À la fin des sixties, les Beatles ne se quittent pas dans un fracas romantique mais dans un brouillard de réunions, de contrats et de comptes à rendre. Apple Corps, rêvée comme une utopie créative, ressemble de plus en plus à une salle de classe où l’on vous distribue des papiers à signer — et où l’on étouffe. C’est là que George Harrison, longtemps cantonné au rôle du « troisième », trouve sa sortie de secours : sécher une journée de paperasse, filer respirer chez Eric Clapton, prendre une guitare acoustique… et laisser tomber sur le bois ces notes qui semblent ouvrir une fenêtre. Here Comes the Sun naît d’un ras-le-bol très concret, mais devient aussitôt mieux qu’une anecdote : une petite liturgie de rétablissement, un printemps gagné sur l’hiver intérieur. Dans les coulisses d’Abbey Road, la chanson révèle tout ce que les derniers Beatles ont encore de miraculeux : un sens de l’architecture pop capable d’avaler un Moog en douceur, des métriques qui boitent juste assez pour hypnotiser, et un Ringo instinctif obligé de dompter l’impossible sans jamais casser le flux. Entre les tensions de Get Back, l’absence ponctuelle de Lennon, et la perfection parfois tyrannique du studio, ce morceau lumineux ressemble à un dernier geste de liberté — et à la preuve que, même au bord du divorce, ils savaient encore servir la grâce. Entrez : le soleil arrive, mais il n’efface rien. Il éclaire tout.
Déc
On croit connaître Lennon-McCartney comme on connaît un logo : deux noms soudés, une promesse d’égalité, un tampon posé sur des dizaines de miracles. Mais derrière la signature, il y a une histoire d’amour déguisée en artisanat pop : deux gamins de Liverpool qui se défient, se séduisent et se corrigent à coups de refrains. 1964, A Hard Day’s Night : l’hystérie du début, la cadence infernale, la foudre capturée en trente minutes, et ce premier accord qui ouvre une époque. Dans l’atelier, rien n’est simple : parfois l’un apporte presque tout, parfois l’autre ne glisse qu’un pont, une modulation, une phrase qui change la gravité du morceau — et pourtant le monde lit toujours la même chose sur l’étiquette. Puis vient la maturité de Sgt. Pepper à Abbey Road, quand l’instinct devient architecture et que la complicité se transforme en tension. Ce récit remonte le fil : méthodes d’écriture, chimie Lennon/Paul, Beatlemania comme carburant et piège, et la manière dont un “mariage” finit sans effacer la beauté. Si vous voulez entendre la relation, pas seulement la légende, c’est ici que ça commence.
L'actualité Beatles,L’actualité Beatles en 2025
« Take it, Phil » : Two of Us, les Beatles et le fantôme des Everly Brothers
Déc
On a longtemps raconté les Beatles comme une apparition : quatre garçons, un éclair, et l’histoire de la pop réécrite. Mais leur génie tient aussi à l’inverse, à cette manière rare de ne jamais faire semblant : dire d’où l’on vient, nommer ses idoles, porter ses dettes comme des médailles. De Chuck Berry à Motown, de Smokey Robinson aux girl groups, ils ont chanté leurs influences au lieu de les cacher — et, dans l’ombre de leurs harmonies, un duo revient sans cesse comme un refrain secret : les Everly Brothers. Deux voix soudées, une science de l’unisson qui a servi de matrice au tandem Lennon–McCartney. Sur Let It Be, au moment même où tout se fissure, cette filiation remonte à la surface avec une évidence poignante : Two of Us, carte postale acoustique, sourire fragile au bord de la rupture, et ce clin d’œil lâché en plein morceau — “Take it, Phil” — qui dit tout d’une vie passée à apprendre, admirer, puis dépasser sans jamais oublier de remercier. En remontant ce fil, on redécouvre une autre histoire des Beatles : moins un miracle qu’une conversation, ouverte, généreuse, et terriblement humaine.
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Paul McCartney à Nashville : l’été 1974 où Wings joue la country sans clin d’œil
Déc
Juillet 1974 : pendant que Band on the Run triomphe, Paul McCartney choisit l’endroit le moins attendu pour relancer Wings. Pas Londres, pas Los Angeles, mais Nashville — la ville où les chansons s’écrivent comme on forge des outils. Installés avec Linda dans la ferme de Curly Putman Jr., loin des regards et des narrations post-Beatles, Paul teste un nouveau line-up, respire, joue, recommence. De ce détour naissent deux pièces-souvenirs : “Junior’s Farm”, rock d’évasion au sourire de cartoon, et “Sally G”, face B devenue culte, où McCartney s’aventure dans la country au premier degré, porté par les Nashville cats et la pedal steel qui raconte autant que la voix. Entre Printer’s Alley, le studio Sound Shop et le dernier souffle d’Apple Records, ce séjour du Tennessee révèle un Paul hors du musée : un songwriter en mouvement, qui préfère le pas de côté au grand manifeste. Voici l’histoire d’une parenthèse américaine qui a laissé, en trois minutes et demie, une fenêtre ouverte pour cinquante ans.
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Don’t Worry Kyoko : la face B où Lennon met son nom au service d’un cri
Déc
On connaît Lennon en poseur d’incendies : capable de brûler ses propres classiques, de transformer une interview en champ de bataille, de parler plus fort que la musique. Mais il existe un territoire où son cynisme s’arrête net : Yoko Ono. À l’automne 1969, alors que les Beatles se disloquent et que la Plastic Ono Band invente une autre manière d’être rock, Lennon défend bec et ongles un morceau relégué sur l’autre face de “Cold Turkey”. Cette B-side, “Don’t Worry Kyoko”, n’est pas un caprice d’avant-garde : c’est une transe, un exorcisme, le cri d’une mère privée de sa fille, Kyoko, disparue dans une guerre de garde. Et Lennon, pour une fois, ne joue pas au provocateur : il met son nom au service de cette voix qui dérange, allant jusqu’à la comparer à l’étincelle originelle du rock’n’roll. Pourquoi ce disque a-t-il été rejeté, moqué, puis lentement réhabilité ? Que dit-il du couple Lennon/Ono, de la haine confortable, et de ce moment où la musique devient une question de survie ? On retourne le 45-tours, et tout s’éclaire.
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Ringo Starr, rester vertical quand le rock vacille : de Vertical Man à Ringo Rama
Déc
On a longtemps raconté le rock comme une course à l’abîme : génies brûlés, nuits sans fin, trajectoires « par miracle ». Ringo Starr, lui, a toujours fait figure d’ovni dans cette mythologie : un batteur qui traverse la tempête en gardant une boussole, non pas morale, mais musicale. Son truc, c’est l’air entre les notes, le moment où il faut enlever plutôt qu’ajouter. Après les Beatles, cette discipline devient un défi : comment être Ringo sans l’écosystème qui canalisait tout ? La réponse se joue dans un diptyque fascinant. Vertical Man (1998) sonne comme un grand retour, gorgé d’amis prestigieux et d’envie de prouver. Ringo Rama (2003), avec Mark Hudson et la bande des Roundheads, ouvre les fenêtres : moins d’ornements, plus de groupe, plus de respiration — et, au cœur, « Never Without You », présence de George Harrison sans grandiloquence. En filigrane, une leçon de longévité : rester vertical, travailler, apprendre… jusqu’à oser, encore en 2025, changer de décor sans perdre le tempo.
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A Hard Day’s Night : l’hystérie Lennon-McCartney au cœur de la Beatlemania
Déc
On raconte que Lennon et McCartney écrivaient leurs tubes comme on griffonne une carte postale : deux accords, un sourire, et l’affaire est pliée. Mais si la Beatlemania a eu des allures de miracle, c’est parce qu’elle reposait sur autre chose que la chance : une méthode, une discipline, une obsession. En 1964, alors que le monde hurle, que les avions décollent, que les hôtels deviennent des bunkers, ils continuent d’écrire dans les interstices — loges, voitures, couloirs — comme si la chanson était leur seul endroit de silence. C’est là que A Hard Day’s Night prend une couleur nouvelle : non pas la simple bande-son d’un film en noir et blanc, mais le portrait d’une jeunesse en apnée, pressée, lumineuse, déjà plus fine qu’on ne le croit. Des années plus tard, Lennon trouvera l’image la plus juste et la plus gênante : l’« hystérie » des débuts, puis la maturité d’un couple au long cours. Relire l’album à travers cette métaphore, c’est entendre derrière l’efficacité pop une fatigue, une rivalité tendre, une peur de perdre, et cette urgence joyeuse qui transforme une journée interminable en refrain éternel. Comment écrivait-on à deux, sous pression, sans se répéter ? Et que dit vraiment ce disque, soixante ans après, sur l’amour — et sur le travail ?
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« Je veux voir George faire du George » : le Dark Horse Tour, Shankar et le pari de Harrison
Déc
Quand les Beatles se sont dissous, chacun a dû apprendre à exister sans le blason. Lennon a choisi la vérité crue, McCartney la reconstruction, Ringo la route, et George Harrison une échappée vers autre chose que le rock. Le problème, c’est qu’en 1974 l’Amérique ne voulait pas “autre chose” : elle voulait un Beatle, un juke-box à souvenirs, des refrains chantés comme avant. Harrison, lui, arrive avec une tournée-manifeste, une voix fragilisée, des arrangements funk et cuivrés, et un pari aussi beau que suicidaire : faire de Ravi Shankar et de la musique indienne non pas une politesse d’ouverture, mais une partie de la charpente du spectacle. Le malentendu est immédiat. Là où le public attend l’efficacité et la nostalgie, Harrison impose la patience, un autre temps d’écoute, une traversée. Et c’est dans cette friction que surgit la phrase de Lennon, à la fois fraternelle et aveugle : « Je veux voir George faire du George. » Sauf que, pour Harrison, “faire du George”, c’est précisément laisser l’Inde entrer en grand. Retour sur un concert qui a divisé, blessé, mais aussi annoncé, bien avant l’heure, une autre idée de ce que pouvait être la scène rock.
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Love Me Do : la première preuve publique… et le fantôme de Too Bad About Sorrows
Déc
On aime raconter les Beatles avec une date propre et un disque posé sur un comptoir : 5 octobre 1962, Love Me Do, premier verrou qui saute. Sauf que ce 45-tours n’est pas une naissance, plutôt une preuve : celle qu’un duo d’ados de Liverpool, déjà obsédé par l’idée d’« écrire », peut enfin graver son nom sur vinyle. Avant l’harmonica rêche et les trois accords sans excuses, il y a des cahiers d’école, des brouillons, des chansons à moitié finies, et une formule répétée comme un sortilège : « Another Lennon-McCartney Original ». Au bout de ces pages apparaît un titre fantôme, Too Bad About Sorrows, première co-écriture fragile, longtemps perdue… jusqu’à ressurgir, par éclats, au cœur des sessions Get Back en janvier 1969, quand le groupe se fissure. En suivant ce fil, on réécoute Love Me Do autrement : non comme le Big Bang, mais comme la pointe émergée d’un iceberg fait de deuils, de rivalités amicales et d’entraînement obstiné. Retour sur le moment où Lennon et McCartney apprennent à devenir eux-mêmes, avant de devenir une légende.
Déc
En 1980, John Lennon enregistre « The Rishi Kesh Song », une chanson qui revient sur son séjour en Inde en 1968 avec les Beatles, lorsqu’ils ont étudié la Méditation Transcendantale avec le Maharishi Mahesh Yogi. Cette chanson mélange réflexion, humour et cynisme, offrant une vision complexe de la spiritualité et des croyances de Lennon. Elle évoque son scepticisme et sa quête de sens dans un monde imparfait, tout en faisant écho à son retour artistique avec l’album Double Fantasy. Un témoignage de son évolution personnelle et musicale.
