Il y a de bonnes raisons de penser que tous les groupes qui ont vu le jour depuis les années 60 doivent leur carrière aux Beatles. Quel que soit le point de vue que l’on adopte, les Fab Four semblent être les premiers dans presque tous les domaines du rock and roll moderne, qu’il s’agisse de ne plus s’appuyer sur les traditions du blues, de devenir bizarre en studio ou du charisme qu’ils avaient sur scène et en studio. Nous avons tous pris quelques pages du travail des Beatles, c’est juste que certaines personnes sont un peu plus approfondies dans leur inspiration.
Pour autant que ces groupes aient leur propre identité, ces chansons auraient pu être des chansons des Beatles avec le nom d’une autre personne dessus. De la construction harmonique au type de guitares utilisées, chacune de ces chansons porte en elle la sensibilité de Lennon/McCartney. Il ne s’agit pas non plus d’un petit peu d’inspiration ici et là.
Il s’agit plutôt d’une bande de musiciens qui s’amusent et qui décident d’écrire une copie complète des Beatles, y compris en façonnant la mélodie pour qu’elle soit beaucoup plus proche du style classique qu’ils ont créé. Au début des années 60, il y avait déjà des millions de cas où des labels ont créé des groupes d’imitation des Beatles pour s’inspirer des gars de Liverpool, et il semble que la tradition se soit bien perpétuée au cours des décennies suivantes.
Sommaire
10. Why Don’t You Get a Job – The Offspring
Les Beatles et le monde du punk rock n’ont pas vraiment l’impression d’appartenir à la même phrase la plupart du temps. Lorsque des groupes comme les Ramones et les Sex Pistols ont commencé à jouer à la fin des années 70, ils semblaient presque être l’antithèse de ce que les Beatles faisaient à l’origine, s’éloignant de ces chefs-d’œuvre de la pop pour revenir à l’essentiel. Une fois qu’ils ont admis que les Beatles avaient de bonnes chansons, la génération suivante n’a même pas pris la peine de cacher ses idées.
Bien que Americana nous ait donné certaines des meilleures chansons d’Offspring, comme The Kids Aren’t Alright, Why Don’t You Get a Job donne pratiquement l’impression que le groupe se moque des Beatles, en présentant la chanson comme une satire de la chanson Ob La Di Ob La Da de Paul McCartney. Alors que la chanson originale de l’Album Blanc était déjà un peu controversée, c’est le genre d’hommage qui rend l’original doublement ennuyeux, étant aboyé par la voix aiguë et criarde de Dexter Holland et ressemblant plus à une version pour enfants de ce à quoi devrait ressembler une chanson punk rock.
Il ne s’agit pas non plus d’un simple jeu sur le coup de pied typique des Beatles, le groupe reprenant pratiquement toute la mélodie vocale et réécrivant la chanson entière avec quelques paroles différentes ici et là. On dit toujours que les artistes portent leurs influences sur leur manche, mais cette chanson porte l’influence des Beatles comme un masque et espère que vous ne verrez pas la différence.
9. Cancer – My Chemical Romance
L’un des plus grands éléments de la magie des Beatles est la façon dont leurs chansons sont complètes dans leur forme la plus simple. Malgré les millions d’overdubs qu’ils peuvent mettre sur une chanson comme Strawberry Fields Forever, elle fonctionne tout aussi bien si elle est jouée au piano ou grattée sur une guitare acoustique. Et lorsque nous n’avons été confrontés qu’à des sons sombres pendant plus de la moitié de Black Parade, Cancer est le genre de nettoyant de palette dont My Chemical Romance avait besoin pour nous apaiser.
Il est vrai que la majeure partie de Black Parade ressemble à une lettre d’amour à tous les groupes de rock classiques qui les ont précédés, s’inspirant de Bowie, Queen et même Aerosmith pour faire passer leur message sur certaines de ces chansons. Et lorsque vous arrivez à la ballade déchirante, c’est le genre de chanson que Paul McCartney aurait écrite s’il était né comme membre de la scène gothique, étant juste 2 minutes de beaux accords centrés sur des paroles sur le décès d’un cancer.
À ce stade, le patient de l’histoire est déjà un personnage peu recommandable, mais c’est la seule fois où l’on voit l’homme vulnérable qui se cache derrière tout ça, de plus en plus détrempé par chaque traitement de chimio et qui demande à être enterré dans toutes ses couleurs préférées lorsque le moment sera venu pour lui de quitter la Terre. Le gars n’a peut-être plus beaucoup de temps avant d’expirer, mais le son de ce morceau est pratiquement Let It Be avec un peu plus de fard à paupières.
8. Crazy Little Thing Called Love – Queen
Lorsque les gens évoquent le son emblématique des Beatles, ils se réfèrent généralement à leur période psychédélique. L’époque de Sgt. Peppers est toujours considérée comme le point culminant de tout ce que le groupe a accompli, et la plupart des imitateurs ont tendance à prendre l’essentiel de chansons comme Lucy in the Sky With Diamonds ou I Am The Walrus et à essayer de capturer la même vibration. Les Beatles étaient encore un groupe de rock and roll avant d’entrer en studio, et Queen a servi quelque chose qui aurait pu être chanté par John Lennon au Cavern Club.
Cherchant initialement à imiter Elvis Presley lors de l’écriture de cette chanson, Crazy Little Thing Called Love finit par sonner comme une relique de l’époque des Beatles, où les Fab Four commençaient à avoir une idée de ce qu’ils pouvaient faire, tout en portant leur amour de la Motown et du rock’n’roll old school sur leurs manches. Bien que des groupes comme les Stray Cats aient pu créer leur propre style de rockabilly à la même époque, Queen semble rechercher un autre type d’ambiance rétro, Freddie Mercury ajoutant même un hoquet dans sa voix que Buddy Holly, l’idole de John Lennon, avait travaillé dans sa jeunesse.
Queen avait déjà prouvé qu’il était capable de faire de grands succès, et une chanson comme celle-ci est un petit clin d’œil à certains de ses héros qui ont contribué à faire d’eux les musiciens qu’ils sont aujourd’hui. Ce n’est peut-être qu’un petit morceau de rock sur l’amour, mais John a dit que c’était tout ce dont nous avions besoin à l’époque.
7. All Apologies – Nirvana
À l’époque du grunge, Kurt Cobain semblait presque être le seul apologiste des Beatles venant de Seattle. Alors que des groupes comme Soundgarden et Pearl Jam se sont peut-être concentrés sur le côté le plus dur des Fab Four, Kurt était un fan inconditionnel de John Lennon, et le producteur Butch Vig a même dû le convaincre de doubler sa voix sur Nevermind spécifiquement parce que c’était ce que John faisait sur ses chansons préférées des Beatles. À la fin du mandat du groupe, Kurt a terminé sa dernière déclaration enregistrée avec une vision plus dépressive de l’œuvre de John.
Bien que certaines chansons de Nevermind, comme Lithium, empruntent la même structure de chanson pop que les Fabs, All Apologies est de loin la plus jolie chanson que le groupe ait jamais sortie, ainsi qu’une feuille de paroles vraiment troublante sur l’état d’esprit de Kurt à l’époque. Bien plus déprimé qu’auparavant et de plus en plus suicidaire, cette chanson montre Kurt se renfermant sur lui-même, ne trouvant plus aucune joie à être heureux ou à ressentir de l’empathie et s’excusant presque auprès du reste du monde à cause de son repli sur soi maintenant qu’il est célèbre.
La feuille de paroles est assez troublante, mais la base mélodique du riff de guitare est l’une des plus grandes lignes de guitare de Kurt, vous accrochant comme une version inversée de Here Comes the Sun, collant à une corde et essayant de tirer une mélodie décente de l’ensemble. La fixation de Kurt était peut-être encore sur les Beatles, mais les sons candides de cette chanson se rapprochent presque de ce que John Lennon ressentait lorsqu’il suivait une thérapie de cri primal pendant les derniers jours des Fabs.
6. Tangerine – Led Zeppelin
Dans la grande histoire du rock and roll, l’arrivée de Led Zeppelin semble appartenir à une planète complètement différente de celle des Beatles. Bien que Jimmy Page ait fait partie des Yardbirds aux côtés de l’allié des Beatles Eric Clapton, le son d’un album comme Whole Lotta Love ne semble pas vraiment devoir exister la même année que la sortie d’un album comme Abbey Road. Ces gars-là étaient le côté sombre et bluesy des Beatles, mais ils se sont inspirés d’eux lorsqu’ils ont sorti l’acoustique.
Alors que Led Zeppelin III peut sembler être l’enfant du milieu entre les disques classiques de Zeppelin, Tangerine est l’une des ballades les plus pures qu’ils aient jamais enregistrées, avec Jimmy Page qui se détend avec son acoustique tandis que Robert Plant exploite le côté le plus sensible de son registre vocal, qu’il affinera sur Going to California quelques mois plus tard. Contrairement au doom acoustique de Babe I’m Gonna Leave You, il y a un sentiment beaucoup plus décontracté dans une chanson comme celle-ci, qui pourrait presque provenir de l’époque Rubber Soul des Beatles, où le groupe commençait à être plus introspectif.
Alors que John Lennon chantait sur les femmes qui l’ont pris pour un imbécile dans des chansons comme Norwegian Wood, Robert semble plus satisfait de se complaire dans son chagrin alors qu’il s’éloigne chaque jour un peu plus de son ancien amour. Il y a peut-être un lien avec les Beatles, mais il y a aussi une touche celtique à tout ce que Zeppelin a pratiquement fait sien.
5. You See Me Crying – Aerosmith
Et voilà… quelqu’un d’autre reproche à Aerosmith d’être une copie de quelqu’un. Et encore, quand on parle d’Aerosmith comme étant un peu moins original avec ses idées, le plus souvent les gens les comparent plus aux Rolling Stones qu’à ce que les Fab Four ont fait. Pourtant, à la fin de Toys in the Attic, Steven Tyler a enfoui en lui une chanson qui semble sortir tout droit de la période classique des Beatles.
Alors que le reste de Toys n’est rien d’autre qu’un hard rock bluesy, You See Me Crying est une ballade au piano, où Steven met son cœur à nu en parlant des moments difficiles qu’il a traversés dans son couple. Ayant déjà Dream On à son actif, cette chanson est un peu plus polie, mais on y retrouve aussi quelques points communs avec le style traditionnel des ballades des Beatles, jusqu’à l’utilisation de cordes qui montent en flèche pour tout ramener à la maison vers la fin du morceau.
Même si les cordes ne sont pas aussi mordantes que celles d’Eleanor Rigby, on peut entendre la montée du drame dans la dernière partie d’Abbey Road, alors que Steven essaie de conclure son propre album avec le même poids émotionnel que celui d’une chanson comme Carry That Weight bleeding into the End. Les Beatles ont toujours été la version britannique de la perfection en matière de rock and roll, et il était temps que Steven Tyler nous offre quelque chose qui puisse rivaliser avec les Hey Judes du monde entier.
4. Big Me – Foo Fighters
Dave Grohl a toujours affirmé qu’il ne serait pas le musicien qu’il est aujourd’hui si la musique des Beatles ne l’avait pas touché dès son plus jeune âge. Bien que la plupart de ses groupes préférés au fil des ans aient été des groupes de punk parmi les plus sinistres de la scène hardcore de DC, les origines de Dave en tant qu’auteur-compositeur remontent à la première fois qu’il a eu une guitare et un livre de chansons des Beatles devant lui, analysant les accords et faisant toujours attention à la mélodie. Et si les Foo Fighters avaient déjà leur propre son dès leur premier disque, Big Me est une tranche de perfection pop avec quelques touches Fab.
Bien que la chanson soit pratiquement terminée avant d’avoir commencé, avec un peu plus de 2 minutes, il n’y a pas une seule note déplacée ici, Grohl s’en tenant aux bases de ce que devrait être une bonne chanson pop, ne jouant qu’une poignée d’accords et laissant sa mélodie parler pour lui la plupart du temps. En fait, il pourrait être un peu trop sur le nez ici, Grohl a finalement fait la publicité inspirée de Mentos en raison de la façon dont cette chanson semble sacrément heureuse dans le contexte, ce qui s’est retourné contre eux quand ils ont soudainement eu des Mentos jetés sur eux pendant les concerts, ce qui n’était pas très différent de quand les Beatles ont eu des Jelly Babies pleuvant sur eux à l’époque.
Indépendamment des blessures liées aux bonbons, il s’agit de l’une des chansons les plus poppées jamais écrites par les Foo Fighters, et elle n’en est que meilleure. Les crédits d’écriture peuvent indiquer Dave Grohl, mais le son jovial de ce morceau porte les empreintes de Paul McCartney.
3. All Around the World – Oasis
Il y a de fortes chances que vous pensiez qu’Oasis allait figurer sur cette liste bien avant de cliquer sur ce lien. Les frères Gallagher ont un véritable talent derrière eux, mais ils doivent certainement leur carrière aux sons de Lennon et McCartney, du gémissement nasal de la voix de Liam à l’écriture de Noel qui est remplie de références aux Beatles comme la citation de chansons sur D’You Know What I Mean. Puisqu’ils étaient officiellement le plus grand groupe du monde à l’époque de Be Here Now, Noel s’est dit qu’il était temps de dévoiler sa réponse à Hey Jude sur All Around the World.
En regardant la construction du morceau, on a l’impression que Noel essaie d’obtenir le son épique que Paul avait obtenu sur la dernière partie de Hey Jude, en créant un refrain qui nous fait savoir que tout va bien se passer. Il y a définitivement une forte mélodie dans cette chanson, mais Noel va peut-être un peu trop loin ici, essayant d’égaler la puissance des Beatles en insérant chaque chose qu’il peut, de Liam ajoutant des na na nas dans le mixage au groupe changeant deux fois de clé dans l’outro avant que tout commence à s’éteindre.
La chanson entière est un spectacle à écouter en soi, mais lorsque vous attendez les 9 minutes complètes, vous commencez à voir le peu de viande qu’il y a sur ses os. Hey Jude a peut-être eu la construction graduelle qui a mené à la pause de chant à la fin, mais Noel a l’impression qu’il a écrit la partie de chant et a ensuite essayé de remplir le reste de la chanson du mieux qu’il pouvait.
2. Get Off My Cloud – Rolling Stones
Il est temps que les gens mettent fin à la rivalité entre les Beatles et les Rolling Stones. Bien que la presse musicale ait insisté sur le fait que les membres du groupe se détestaient et que les Stones étaient le miroir sombre des Fab Four, les deux groupes semblaient s’entendre assez bien, se soutenant mutuellement et allant aux concerts de l’autre lorsqu’ils avaient des jours de repos. Alors que John Lennon et Paul McCartney ont peut-être écrit le premier tube du groupe avec leur reprise de I Wanna Be Your Man, Mick Jagger et Keith Richards ont semblé prendre note de leur style d’écriture sur Get Off My Cloud.
Bien qu’elle soit sortie à peu près au même moment que la sortie d’A Hard Day’s Night au cinéma, cette chanson semble être un retour aux tout premiers jours des Beatles, à l’époque où ils étaient le petit groupe le plus chaud à sortir de Merseyside et où ils essayaient de faire un rock and roll plus infusé de R&B. Bien que Mick et Keith aient tendance à avoir des influences plus bluesy que les Fabs, il s’agit d’une chanson rock aussi directe et sèche que possible, empruntant l’attitude de quelqu’un comme Little Richard tout en canalisant l’esprit brutal et tumultueux des Fabs autour de She Loves You.
Pendant les quelques années qui suivent, les Stones vont rattraper leurs amis, en produisant des chansons inspirées des Beatles comme Paint It Black et You Can’t Always Get What You Want, avant de revenir au blues. S’inspirer des Beatles est une très bonne idée pour tout groupe en devenir, mais les Stones ont compris qu’il y avait plus à explorer une fois les bases acquises.
1. Mr. Blue Sky – ELO
Dès que ELO a commencé à faire parler de lui, beaucoup de gens ont pensé qu’ils étaient les Beatles pour la nouvelle génération. Des paysages sonores somptueux de leur musique aux mélodies mélodieuses, la vision de Jeff Lynne pour le groupe a attiré beaucoup de comparaisons avec les Beatles au début, avec même John Lennon qui parlait d’eux prenant les sons de I Am the Walrus et les amenant encore plus loin. Jeff n’avait aucun problème à être comparé aux Beatles, et sa façon d’interpoler son groupe préféré nous a donné l’une des chansons les plus joyeuses de tous les temps.
Bien que l’origine de Mr. Blue Sky soit due au fait que Jeff ait vu le soleil apparaître après des jours de tempête, les touches des Beatles sont pratiquement omniprésentes dans cette chanson, de la progression des accords qui a quelques liens avec Yesterday à la guitare slide de George Harrison sur le refrain, en passant par les étranges expériences de studio comme le chœur qui intervient sur les derniers refrains.
Il y a même quelques touches des Beatles dont on ne se rend pas compte avant d’avoir écouté de plus près, comme le son de la cloche à feu sur le couplet qui a en fait un petit point commun avec la cloche à main que l’on entend sur Penny Lane. Ce style de production était pratiquement une lettre d’amour au groupe qui a élevé Jeff, et a peut-être aidé son cas lorsqu’il a fini par produire quelques morceaux des Beatles pour l’Anthologie dans les années 90. On peut dire que c’est une arnaque, mais Jeff sait qu’il est un enfant de la musique des Beatles et il en est très fier.
