La chanson fabuleusement innovante que John Lennon appelait « la plus grande ».

Lorsque l’iconoclaste Lou Reed décortiquait les chansons de John Lennon, il a émis un avis controversé : « Je ne pense pas que Lennon ait fait quoi que ce soit avant d’être en solo. Mais là aussi, il essayait de rattraper le temps perdu. Il s’impliquait dans les refrains et tout le reste. »

Avant de clarifier gentiment : « Je ne veux pas passer pour un sarcastique, parce que je ne le suis pas, ce que je fais c’est te donner une réponse vraiment franche, je n’ai aucun respect pour ces gens, je n’écoute pas du tout, c’est de la merde absolue », a-t-il ajouté, juste au cas où vous auriez eu peur qu’il soit méchant.

Bien que Reed ait sans doute ses propres raisons de professer des opinions aussi radicales, et même si elles sont globalement erronées, il y a un petit grain de vérité dans le fait qu’il a été influencé par des pionniers de l’innovation pendant son séjour au sein des Beatles et qu’il a ensuite affiné ses sauts techniques pour être plus orienté vers le chorus dans ses aventures solo. Un artiste qui l’a inspiré dans les deux cas est le légendaire Brian Wilson des Beach Boys.

Au-delà de l’oreille de Wilson pour la mélodie et les refrains – dont Bob Dylan a dit un jour qu’elle devrait être « donnée au Smithsonian » – il était aussi un innovateur magistral dans la superposition des pistes. Comme l’a déclaré un jour Tom Petty, « on dit que les Beach Boys sont responsables de Sgt. Peppers. Et Lennon avait clairement l’œil sur le groupe depuis longtemps et sur la façon dont Wilson construisait ses chansons en utilisant des quatre pistes et le genre de refrains qui dégagent le ciel des nuages.

Il y a une chanson particulièrement innovante qui a ému Lennon. En parlant du single indépendant des Beach Boys de 1965, « The Little Girl I Once Knew », il a fait son éloge : « C’est le meilleur ! » Et d’ajouter, excité : « Monte le son, monte le son. Il faut que ce soit un tube. C’est le meilleur disque que j’ai entendu depuis des semaines. C’est fantastique. J’espère que ce sera un succès. C’est tout Brian Wilson. Il utilise les voix comme des instruments. »

Cette approche de harpe vocale tesselle six mélodies vocales avec seulement une basse jouée par Carol Kaye, un orgue par Don Randi, et des percussions par Frank Capp, ainsi que les ajouts ultérieurs d’une guitare à douze cordes, et un segment de trompette et de saxophone. Pourtant, l’ensemble sonne positivement orchestral, tant il est filigrané.

Comme le poursuit Lennon : « Vous continuez à attendre les fabuleux breaks. Super arrangement. » L’arrangement n’est pas seulement « génial », c’est aussi l’un des tout premiers tubes pop à utiliser des sections mélodiques stop-start pour créer un son fluide qui permet au morceau d’osciller continuellement à partir de son refrain central. Comme Wilson l’a dit lui-même : « C’est mon introduction préférée dans une chanson de toute ma vie. Elle me tue à chaque fois. C’est peut-être la première fois que la musique s’est arrêtée et a recommencé sur un disque. »

Ce n’est pas non plus la seule façon dont la chanson et sa production ont influencé Lennon. Il a notamment fait remarquer en 1965 : « Il ne fait jamais de tournée ou autre. Il reste juste assis chez lui à imaginer des arrangements fantastiques dans sa tête. » Un an plus tard, les Beatles abandonneront les chemins trépidants de la route pour adopter une approche scientifique similaire en studio. Cependant, Reed va peut-être un peu loin s’il appelle ça du « rattrapage ».