Les chansons classiques sont désormais remasterisées pour concurrencer la pop contemporaine sur les services de streaming. Mais que perdons-nous lorsque Yellow Submarine est “démixé” pour la playlist de la génération ?
Yellow Submarine, la version de Ringo Starr sur Revolver, a été une porte d’entrée pour les enfants dans la musique des Beatles depuis sa sortie en 1966. Une nouvelle réédition de l’album rend cette relation plus explicite : Giles Martin, fils du producteur d’origine George et gardien sonore du catalogue des Beatles, explique que son “démixage” de l’album – qui consiste à utiliser l’IA pour séparer les instruments individuels qui étaient à l’origine regroupés sur quatre pistes – a été réalisé en partie dans l’optique d’un public plus jeune qui écouterait des listes de lecture.
Martin a récemment déclaré à Variety que ses enfants adolescents écoutent côte à côte de la musique ancienne et nouvelle, passant de Fleetwood Mac à Billie Eilish et Olivia Rodrigo. “Je veux m’assurer que lorsque les gens entendent les Beatles, la dynamique est la même que celle des autres musiques qu’ils écoutent”, a-t-il déclaré. Il ajoute que l’album Abbey Road de 1969, enregistré sur un luxuriant huit pistes à l’époque et premier album des Beatles à ne pas être sorti en mono, se distingue du catalogue du groupe car “il sonne plus hi-fi que les autres albums des Beatles”. Cela pourrait être, selon lui, l’une des raisons pour lesquelles il se comporte si bien sur les services de streaming.
Le sous-entendu ici est que plus un enregistrement sonne “vieux”, moins il a de chances de toucher un public plus jeune qui a des attentes auditives particulières. Certains albums de catalogue sont si riches et si texturés qu’ils sont à l’abri de l’avenir et continuent de rivaliser avec les enregistrements contemporains, ce qui explique peut-être pourquoi les titres de Fleetwood Mac datant du milieu des années 1970 se vendent si bien sur les services de streaming et sur TikTok : l’apogée acoustique qu’ils ont atteint à l’époque n’a pas diminué au fil des décennies. L’acuité de Running Up That Hill de Kate Bush – réalisé avec des synthétiseurs de pointe – a également perduré.
“C’est la richesse du son qui lui donne un air très contemporain”, explique Tom Gallacher, directeur principal du numérique et du marketing chez Rhino, la branche catalogue de Warner Music Group. “Ces albums ont été réalisés à une échelle que beaucoup d’autres albums n’avaient pas à l’époque. Ils sonnent beaucoup plus contemporains parce qu’ils ont cette profondeur de son que d’autres n’ont peut-être pas.”
Les enregistrements de catalogue étant désormais susceptibles de devenir viraux grâce à TikTok ou à la télévision, certains artistes, successions et labels veulent donner aux enregistrements de catalogue leur meilleure chance de renouer avec le succès.
En tant que notion, cependant, Martin mixant de vieux morceaux spécifiquement pour un public de streaming afin qu’ils ne se mêlent pas aux nouveaux enregistrements semble être une aberration – pour l’instant du moins. Les experts du catalogue et les ingénieurs parleront de l’écoute contextuelle pour différents cas d’utilisation, en testant les enregistrements ou les remasters sur tout, des enceintes de studio haut de gamme aux ordinateurs portables et aux casques à 20 £, pour s’assurer que les titres sonnent aussi bien que possible sur tous ces appareils – mais ils ne parlent pas de remasterisation spécifique pour les compilations Spotify sur plusieurs décennies.
” C’est une mentalité de liste de lecture “, dit Jessica Thompson, ingénieur en mastering et restauration basée dans la baie de San Francisco, à propos de la déclaration de Martin. “Dans mon monde, c’est souvent une question d’intensité sonore. Est-ce que quelque chose est suffisamment fort pour être comparable à Harry Styles [sur une playlist] ? La frontière est mince. Vous voulez que les Beatles sonnent bien lorsque quelqu’un les diffuse sur Spotify, mais l’art de le faire est mentalement difficile. Je ne voudrais pas de ce travail”.
Actuellement, l’accent est mis sur le mastering et le remastering pour les exigences spécifiques de chaque service de streaming. Selon Gallacher, toute décision de remasteriser la musique non seulement pour un nouveau format (comme le streaming) mais aussi pour une plateforme spécifique entraîne des coûts importants. “C’est devenu plus important, en particulier pour Apple Music”, dit-il à propos de cette tendance. “Leur plus gros problème est maintenant de travailler avec Dolby ; ils veulent que tout soit livré en Dolby Atmos”.
Parfois, cela peut ressembler aux épreuves de Sisyphe pour les ingénieurs du son et les départements de catalogue. La musique a été masterisée et remasterisée à maintes reprises pour différents cas d’utilisation – des CD dans les années 1980, au SACD et au DVD-Audio à la fin des années 1990, en passant par le Blu-ray 5.1, le téléchargement de MP3, le téléchargement d’AAC, l’éphémère Mastered for iTunes, l’audio sans perte/FLAC pour certains magasins de téléchargement comme Bleep, et maintenant le streaming haute résolution comme Tidal HiFi, Deezer HiFi et Apple Music Lossless.
Pour un nouvel enregistrement, le mastering spécifique à une plateforme peut être pris en compte dans le coût global de l’enregistrement et réalisé à la source, mais pour un catalogue, il présente plusieurs défis financiers et sonores. “L’un des principaux facteurs limitatifs dans le domaine du catalogue est la perte ou l’impossibilité de retrouver les multipistes originaux”, note Dan Baxter, SVP des enregistrements du catalogue britannique chez BMG. “Si cette IA [utilisée sur Revolver] fonctionne vraiment, cela ouvre un monde de possibilités pour revisiter certains des classiques de l’histoire de la musique.”
Mais si la technologie permet aujourd’hui d’aérer délicatement les enregistrements, Mme Thompson estime qu’il faut l’utiliser avec délicatesse et parcimonie. “Nous pouvons faire des choses comme corriger des anomalies de vitesse, si une bande était un peu bancale, supprimer un bourdonnement électrique ou corriger un montage maladroit”, dit-elle. “La question qui se pose est la suivante : pourquoi ? Qu’essayez-vous d’améliorer ? Lorsqu’il s’agit de musique historique, je ne vois pas vraiment l’intérêt d’essayer de stéréoïser un enregistrement mono ou de créer un mixage immersif de quelque chose qui était à l’origine destiné à être vécu comme un enregistrement stéréo.”
Pour Thompson, la pression exercée pour remixer et remastériser constamment des morceaux afin qu’ils s’intègrent parfaitement aux enregistrements contemporains risque d’aplanir tous les nœuds et de blanchir les imperfections qui les rendaient si spéciaux et attrayants. “Lorsque l’on s’oriente vers les nouveaux formats tels que Dolby Atmos et l’immersif, c’est là que je saute le pas”, explique-t-elle. “Si vous prenez un enregistrement des années 1920, il n’y a pas besoin de le faire sonner comme un disque Lizzo. Il sonnera comme s’il avait été fait en mono dans les années 1920. Et c’est très bien comme ça. Vous pouvez augmenter la fidélité et le rendre beau à écouter, mais laissez-le sonner comme son époque.”
