TLDR : Découvrez les 10 pires chansons de John Lennon selon les fans, de ses débuts solo jusqu’à la fin de sa carrière. Des titres controversés qui continuent de diviser les inconditionnels du rock des années 60.
Le monde du rock n’a plus jamais été le même après l’annonce de la séparation des Beatles. Les Fab Four sont restés des titans de la musique, et leur décision de se séparer a jeté un voile sombre sur le reste de la décennie, les fans devant trouver une raison de passer à autre chose. Cependant, cela ne signifie pas que chaque membre s’est éloigné de la musique, et John Lennon s’est lancé dans un tour de force d’expression artistique.
Avec ou sans sa femme Yoko Ono, Lennon a utilisé chaque album pour examiner son état d’esprit, soit en se divisant sur Plastic Ono Band, soit en se ralliant contre la corruption politique sur Some Time in New York City. Bien qu’il ait été l’une des plus grandes voix de sa génération, certains morceaux ne méritaient pas d’être joués plus d’une fois.
Par rapport au contrôle de qualité qu’il exerçait au sein des Beatles, la carrière solo de Lennon lui a permis de se lancer dans de longues tangentes à propos de rien et de créer des chansons qui semblaient dépourvues de direction bien avant qu’elles ne soient terminées. Alors que certains critiques pourraient pointer du doigt l’influence d’Ono sur lui pour expliquer l’échec des morceaux, il s’agit en grande partie d’un manque de jugement de la part de Lennon, qui pensait que la chanson pouvait aller dans une certaine direction et qui s’est ensuite complètement égaré lors de l’enregistrement.
Même avec ces petits défauts dans son catalogue, Lennon est resté l’un des meilleurs orateurs de sa génération et a continué à écrire des chansons qui reflétaient le monde qui l’entourait. Aucun artiste n’est parfait, cependant, et aucun de ces titres n’arrivera à la cheville d' »Imagine » un jour de la semaine.
Les 10 pires chansons de John Lennon :
Sommaire
‘Forgive Me My Little Flower Princess’
Tout au long de sa carrière solo, Lennon a clairement fait savoir qu’il n’était pas un personnage qui recherchait l’admiration. Il avait un passé douteux, comme la plupart des autres stars du rock, et son catalogue solo contenait de nombreuses chansons sur la honte qu’il éprouvait à l’égard des femmes. Il y a cependant une limite entre être désolé et être ennuyeux, et « Flower Princess » s’approche de cette limite.
Alors que Lennon entrait dans la phase suivante de sa carrière musicale, Double Fantasy et la majeure partie de Milk and Honey ont été écrits en hommage à son union avec Ono, alors qu’il la louait pour toute la joie qu’elle lui avait apportée. En dehors de morceaux brillants comme « Woman », ce numéro semble appartenir à un étrange spectacle pour enfants, où Lennon joue l’adorable chiot en mal d’amour aux côtés d’Ono. Bien que la dévotion de Lennon envers sa femme ne fasse aucun doute, les fans risquent de se dire « On a compris, tu es désolé, on peut en venir au fait ?
Il s’agit là d’un détail technique, puisque les fans n’ont jamais pu entendre la version finale de la chanson. Après avoir été abattu en 1980, la majeure partie de Milk and Honey a été réalisée à partir des démos sur lesquelles Lennon travaillait et qui n’ont jamais vu le jour. Le morceau aurait peut-être pu sonner de manière phénoménale si les choses avaient été différentes, mais la version acoustique brute a encore besoin d’être corrigée.
Old Dirt Road
Au début de l’album Walls and Bridges, Lennon avoue se sentir perdu. Après avoir été séparé d’Ono pour la première fois depuis les années 1960, il est facile de l’entendre lutter contre le fait de ne pas avoir à ses côtés la personne la plus importante de sa vie, faisant même écho au vieux morceau des Beatles « Help ! » sur « Going Down on Love ». Bien qu’il ait pu avoir quelques amis pour travailler avec lui sur son prochain album, « Old Dirt Road » donne l’impression que Lennon fait du sur-place pour la première fois.
Certes, ce n’est pas comme si la chanson manquait de qualités décentes. Écrite avec Harry Nilsson, la majeure partie de la chanson correspond davantage au style du crooner soft rock, alors que Lennon s’essaie à un pastiche de yacht rock. En dehors des accords jazzy atypiques qui apparaissent de temps à autre, Lennon ne se sent pas dans son élément, essayant de vendre l’esthétique du vagabond mélancolique alors qu’il a l’air de s’effondrer parce qu’il n’est pas chez lui.
Une partie de l’hostilité à l’égard de cette chanson vient aussi de son emplacement sur l’album. Après la joie pure de « Whatever Gets You Thru The Night », c’est la triste descente de tout ce que Lennon a vécu, où il commence à prendre en compte tous les problèmes de sa vie et à envisager le long chemin vers la rédemption. On peut se féliciter d’avoir essayé de documenter les deux extrêmes de sa psyché, mais c’est le genre d’intimité du Plastic Ono Band sans l’émotion brute.
‘I Don’t Want to Be a Soldier Mama’
Lennon n’a jamais été étranger aux chansons de protestation. De « Revolution » des Beatles à son album politique Some Time In New York City, il ne lui a pas fallu longtemps pour transposer sur la feuille de paroles ce qu’il avait dans le crâne. Bien que Lennon ait des sentiments anti-guerre très proches de son cœur, cette attitude ne méritait pas d’être exposée dans « I Don’t Want To Be a Soldier Mama » (Je ne veux pas être une mère soldat).
Dans la majeure partie d’Imagine, Lennon continue de travailler sur ses luttes internes, s’attaquant aux imposteurs qu’il voit dans le monde et à son incapacité à se lier à qui que ce soit dans des chansons comme « How ? Bien que « I Don’t Want to Be a Soldier » s’inscrive bien dans ces thèmes, le choix de Lennon d’étirer la chanson à six minutes la rend plus molle qu’elle ne l’est. Comme la majeure partie de la chanson est du blues, Lennon n’offre pas beaucoup de paroles à part le titre de la chanson, pratiquant le minimalisme et laissant le reste du groupe faire le gros du travail.
Bien que Lennon se contente de jouer, les musiciens qui l’accompagnent sauvent le morceau, Klaus Voorman montant et descendant les gammes de sa basse et créant une atmosphère désorientante qui donne l’impression d’être au milieu d’un champ de bataille. Lennon était peut-être novice dans le domaine de l’écriture politique, mais si un titre aussi puissant que « Gimme Some Truth » arrive sur le morceau suivant, il n’y a aucune excuse pour avoir un morceau politique aussi édenté sur le même album.
One Day at a Time
Vers 1973, Lennon fait enfin l’inventaire de ce qui a marché et de ce qui n’a pas marché dans sa carrière. Pour la première fois, il commence à se demander si l’angle politique de ses morceaux ne nuit pas à ce qu’il a toujours fait de mieux : faire de la musique. Décidant de mettre ses convictions de côté, Mind Games est un retour aux sources pour Lennon, même si la route est semée d’embûches.
Après avoir entamé sa séparation avec Yoko Ono, « One Day at a Time » est une chanson plaintive, dans laquelle Lennon se dit qu’il doit garder la tête froide et prendre les choses comme elles viennent. Bien que ce soit peut-être le meilleur conseil de vie qu’il ait pu donner à l’époque, la chanson est constamment en désaccord avec elle-même, ne décidant jamais du ton qu’elle veut adopter.
Bien qu’elle commence avec une guitare acoustique douce, le falsetto que Lennon adopte tout au long de la chanson tend à dévier vers un territoire ennuyeux assez rapidement. Alors qu’il aurait pu s’agir d’une sorte de rêve de Lennon, le résultat sonne plus suffisant qu’autre chose, Lennon se disant que tout ira bien avant de s’enfuir à Los Angeles quelques mois plus tard. Lennon est connu pour ne rien cacher dans ses chansons, mais le son de » One Day At a Time » donne l’impression qu’il se met intentionnellement un genou à terre avant de dire quoi que ce soit de profond.
Do You Want to Dance
On a beaucoup parlé du supposé week-end perdu de Lennon à Los Angeles. Après s’être séparé d’Ono, Lennon a passé le plus clair de son temps à faire la fête en Californie, devenant membre du club de beuverie Hollywood Vampires et écrivant des chansons qui allaient se retrouver sur l’album Rock n Roll. Bien que le retour au rock and roll à l’ancienne ait pu être amusant, ‘Do You Want to Dance’ est la première fois qu’il commence à sonner daté.
Alors que la voix de Lennon brille sur les reprises de ses héros comme Little Richard et Chuck Berry, son interprétation de la ballade « Do You Want to Dance » semble plus étrange qu’attachante, adoptant un style reggae doux tout au long de la chanson. Comme la chanson était censée être un slow des années 50 sur lequel les adolescents pouvaient se déhancher lors d’un bal d’école, le rythme reggae qui l’accompagne donne presque l’impression que Lennon se moque des paroles au lieu de rendre hommage au classique.
Bien que Lennon ait avoué s’être éclaté lors de son séjour à Los Angeles, c’est ici que son « week-end perdu » commence enfin à le rattraper. C’est peut-être l’une des chansons les plus innocentes des débuts du rock and roll, mais sous ces guitares reggae se cache un homme déprimé prêt à rentrer chez lui pour retrouver son grand amour.
I’m Losing You
Après son aventure en Californie, Lennon est rentré chez lui avec Ono dans un bien meilleur état d’esprit. Après avoir accueilli leur fils Sean, Lennon a pris un congé sabbatique, ne touchant plus à sa guitare pendant des années, jusqu’à ce qu’un voyage aux Bermudes lui permette de retrouver son élan créatif. Bien que Double Fantasy ait été conçu comme un dialogue musical entre Lennon et Ono, le seul point sensible survient au milieu de l’album.
Alors que la majeure partie de Double Fantasy montre Lennon embrassant l’âge mûr et élevant ses enfants, « I’m Losing You » semble beaucoup plus scabreuse lorsque l’histoire est décrite. Comme Lennon a été infidèle à Ono dans le passé, son histoire à dormir debout sur le désir de la retrouver est un peu superficielle, surtout quand Ono le contrebalance avec son morceau « I’m Moving On ». Au lieu de laisser Lennon s’enfoncer dans sa mélancolie, Ono prend Lennon à partie pour ce qui se passe, lui disant à quel point il est puéril et ne voulant revenir qu’une fois qu’il se sera remis d’aplomb.
La plupart des textes d’Ono sur le disque sont à la hauteur de ceux de Lennon, la voyant embrasser des genres comme le disco et grandir en tant qu’auteur-compositeur. Lennon a peut-être regretté toute la douleur qu’il a causée à Ono dans le passé, mais la réplique d’Ono le fait paraître plus pitoyable que sympathique.
John Sinclair
L’idée que John Lennon fasse un album politique direct est phénoménale sur le papier. Il avait déjà prouvé sa capacité à écrire des titres cinglants comme « Power to the People », alors pourquoi ne pas mélanger son côté artistique et politique sur Some Time In New York City ? Les albums précédents avaient cantonné Lennon à la politique le temps d’une chanson, et ‘John Sinclair’ est le résultat de ce qui se passe lorsqu’il a trop de contrôle.
Répartie entre les chansons de Lennon et d’Ono, « John Sinclair » est la chanson de Lennon sur le personnage principal, qui a été arrêté pour avoir essayé de vendre des cigarettes de marijuana à des flics en civil. Le message demandant sa libération est louable, mais certaines astuces de production semblent bizarres sans raison, comme le fait qu’il martèle constamment la phrase « you gotta » suffisamment de fois pour que les gens pensent que leur platine de lecture saute.
Et si l’idée de faire appel au groupe new-yorkais Elephant’s Memory était bonne, il est clair qu’ils sont encore en train de se familiariser avec le style, avec notamment quelques fausses notes ici et là et des moments où l’on a l’impression qu’ils sont sur le point de s’effondrer. Si cette chanson était sortie quelques mois plus tôt, elle aurait pu être un succès, mais le don de Lennon pour la mélodie s’efface devant ses paroles.
I Don’t Wanna Face It
Après une terrible expérience en mer, John Lennon s’est senti comme un nouvel homme. En retrouvant son âme d’artiste, Lennon s’est senti revigoré, voulant jouer les chansons d’Ono au téléphone pendant qu’il était aux Bermudes en raison de la rapidité avec laquelle elles arrivaient. Alors que la plupart des bonnes choses sont sorties sur Double Fantasy, Milk and Honey contient beaucoup d’idées fortes plutôt que des chansons bien étoffées.
Étant donné qu’une grande partie du matériel a été écrite dans le cadre du dialogue avec Ono, » I Don’t Wanna Face It » semble superficiel par rapport à des chansons plus mûres comme » Watching the Wheels « . Au lieu de faire des chansons sur l’évolution de son rôle d’homme au foyer, Lennon semble strident sur cette chanson, en particulier lorsqu’il adopte un falsetto assez faible vers la fin du morceau. Comparé à l’expression intime entre deux amants, Lennon sonne comme un enfant dans cette chanson, pleurnichant pratiquement qu’il ne veut pas affronter les moments difficiles qui viennent dans une relation.
Une grande partie des qualités de cette chanson est peut-être liée à la place qu’elle occupe dans le contexte de l’album. Comme seule une poignée de morceaux de Lennon a été utilisée pour Double Fantasy, il se peut que cette chanson ait été la vision d’un morceau plus long qu’il avait en tête et qui a été raccourci en un seul album de ses chansons et de celles d’Ono. Mais encore une fois, si elle n’était pas assez bonne pour le retour en fin de carrière, pourquoi est-elle soudainement assez bonne pour être l’une des pièces maîtresses de l’album posthume ?
Au
Après Some Time In New York City, John Lennon a commencé à remettre en question ses intentions musicales. Après avoir écrit des chansons visant l’establishment et les pratiques injustes des politiciens, il commençait à perdre la raison pour laquelle il faisait de la musique. Bien que la version studio de l’album soit loin d’être un classique, la partie live de l’album a été la goutte d’eau qui a fait déborder le vase.
Tiré de deux concerts distincts, « Au » provient d’un concert expérimental que Lennon et Ono ont donné avec Frank Zappa et The Mothers of Invention. Bien que Zappa ait eu des problèmes avec la musique des Beatles, cet effort expérimental est l’un des pires que l’on puisse trouver sur un album de Lennon, avec huit minutes d’Ono chantant dans son registre criard au milieu d’une cacophonie de bruit.
Malgré des morceaux corrects comme » Cold Turkey » et » Scumbag « , ce genre de collaboration ressemble à de l’huile et de l’eau, les deux genres se tenant maladroitement l’un à côté de l’autre et essayant de fonctionner d’une manière ou d’une autre. Lennon était peut-être fan de ce style d’écriture avant-gardiste, mais les fans qui s’attendaient à un set live de l’ancien Beatle ont eu une mauvaise surprise lorsqu’ils ont vu ce disque à l’époque.
Tout sur Two Virgins
La plupart des gens pensent que Plastic Ono Band est le premier album solo de John Lennon. Enfin libéré de l’ombre des Beatles, Lennon pouvait enfin s’ouvrir à ses sentiments et parler de certaines de ses émotions fracturées après avoir suivi une thérapie primale. En réalité, dire que Plastic Ono Band est le premier album de Lennon est un mensonge que les fans des « Fab » se racontent pour pouvoir dormir la nuit.
Avant ses débuts en solo, Lennon a réalisé trois albums avec Yoko Ono : Two Virgins, Life With the Lions et Wedding Album. Si chacun de ces enregistrements est loin d’être à la hauteur des standards de Lennon, Two Virgins est l’un des albums les plus déroutants jamais publiés par un artiste grand public. Étant donné qu’Ono était connue comme l’une des figures clés du mouvement d’avant-garde, la majeure partie de l’album est un barrage ininterrompu de sons aléatoires pendant près d’une heure, tandis que Lennon gémit sans cesse pour s’accorder avec les cris d’Ono.
La pochette de l’album devrait également mettre la puce à l’oreille des auditeurs, avec l’image austère de Lennon et Ono nus, regardant l’appareil photo en face. Lennon aurait pu être un maître de la mélodie avec Paul McCartney à ses côtés, mais aucune chanson de cet album n’est déconseillée à quiconque a des tympans fonctionnels.
