Paul McCartney à 80 ans : Les 10 moments les plus marquants de McCartney

Il est difficile de ne pas s’extasier devant Paul McCartney. L’auteur-compositeur faisait partie de l’un des groupes de rock les plus populaires au monde à une époque où la musique populaire du XXe siècle connaissait une transformation étonnante. Dans les années 1950, des artistes comme Elvis Presley, Hill Haley et Chuck Berry ont rationalisé la musique des musiciens de blues noirs, en la mêlant à la musique country blanche pour créer un genre qui allait définir l’après-guerre. Les Beatles, qui avaient grandi avec la musique de Presley et d’autres musiciens, se sont fait un nom en imprégnant cette forme d’art américaine d’une saveur typiquement britannique.

Au cours de leur carrière relativement courte, les Beatles ont continué à pousser le rock ‘n’ roll dans des directions nouvelles et surprenantes, le remodelant encore et encore. Et au centre de tout cela : Paul McCartney, le multi-instrumentiste affable, charmant et terriblement créatif qui nous a donné des tubes tels que « Eleanor Rigby », « Yesterday » et « Blackbird ».

Comme vous le découvrirez, Paul est à l’origine de certains des moments les plus novateurs de la carrière des Beatles, dont beaucoup sont souvent considérés comme l’œuvre de John Lennon. Cette erreur historique est un exemple de la façon dont les mythologies individuelles des Beatles nous aveuglent sur la réalité de leurs rôles au sein du groupe.

Dès le départ, Lennon était considéré comme l’intellectuel des Beatles, mais c’est le chérubin Paul qui était le plus affûté lorsqu’il s’agissait de créer des chansons en studio. En effet, même après la séparation des Beatles, Paul a continué à explorer de nouvelles méthodes lyriques, instrumentales et technologiques, cherchant toujours à élargir ses horizons créatifs. De l’introduction de nouvelles techniques d’enregistrement à la redéfinition de la pop star, voici les moments les plus novateurs de Paul McCartney.

Les 10 moments les plus novateurs de Paul McCartney :

Le concept de Sgt. Pepper’s

Avec Sgt. Pepper’s, les Beatles ont tendu un miroir à l’époque de la contre-culture, offrant une image idéalisée de la vie hippie. En ignorant volontairement les diverses absurdités et manies de l’époque, les Beatles ont distillé et mis en bouteille l’optimisme de l’époque, capturant ce sentiment de possibilité qui a atteint son apogée pendant l’été de l’amour.

C’est Paul qui a eu l’idée initiale de la création de Sgt. Pepper’s. En tant que dernier membre des Beatles à prendre du LSD, sa décision d’entrer dans le monde des hallucinogènes a été un moment décisif. Non seulement cela a permis une nouvelle camaraderie entre les « Fab Four », mais cela a aussi donné à McCartney un nouveau sens des possibilités. Avec son imagination revigorée, le Beatle a pris un vol de retour du Kenya vers l’Angleterre. Pendant le vol, il a l’idée d’une chanson impliquant un orchestre militaire de l’ère édouardienne. À son arrivée en Angleterre, McCartney suggère que le nouvel album soit centré sur une performance fictive dudit groupe. Et c’est ainsi que Sgt. Pepper’s est né.

Le Mellotron sur « Strawberry Fields Forever ».

Si c’est à George Harrison que l’on doit l’absorption par les Beatles des premières technologies de synthétiseur, c’est Paul McCartney qui a fini par utiliser le Mellotron le plus efficacement. C’est à lui que l’on doit ce qui est sans doute l’un des arrangements de synthé les plus célèbres de la musique : les premiers accords de « Strawberry Fields Forever ».

Dans Summer Of Love, George Martin rappelle comment le talent de Paul pour trouver des solutions rapides et imaginatives a défini le son du morceau de 1967 Magical Mystery Tour : « La chanson vous faisait partager un voyage intriguant, au lieu de commencer par un moment abstrait. C’était comme si John attrapait les gens dans la rue pour les emmener avec lui à une fête. Mais il fallait quand même une introduction. Paul avait griffonné les accords du couplet, et il a trouvé une séquence de notes qui étaient en fait les accords de la chanson, mais étirés en arpège. Après être retourné au studio le lendemain pour enregistrer une autre prise, qui a ensuite été collée à une prise précédente enregistrée dans une tonalité différente, le premier master de « Strawberry Fields Forever » était terminé. Aujourd’hui, ce morceau reste l’incarnation parfaite de l’inventivité de l’ère psychédélique.

Home recording et lo-fi chez McCartney

Le premier effort solo de Paul McCartney est loin de répondre aux attentes des fans. Contrairement à son travail avec les Beatles, McCartney a été bricolé à partir d’une sélection d’enregistrements personnels, de chansons des Beatles rejetées et de morceaux improvisés. Certains fans sont déçus par cet effort, accusant McCartney de leur remettre une collection de chansonnettes à moitié terminées. Rétrospectivement, Paul McCartney fait preuve d’une remarquable prescience, semblant préfigurer les imperfections lo-fi d’artistes comme Daniel Johnston, Neutral Milk Hotel et Mac Demarco.

L’ambition de Paul était de créer un album avec une personnalité distincte. En parlant des morceaux de ce premier album solo, il a déclaré : « Ils étaient presque jetables, vous savez ? Mais c’est pour cela qu’ils ont été inclus. Ils n’étaient pas tout à fait jetables. C’était l’idée même de l’album : toutes les choses normales que vous enregistrez, qui sont géniales et ont toute cette atmosphère, mais qui ne sont pas si bonnes que ça en termes d’enregistrement ou de production. Normalement, ces choses finissent avec le reste de vos démos, mais toutes ces choses sont souvent des choses que j’aime. »

Sortir un album en Union soviétique

En l’espace de deux jours, en juillet 1987, Paul McCartney a enregistré pas moins de 20 chansons. À l’origine, Paul voulait sortir cette offre volumineuse au Royaume-Uni en dehors des circuits de distribution habituels, donnant ainsi l’impression qu’elle avait traversé clandestinement le rideau de fer. Sans surprise, le label de Paul McCartney n’est pas emballé par cette idée. Le problème est que son manager a déjà fait presser un lot de 33 tours avec des couvertures spéciales en russe.

Pour remédier à la situation, McCartney a l’idée de sortir l’album en Union soviétique. Le timing est parfait. Mikhaïl Gorbatchev vient d’inaugurer une nouvelle ère « d’ouverture et de transparence », donnant au peuple de l’Union soviétique plus de liberté que jamais auparavant. Les responsables soviétiques ont autorisé 400 000 copies de l’album. Il y avait une règle : l’album devait sortir uniquement en URSS et nulle part ailleurs. Снова в СССР, ou Back In The USSR (Retour en URSS) a été adopté par le peuple soviétique, marquant un tournant dans les relations culturelles entre l’Est et l’Ouest pendant la guerre froide.

Le glissando orchestral sur « A Day in The Life ».

A Day In The Life » est certainement l’une des chansons les plus spectaculaires que les Beatles aient jamais produites. Ce qui est encore plus étonnant, c’est que la plupart des gens la décriraient volontiers comme une chanson pop, malgré ses arrangements orchestraux atonaux.

L’un des éléments les plus envoûtants du morceau Sgt. Pepper’s est sa structure en patchwork. Lors de l’enregistrement de « A Day In The Life » en studio, les Beatles ont décidé de laisser un long vide après les paroles de Paul « I’d love to turn you on ». Mal Evans a compté 24 mesures de silence, qui sont restées sur l’enregistrement jusqu’à ce que Paul ait l’idée de combler les vides avec une montée en puissance orchestrale. McCartney se joint à George Martin pour diriger la quarantaine de musiciens qui ont été transportés par ferry jusqu’aux studios d’Abbey Road, dont beaucoup ont été engagés par le Royal Philharmonic et le London Symphony Orchestras. Les passages discordants sont enregistrés quatre fois sur deux magnétophones synchronisés, et l’histoire est écrite.

L’accord définitif dans « Please Please Me ».

Les premiers succès des Beatles sont d’une simplicité trompeuse. Des titres comme « She Loves You », « Please Please Me » et « Twist and Shout » ont tendance à suivre une structure commune et à adhérer à l’idéologie « trois accords et la vérité » de la musique country des années 50. Cela a conféré à leurs tubes une certaine familiarité et accessibilité, nécessaires à leur succès dans les hit-parades. Mais, n’ayant pas reçu de formation classique, Lennon et McCartney n’ont jamais été obligés de se conformer aux principes harmoniques traditionnels.

Dans « Please Please Me », le duo de compositeurs recherchait avant tout l’effet de choc, taquinant leur public avec une série de phrases en demi-mesure avant de passer d’un accord de sol majeur dominant à un si mineur instable vers la fin du couplet. Lennon dira de cet accord qu’il a « fait » la chanson. Se souvenant d’avoir composé le single les yeux dans les yeux avec McCartney, Lennon a déclaré : « Nous étions dans la maison de Jane Asher, en bas dans la cave, jouant au piano en même temps. Et nous avions ‘Oh you-u-u…got that something’ Et Paul frappe cet accord et je me tourne vers lui et lui dit ‘C’est ça !’. J’ai dit : « Refais-le ! ». Please Please Me » s’est hissé au sommet des charts au Royaume-Uni et aux États-Unis, contribuant à déclencher la vague de Beatlemania qui a déferlé sur l’Amérique en 1964.

La fuzz box sur « Think For Yourself ».

Un autre moment qui a changé la donne pour Paul McCartney est survenu lors de la création de « Think For Yourself », l’une des chansons les moins connues de George Harrison pour les Beatles. Au cours des sessions de studio pour le titre Rubber Soul, Paul a fait un usage pionnier de la pédale fuzz. Après avoir enregistré une prise claire de sa partie de basse, Paul a enregistré deux fois le même arrangement avec un effet de fuzz. La technique de la fuzz-basse a depuis défini le son de groupes contemporains comme Royal Blood, qui utilisent la guitare basse pour délivrer les lignes de guitare principale.

L’idée lumineuse de Paul McCartney a marqué le premier moment dans l’histoire de la musique où une basse avait été enregistrée en utilisant un effet fuzz. « Paul a utilisé une fuzz box sur la basse de ‘Think For Yourself' », a rappelé George Harrison dans son autobiographie I, Me, Mine. « Lorsque Phil Spector a réalisé ‘Zip-A-Dee-Doo-Dah’, l’ingénieur qui avait mis en place la piste a surchargé le microphone du guitariste, qui est devenu très déformé. Phil Spector a dit : « Laissez-le comme ça, c’est génial », poursuit George. « Quelques années plus tard, tout le monde a commencé à essayer de copier ce son et ils ont inventé la fuzz box. On en avait une et on a essayé la basse à travers elle et ça sonnait vraiment bien ». L’utilisation de la basse fuzz par McCartney a ensuite été adoptée par tout le monde, de Black Sabbath à Metallica en passant par Tame Impala. Aujourd’hui, c’est l’un des sons les plus emblématiques de la musique rock.

Les boucles de bande dans « Tomorrow Never Knows ».

Avec sa batterie tonitruante, ses drones Tambura denses et son master mix super-compressé, « Tomorrow Never Knows » ne ressemblait à rien d’autre. Un éventail vertigineux de techniques de production pionnières a été utilisé sur le morceau de Revolver, mais l’une des plus imaginatives a été la décision de Paul McCartney d’intégrer une sélection de boucles de bande dans le mixage.

Pendant l’une des sessions de « Tomorrow Never Knows », Paul McCartney se rend compte qu’il peut saturer un enregistrement en retirant la tête d’effacement de son magnétophone. Il en informe rapidement les autres Beatles, qui passent le reste de la session à fabriquer des boucles de bande. Paul avait déjà fait des boucles auparavant, mais les autres avaient besoin d’aide.

Se souvenant de cette découverte dans Many Years From Now, Paul a déclaré : « On a fait tourner les boucles, puis la piste de ‘Tomorrow Never Knows’ et on a joué avec les faders, et juste avant qu’on puisse voir qu’il s’agissait d’une boucle, avant qu’elle ne commence à se répéter beaucoup, j’ai tiré sur l’un des autres faders, et donc, en utilisant les autres personnes, ‘Tu tires ça là’, ‘Tu tires ça là’, on a fait un jeu mi-aléatoire, mi-orchestré des choses et on a enregistré ça sur une piste de la bande maîtresse, de sorte que si on en avait une bonne, ce serait le solo. On l’a joué plusieurs fois et on a changé certaines des bandes jusqu’à ce qu’on obtienne ce qu’on pensait être un bon solo. »

Les moustaches de Sgt. Pepper’s

Les Beatles ont été des précurseurs de tendances dès le départ. Leurs coupes de cheveux au bol sont rapidement adoptées par la jeunesse amoureuse des années 1960, comme en témoignent les larges moustaches que Lennon, McCartney, Starr et Harrison arborent pour la couverture de Sgt. Peppers’. Le minimalisme des premières pochettes d’album des Beatles était le reflet de la vitesse furieuse à laquelle les enregistrements étaient réalisés. Mais au moment de la sortie de Sgt. Pepper’s, les choses s’étaient un peu ralenties, donnant à Lennon, McCartney et Co le temps d’élargir leur vision musicale ainsi que leur pilosité faciale.

Expliquant comment les moustaches du Sgt. Pepper’s sont apparues, Paul a déclaré au public du South Bank Show : « J’ai eu un accident de mobylette et je me suis cassé la lèvre… et lors des séances de photos, nous devions toujours faire ça, c’était très embarrassant d’avoir cette grosse lèvre, alors j’ai commencé à me faire pousser une moustache pour la cacher, et puis les autres ont dit ‘Hé, c’est bien’, et donc sans que personne ne le sache, nous nous sommes tous fait pousser ces moustaches. » Le look n’a pas tardé à faire des émules. Dans un article du Daily Mirror publié à l’époque de Sgt. Pepper’s, Christopher Ward écrit : « Cette éruption hirsute se répand sur le visage de la Grande-Bretagne. À première vue, vous n’êtes personne en Angleterre ces jours-ci si vous n’avez pas un demi-pouce de cheveux tachés de nicotine qui pendent de votre lèvre supérieure raide. »

Redéfinir la pop star

Avec les Beatles, Paul McCartney a joué un rôle clé dans l’élaboration du modèle de célébrité de la pop. Les « Fab Four » ont été l’un des premiers groupes à susciter le genre d’adoration érotique qu’inspirent aujourd’hui des boys bands comme BTS. Dans Beatlemania : Girls Just Want To Have Fun, Barbara Ehrenreich, Elizabeth Hess et Gloria Jacobs observent : « Par son intensité, comme par son ampleur, la Beatlemania a surpassé toutes les précédentes flambées d’hystérie centrée sur les stars. Pour ceux qui ont participé à la Beatlemania, le sexe était un élément évident de l’excitation. Les Beatles étaient sexy ; ce sont les filles qui les recevaient comme tels ».

Contrairement à Elvis Presley et Little Richard, la deuxième génération d’idoles de la musique pop a été sélectionnée pour sa capacité à imiter l’esthétique du rock ‘n’ roll : le déhanché, les lèvres pulpeuses, les yeux perçants – en gros, tout ce qui a rendu Presley si populaire. Comme le souligne Sheila Whiteley dans Reading The Beatles, l’intention de l’industrie musicale était de commercialiser cette personnalité musicale jusque-là improvisée et de « mettre en avant l’idole pop manufacturée, célibataire, blanche, belle et remplaçable ».

Dans une certaine mesure, les Beatles – du moins au début – reflétaient ce modèle. Cependant, John, Paul, Ringo et George l’ont également subverti, apportant quatre personnalités uniques qui leur ont permis de gagner en popularité auprès d’une base de fans diversifiée. Depuis une trentaine d’années, des boys bands manufacturés comme Take That, Westlife et One Direction ont été construits à l’image des Beatles, chaque membre étant sélectionné sur la base de ses caractéristiques uniques et commercialisables.