de cette façon.

Les Pink Floyd ont été parmi ceux qui ont adopté ces développements, avec l’ingénieur des Beatles Norman Smith qui a produit la session d’Abbey Road pour leur single de 1967 « Apples and Oranges. Mais la frénésie de l’effet Larsen s’est propagée très loin, impliquant finalement les Who, Jimi Hendrix et presque tous les rockeurs psychédéliques que vous pouvez citer.

Selon les sources, c’est John Lennon ou George Martin qui a eu l’idée de faire jouer les bandes à l’envers à Abbey Road. Mais en avril 1966, « Rain » est le premier disque à utiliser cette technique, avec la voix inversée de Lennon à la fin.

Très vite, des bandes de voix, de guitares et de tout ce que l’on peut imaginer sont inversées sur des pistes bizarres partout, que ce soit à Londres ou à Los Angeles. L’un des exemples les plus inhabituels, le cauchemardesque « Butcher’s Tale », extrait de l’opus magnum des Zombies, Odessey and Oracle, a été enregistré en juillet 1967 aux studios EMI, avec des lavis atmosphériques sinistres obtenus en jouant un enregistrement de Pierre Boulez à l’envers à la mauvaise vitesse. La tendance se poursuivra pendant des générations, sur les sessions d’Abbey Road pour tout, de la fusion punk/prog visionnaire de Doctors of Madness en 1976, Figments of Emancipation, à la musique de Daniel Pemberton pour le film Motherless Brooklyn en 2019.

Flanging et ADT

Le flanging et l’ADT (automatic double tracking) ont également été inventés lors des sessions de Revolver en 1966. L’ingénieur Ken Townsend a imaginé un moyen de permettre à Lennon de doubler les voix sans les chanter deux fois. Le son psychédélique du flanging est un sous-produit fascinant qui a été ajouté pour la première fois à « Tomorrow Never Knows.

En temps voulu, le flanging est devenu omniprésent, apparaissant sur des titres comme « Itchycoo Park » des Small Faces et « Pictures of Matchstick Men » de Status Quo. Bien plus tard, lorsque les pédales ont été perfectionnées pour accomplir ce que Townsend avait fait à la main, les flangers se sont avérés indispensables à des artistes aussi éloignés que Rush et The Police.

Pour boucler la boucle, Alan Parsons (qui deviendra célèbre avec le Alan Parsons Project) n’était qu’un modeste assistant ingénieur pour les Beatles aux studios EMI, mais en tant que producteur de Dark Side of the Moon, l’album phare de Pink Floyd enregistré à Abbey Road en 1973, il a trouvé des applications nuancées de la technique, comme la subversion du son du chœur féminin sur « Time.

Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band

La période d’expérimentation la plus libre des Beatles a lieu en 1967, après qu’ils aient abandonné les concerts et commencé à ressentir la pression de la Beatlemania. « Ils devaient soit se séparer, soit aller dans un bunker », dit Giles, le fils de George Martin, dans If These Walls Could Sing, « et ce bunker était Abbey Road ». Avec une technologie de pointe, une ambition artistique sans précédent et un contrat garantissant un temps d’enregistrement illimité, ils ont fait du studio leur laboratoire/terrain de jeu.

C’est là qu’ils se sont mis à travailler sur le premier album conceptuel du rock, en raccordant des bandes de musique de calliope pour les scènes de cirque vertigineuses de « Being for the Benefit of Mr. Kite », et en mélangeant des cuivres et des bruits d’animaux sur « Good Morning Good Morning. Sur l’album « A Day in the Life » susmentionné, après que la demande de Paul pour un « orgasme orchestral » à la coda ait été satisfaite, chaque Beatle a utilisé un piano à queue différent pour l’accord final dramatique à huit mains.

Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band bouleverse les esprits dans le monde entier, même ceux des musiciens anglais les plus avant-gardistes. Pendant sa réalisation, Pink Floyd travaille à Abbey Road sur son premier album, Piper at the Gates of Dawn. Avec Norman Smith à la production, ils ont déclenché une tempête psychédélique sans doute encore plus délirante que celle qui s’est produite dans le studio voisin. Mais ils ont l’avantage d’assister à une partie de la construction de Sgt. Pepper et d’utiliser des astuces déjà perfectionnées par les ingénieurs d’Abbey Road pour les Beatles, comme les effets ADT pour la voix du frontman Syd Barrett.

Les albums conceptuels psychédéliques commencent à arriver en masse, notamment à Abbey Road, où The Pretty Things commencent à réaliser leur classique culte S.F. Sorrow sous la supervision de Smith, six mois après la sortie de Sgt. Pepper. Les groupes de la fin des années 60 désireux de s’inspirer de la puissance symphonique de « A Day in the Life » ne manquent pas non plus, que ce soit aux studios EMI (la chanson titre de Procol Harum, vaste et cinématographique, sur A Salty Dog) ou ailleurs (Days of Future Passed, orchestré et conceptuel, des Moody Blues).

Lorsque le nom du studio passe officiellement d’EMI à Abbey Road en 1976, les Beatles ne sont plus qu’un souvenir béat et les styles des années 60 semblent déjà bien loin. Mais le prog, la new wave et tout un tas de sons à venir seront affectés par ce que John, Paul, Ringo et les deux Georges ont imaginé dans ce creuset de créativité avec un peu d’aide de leurs amis férus de technologie.