On range souvent Rubber Soul dans la catégorie des disques-refuges : un album où les Beatles apprennent à écrire adulte, à faire respirer les mélodies, à laisser entrer l’ambiguïté. Et pourtant, au tout début des sessions, le 12 octobre 1965, c’est une chanson-couteau qui inaugure le chantier : Run For Your Life. Un rockabilly nerveux, presque souriant, bâti sur une phrase empruntée à Elvis, mais qui transforme l’hyperbole des fifties en scénario de possession. Le contraste glace : harmonies impeccables, groove entraînant… et mots de contrôle, de menace, qui sonnent aujourd’hui comme un fait divers en puissance. Alors, faux pas à oublier ou document à regarder en face ? En remontant la généalogie du morceau, sa séance expéditive, les réactions de Lennon (qui le reniera) et l’ombre qu’il projette sur la fin de l’album, on découvre une pièce à conviction autant qu’un morceau de catalogue. Parce qu’aimer les Beatles n’oblige pas à les sanctifier : cela invite, au contraire, à comprendre comment un disque charnière peut encore porter ses angles morts. Ouvrez la dernière porte de Rubber Soul : elle grince, et l’air change.
Il y a, dans l’histoire des Beatles, des chansons qui ressemblent à des portes. On les ouvre, et l’air change dans la pièce. Rubber Soul est rempli de ces battants-là : il y a les portes qui donnent sur l’intime, sur l’ironie adulte, sur les amours qui se compliquent, sur la conscience de soi qui remplace peu à peu l’insouciance. Et puis il y a cette porte-ci, plus inquiétante, qui grince au lieu de claquer : “Run For Your Life”.
Le paradoxe est savoureux et dérangeant à la fois. Dans la mémoire collective, on associe Rubber Soul à une mue : la pop devient plus dense, plus narrative, plus ambiguë, plus “album” qu’alignement de singles. On y voit un disque de maturité, de textures nouvelles, de mélodies qui respirent autrement. Pourtant, quand le groupe se met au travail à l’automne 1965, quand il entre dans le ventre de Studio Two à EMI, la première pierre posée porte un message qui glace : la jalousie comme sentence, la possessivité comme droit, la menace comme argument. Le morceau n’ouvre pas l’album sur vinyle, il le ferme. Mais il ouvre quelque chose d’autre : l’acte même d’enregistrer Rubber Soul commence par ce titre, comme si la naissance de ce disque charnière se faisait, ironiquement, sous le signe d’une noirceur presque archaïque.
On peut aimer les Beatles sans les sanctifier, et les étudier sans les excuser. “Run For Your Life” oblige à ce double mouvement : regarder le contexte d’une époque où la brutalité romantique était souvent maquillée en flamboyance, et regarder aussi l’homme Lennon, ses failles, ses aveux, ses contradictions. Rien n’est plus facile que de réduire cette chanson à un “faux pas”. Rien n’est plus honnête que d’y voir un symptôme : celui d’un imaginaire masculin de contrôle, banal dans le rock’n’roll des années 50, mais qui sonne autrement dans la bouche du plus grand groupe du monde en 1965.
Sommaire
Octobre 1965 : la fin de l’innocence, le début du laboratoire
L’automne 1965, c’est un carrefour. Les Beatles sortent de la période Help!, des tournages, des contraintes, des tournées qui les transforment en phénomène plus qu’en musiciens. Ils ont déjà commencé à se dissocier de l’idée de “groupe de scène” : le studio devient un refuge et, de plus en plus, un terrain d’invention. L’ironie veut que cette ambition nouvelle ne s’accompagne pas d’une tranquillité. Au contraire : la machine doit produire. Un album doit être prêt pour le début décembre. L’industrie n’attend pas que l’inspiration se mette à l’heure.
C’est dans ce mélange de pression et d’émancipation que naît Rubber Soul, enregistré sur un temps relativement court, mais avec une conscience plus aiguë de l’arrangement, de la couleur, de la cohérence. Ce n’est pas encore la révolution technologique de Revolver, mais ce n’est déjà plus la mécanique “on arrive, on joue, on rentre”. Le disque se construit comme un espace où l’on teste des voix, des guitares, des harmonies, des récits. Et au milieu de cette ambition, “Run For Your Life” arrive comme un objet presque inverse : une chanson rapide, efficace, rockabilly dans l’ossature, et pourtant d’une violence textuelle qui, elle, n’a rien de rétro-charmant.
La première journée de travail sur l’album commence le 12 octobre 1965, et ce qui pourrait être un simple détail chronologique devient, à l’échelle d’un récit, une image forte : l’album qui symbolise la maturité des Beatles s’ouvre en studio sur une menace. Ce n’est pas seulement une question de tracklist, c’est une question de matrice. Comme si, avant d’installer les boiseries élégantes de “In My Life” ou les parfums étranges de “Norwegian Wood”, il fallait purger un reste de langage ancien, un réflexe du rock’n’roll primitif : “si tu me quittes, je te détruis”.
Elvis Presley, la matrice rock’n’roll, et cette phrase qui colle à la peau
La généalogie de “Run For Your Life” tient en une ligne. Une seule. C’est aussi ce qui la rend fascinante : on voit presque, à l’œil nu, le passage du matériau d’origine à l’objet final, comme un chimiste qui montrerait la transformation d’un composé en poison.
La phrase vient de “Baby, Let’s Play House”, popularisée par Elvis Presley en 1955. Lennon l’attrape, comme il attrapait souvent des éclats de chansons : un fragment, un gimmick verbal, une tournure qui a du mordant. Dans la bouche d’Elvis, c’est une hyperbole de jalousie. Le blues et le rockabilly en sont pleins : la passion est un théâtre, on y brandit des couteaux en carton-pâte, on y dramatise l’abandon pour faire monter la tension. Cette rhétorique-là, dans les années 50, fonctionne comme un code.
Mais Lennon prend ce code et le pousse. Là où l’original se contente de la flamboyance, lui construit un scénario. Il ne cite pas seulement la phrase, il l’étire, il l’ossifie, il l’organise en chanson entière. Et d’un coup, le théâtre devient plus concret. On n’est plus dans la formule lancée au-dessus d’un riff ; on est dans une suite de couplets où le narrateur insiste, surveille, soupçonne, promet. Le morceau devient la mise en musique d’un contrôle.
Ce qui rend la chose presque romanesque, c’est que les Beatles ont rencontré Elvis quelques semaines plus tôt, fin août 1965, à Los Angeles. Rencontre unique, mythologique, étrange, comme une collision entre le père et les fils devenus rois à leur tour. Il n’est pas nécessaire de fantasmer un lien direct, mais l’image est troublante : Lennon, qui a grandi en dévorant le rock américain, qui a appris à être Lennon en imitant les inflexions et l’attitude de cette musique, revient à Londres et démarre Rubber Soul en recyclant une phrase d’Elvis — comme si, au moment même où les Beatles s’apprêtent à se détacher de leurs origines, l’origine venait réclamer son dû.
De l’hyperbole au contrôle : quand la menace cesse d’être une figure de style
Dans “Baby, Let’s Play House”, la phrase peut se lire comme une exagération. Dans “Run For Your Life”, elle devient une architecture. Lennon ne se contente pas de dire “je souffre”. Il dit “je possède”. Et il ajoute une logique : si la possession est menacée, la violence devient une option.
Il y a, dans ce texte, une brutalité presque prosaïque. Ce n’est pas un délire gothique, ce n’est pas une fable, ce n’est pas un personnage fictif clairement séparé de l’auteur. C’est dit avec un sourire en coin, sur une musique alerte, presque dansante. C’est cela qui dérange : la menace n’est pas soulignée par une mise en scène tragique, elle est normalisée par le ton. Comme si ce genre de phrase pouvait se chanter en tapant du pied.
On peut évidemment rappeler que le rock’n’roll est né dans une culture où l’amour est souvent décrit comme une lutte, une chasse, une conquête. Mais les Beatles, en 1965, ne sont pas n’importe quel groupe. Ils sont un phénomène mondial, un miroir tendu à la jeunesse. Et Rubber Soul est précisément l’album où ils commencent à être perçus comme des artistes plus profonds, plus conscients. Dans ce cadre-là, “Run For Your Life” prend une valeur différente : ce n’est plus seulement un clin d’œil au passé, c’est un résidu de violence dans un disque qui, par ailleurs, cherche la nuance.
Le malaise moderne vient aussi d’une évidence : ce type de menace, aujourd’hui, n’est plus une figure de style. C’est un fait divers potentiel. Les mots ressemblent à des paroles qu’on retrouve dans des récits de domination, dans des témoignages de violence conjugale, dans des mécanismes de contrôle. On ne peut pas écouter la chanson avec les oreilles de 1955, parce que nos oreilles savent trop. Elles savent ce que ces phrases recouvrent quand elles quittent la musique.
“Je l’ai écrite vite” : Lennon, le désengagement comme aveu
Ce qui est presque cruel, dans cette affaire, c’est la façon dont Lennon lui-même parle de la chanson. Il ne la défend pas. Il ne la justifie pas. Il la rabaisse. Il la traite comme un brouillon devenu disque. Il dit en substance : “je l’ai sortie rapidement, je l’ai bâtie autour d’une ligne que j’aimais, je n’y attachais pas d’importance”. Comme si la violence du texte pouvait être relativisée par la vitesse d’exécution.
Mais cette défense-là se retourne contre lui. Parce que si l’on peut improviser une menace, si l’on peut “écrire vite” une chanson dont le cœur est une idée de meurtre jaloux, alors cela dit quelque chose d’un imaginaire disponible, prêt à l’emploi. La spontanéité n’excuse pas : elle révèle.
Lennon ira même jusqu’à qualifier “Run For Your Life” de pire chanson des Beatles, ou de chanson qu’il déteste. Il y a là un mélange de lucidité et de déni : lucidité sur la médiocrité morale du texte, déni sur l’importance que cela peut avoir. Il la rejette comme on rejette un reflet trop net dans le miroir. Et pourtant, le reflet est enregistré, pressé, distribué, immortalisé.
Ce rejet tardif est aussi typique de Lennon : il était capable d’une brutalité d’autocritique presque sportive, surtout au début des années 70, quand il dynamitait son propre passé pour se reconstruire autrement. Le problème, c’est que “Run For Your Life” reste là, comme une capsule temporelle : on peut regretter, mais on ne peut pas effacer.
Le 12 octobre 1965 : une séance expéditive, une chanson capturée au pas de course
La vitesse, justement, est un élément clé. “Run For Your Life” est enregistrée lors de la première session de Rubber Soul, le 12 octobre 1965. On est loin des marathons obsessionnels qui viendront plus tard. La chanson est attrapée en quelques heures, comme un animal pris au collet. Quelques prises, des tentatives avortées, puis une version finale. Ensuite, des surcouches : guitares, tambourin, chœurs. Et on passe à autre chose.
Cette efficacité a deux faces. D’un côté, elle rappelle le professionnalisme phénoménal des Beatles à cette époque : ils savent jouer, chanter, verrouiller une prise sans s’épuiser. De l’autre, elle donne au morceau un caractère presque désinvolte, ce qui accentue encore le malaise : une menace chantée comme une formalité.
On entend aussi, dans cette économie de temps, l’ombre de la contrainte industrielle. Il faut remplir un album, il faut livrer, il faut être prêt. Rubber Soul sera salué comme un tournant artistique, mais il naît quand même dans une logique de calendrier. Et c’est peut-être là que “Run For Your Life” trouve sa place : une chanson “prête à l’emploi”, construite sur une ossature rock’n’roll familière, qui permet de démarrer vite, de se mettre en jambes, de lancer la machine.
Ce jour-là, les Beatles sont encore dans un rapport très collectif au studio. George Martin tient la barre, Norman Smith est encore à l’ingénierie du son. Le groupe joue comme un bloc, avec ces micro-décalages qui font la vie d’une prise. Et la chanson, dans sa version enregistrée, garde un côté sec, direct, presque “live”, avec un vernis d’overdubs.
Une mécanique musicale qui sourit pendant que les mots menacent
La musique de “Run For Your Life” est un piège. Elle est entraînante. Elle a ce balancement rockabilly, cette nervosité qui donne envie d’avancer. Elle ne porte pas la gravité d’une ballade sombre ; elle porte la vivacité d’un morceau qui pourrait passer pour léger si l’on n’écoutait pas les paroles. Le contraste est total, et c’est lui qui, paradoxalement, rend la chanson si mémorable.
L’introduction est construite comme un petit théâtre de tension : une guitare acoustique qui valse sur un accord, puis les autres instruments qui s’ajoutent, puis la voix qui entre. Tout est fait pour installer un groove. On est loin de la sophistication harmonique de certains titres du disque, et pourtant il y a un raffinement dans la façon dont la chanson joue avec les attentes, avec des mouvements d’accords qui surprennent discrètement. Ce n’est pas une démonstration, c’est une ruse.
On peut y entendre aussi la dimension “guitare” de Rubber Soul : cet album est un disque de cordes pincées, de textures boisées, de riffs précis. La guitare de George Harrison y est souvent plus narrative que spectaculaire, plus au service de l’atmosphère que du solo. Dans “Run For Your Life”, elle se permet un jeu plus “traditionnel”, plus bluesy, comme si le morceau autorisait un retour à des gestes anciens. Ce n’est pas le futur ; c’est le passé qui remonte.
Et puis il y a les harmonies vocales, signature Beatles par excellence. Elles adoucissent tout, même la menace. Elles donnent au refrain un vernis pop, un côté “chanson” au sens classique, qui rend le propos encore plus insidieux : la violence n’est pas criée, elle est harmonisée.
Lennon, jalousie, domination : le personnage, l’homme, et la frontière floue
La question qui revient toujours est celle-ci : Lennon écrit-il ici un personnage, ou se confesse-t-il ? La réponse la plus honnête est inconfortable : il fait un peu des deux, parce qu’il ne sépare pas toujours clairement l’écriture de l’aveu. Et Lennon, plus tard, dira lui-même des choses terribles sur l’homme qu’il était : un homme violent, incapable d’exprimer autrement sa frustration, jaloux, brutal. Ce ne sont pas des accusations extérieures, ce sont ses propres mots, sa propre autopsie morale.
Il faut alors écouter “Run For Your Life” comme un instantané. Pas comme une vérité définitive, pas comme un verdict sur toute une vie, mais comme une photo prise à un moment où Lennon n’a pas encore fait le travail de transformation qu’il revendiquera plus tard. En 1965, il est un jeune homme célèbre, sous pression, marié, père, et en même temps encore adolescent émotionnel par endroits, nourri de codes virils où l’amour se prouve par la possession.
La chanson s’inscrit d’ailleurs dans une petite lignée Lennon : “You Can’t Do That”, “I’ll Cry Instead”, ces morceaux où l’on entend déjà un narrateur qui interdit, qui menace, qui se venge. Ce sont des chansons parfois brillantes musicalement, mais traversées par une vision de la relation amoureuse comme rapport de force. Lennon n’est pas le seul de son époque à écrire cela, mais il le fait avec une franchise qui choque davantage parce qu’elle est mise à nu, sans métaphore protectrice.
Ce qui rend “Run For Your Life” particulière, c’est son absence de distance. On ne sent pas l’ironie. On ne sent pas le recul. On sent un plaisir presque enfantin à dire “je te tiens”. Et cette absence de distance, aujourd’hui, est difficile à avaler.
McCartney en contrepoint : l’amour comme liberté, ou le mythe de l’ouverture
Le contraste avec Paul McCartney est souvent évoqué, et pas seulement parce que Paul aime, par tempérament, la mélodie lumineuse et la romance moins agressive. C’est aussi une question de posture. McCartney dira plus tard que ce type de jalousie ne lui ressemblait pas, qu’il n’était pas dans cette paranoïa possessive. Il décrit Lennon comme quelqu’un “toujours en fuite”, toujours inquiet, toujours sur le fil.
Il y a, dans ce contrepoint, une lecture presque psychanalytique des Beatles : Lennon écrit la peur et la colère, McCartney écrit la façade, la tendresse, parfois la distance polie. Bien sûr, c’est caricatural si on en fait une règle absolue. Mais sur Rubber Soul, l’opposition est frappante : Paul apporte des chansons d’observation et de scène, des morceaux où l’émotion est filtrée par l’élégance. John, lui, apporte des morceaux où l’obsession est un moteur.
On peut aussi nuancer : McCartney n’est pas exempt de zones d’ombre, et Lennon n’est pas dépourvu de tendresse. Rubber Soul est justement l’album où ces identités commencent à se complexifier. Mais “Run For Your Life” cristallise un Lennon que Paul regarde presque de l’extérieur, comme un frère dont on connaît les excès.
George Harrison : pourquoi ce morceau lui plaisait
Autre élément fascinant : Lennon dira que George Harrison aimait particulièrement “Run For Your Life”. Ce détail, loin d’être anecdotique, raconte quelque chose de la manière dont les Beatles pouvaient aimer une chanson pour des raisons différentes. Harrison, grand amoureux des racines rock’n’roll, du rockabilly, de Carl Perkins, pouvait apprécier la structure, le drive, le côté “guitares qui s’entrelacent”. Là où Lennon voit un texte embarrassant, George peut entendre un terrain de jeu instrumental.
Cela ne veut pas dire que Harrison cautionne les paroles. Cela veut dire qu’au sein d’un groupe, la perception d’un morceau peut être fragmentée : l’un juge la morale, l’autre juge la musique, un troisième juge l’efficacité. Et ce morcellement, c’est aussi ce qui a permis aux Beatles d’aller vite : chacun met sa pierre, parfois sans s’arrêter sur l’ensemble.
Ringo, lui, est souvent le grand silencieux de ces débats. Mais son jeu, son sens du tempo, sa manière d’appuyer un refrain ou d’alléger un couplet, participe à cette ambiguïté : la chanson avance, elle roule, elle ne se retourne pas. Comme un véhicule lancé, indifférent à ce qu’il transporte.
Une chanson controversée : du “code rock’n’roll” à la lecture féministe
Pendant longtemps, “Run For Your Life” a pu être entendue comme un reliquat de rock’n’roll des années 50, un clin d’œil rugueux dans un album plus sophistiqué. Certains auditeurs la plaçaient dans la catégorie “morceau mineur”, presque un remplissage. Et Lennon lui-même, en la détestant, a facilité cette lecture : si l’auteur la renie, pourquoi la prendre au sérieux ?
Sauf que le temps fait son travail. Les chansons ne vieillissent pas seulement musicalement, elles vieillissent moralement. Et dans un monde où l’on parle davantage de domination, de contrôle, de violences faites aux femmes, ces paroles deviennent autre chose qu’un “code”. Elles deviennent un document. Elles deviennent un exemple.
La lecture féministe n’est pas une surinterprétation : elle est une mise en relation. Elle dit simplement ceci : les mots ont un poids, et ce poids dépend des contextes. En 1965, la phrase pouvait circuler sans déclencher la même alarme. Aujourd’hui, elle déclenche l’alarme parce que nous avons appris à reconnaître le mécanisme : l’amour qui se présente comme droit de propriété, la jalousie qui se déguise en preuve d’intensité, la menace qui se fait passer pour passion.
Cela n’oblige pas à “annuler” la chanson. Cela oblige à l’écouter autrement. À la contextualiser. À la laisser être ce qu’elle est : un morceau des Beatles, oui, mais un morceau qui montre aussi les limites, les angles morts, les violences symboliques d’une époque et d’un homme.
Pourquoi elle est à la fin de l’album : la dernière gorgée, amère
Sur la version britannique de Rubber Soul, “Run For Your Life” est le dernier titre. Après les souvenirs lumineux de “In My Life”, après la douceur inquiète de “Wait”, après l’élan spirituel de “If I Needed Someone”, on termine sur une menace. C’est comme finir un repas raffiné par un shot d’alcool trop fort : ça brûle, et ça change le goût du reste.
Était-ce volontaire ? Difficile à dire. Les Beatles ne construisaient pas encore leurs albums avec la narration globale de Sgt. Pepper. Mais ils commençaient à penser en termes d’ensemble. Et il y a peut-être, dans cette position finale, une forme de logique inconsciente : placer la chanson la plus embarrassante là où elle ne contamine pas l’entrée, où elle agit comme une sorte de post-scriptum rugueux.
En même temps, la fin est un endroit puissant. On se souvient souvent de la dernière chanson, parce qu’elle ferme le rideau. Et là, le rideau tombe sur une phrase de contrôle. Cela donne à l’album une ombre portée, un léger malaise final qui contraste avec l’image “mature et tendre” que l’on associe à Rubber Soul.
Sur la version américaine, malgré un tracklisting différent, le morceau reste aussi en clôture. Ce maintien dit quelque chose : même quand Capitol recompose l’album à sa façon, la chanson conserve ce rôle de point final. Comme si, malgré tout, elle fonctionnait comme une conclusion nerveuse, un retour aux réflexes rock’n’roll après les explorations folk et introspectives.
Faut-il la défendre, la condamner, l’étudier, l’éviter ?
La tentation, face à “Run For Your Life”, est de choisir un camp. Les uns minimisent : “c’était l’époque, c’est une hyperbole”. Les autres condamnent : “c’est inacceptable, point”. Le problème des camps, c’est qu’ils simplifient. Or les Beatles, comme tout ce qui compte, ne se simplifient pas bien.
On peut reconnaître la violence du texte sans prétendre que Lennon était un monstre figé. On peut reconnaître que l’époque normalisait certains discours sans faire de cette normalisation une excuse. On peut reconnaître que la chanson est musicalement efficace sans la blanchir moralement. Et on peut, surtout, la replacer dans un parcours.
Car Lennon changera. Il le dira, il le répétera : il a été violent, il a regretté, il a tenté de se transformer. Son discours public des années 70, son engagement pacifiste, ses prises de parole, tout cela peut être lu comme une tentative d’exorcisme. Cela ne réécrit pas 1965. Mais cela empêche de lire 1965 comme une essence immuable.
C’est là que “Run For Your Life” devient, paradoxalement, intéressante. Non pas parce qu’elle serait “bonne” ou “justifiable”, mais parce qu’elle est révélatrice. Elle montre que même au cœur d’un album admiré, même au cœur d’un groupe qui incarne une révolution culturelle, il y a des scories, des réflexes, des violences de langage. Et que la modernité artistique n’implique pas automatiquement la modernité morale.
Rubber Soul, disque adulte, disque contradictoire
On aime Rubber Soul parce qu’il ressemble à une pièce où l’on peut vivre. Les chansons ne sont plus seulement des slogans amoureux ; elles deviennent des scènes, des portraits, des contradictions. C’est un album de regards : regard sur soi, regard sur l’autre, regard sur le couple, regard sur la solitude. Il y a dans ces morceaux une humanité plus complexe que dans les premiers disques.
Mais l’adulte n’est pas toujours vertueux. L’adulte est parfois plus dangereux que l’adolescent, parce qu’il sait mieux formuler. “Run For Your Life” est une chanson adulte dans le pire sens : elle exprime un désir de contrôle avec une assurance tranquille. Elle ne bégaye pas. Elle n’hésite pas. Elle menace comme on signe un contrat.
Et c’est précisément pour cela qu’elle mérite d’être étudiée, et pas seulement “mise de côté”. Parce qu’elle dit quelque chose de l’époque, de Lennon, et de la manière dont le rock a longtemps traité la jalousie comme un carburant romantique plutôt que comme un signal d’alarme.
Ce que la chanson laisse derrière elle : un inconfort utile
Il est tentant de vouloir que les Beatles soient impeccables. C’est humain : on aime que nos monuments soient lisses. Mais l’histoire n’est pas lisse. Et les Beatles, précisément parce qu’ils ont été le miroir d’une génération, reflètent aussi ses angles morts.
Écouter “Run For Your Life” aujourd’hui, c’est accepter cet inconfort. C’est se rappeler que la beauté musicale peut cohabiter avec des paroles problématiques. C’est comprendre que la “grandeur” d’un artiste n’annule pas ses fautes, mais ne se réduit pas non plus à elles. C’est, enfin, entendre dans ce morceau une trace du Lennon d’avant la métamorphose : un Lennon jaloux, abrupt, nourri de codes virils, qui écrira plus tard des chansons d’une sensibilité bouleversante et dira, en regardant en arrière, qu’il avait été quelqu’un qu’il ne voulait plus être.
La chanson reste une curiosité dans Rubber Soul, un caillou dans la chaussure d’un album splendide. Et pourtant, ce caillou a une utilité : il empêche la marche triomphale de se transformer en défilé aveugle. Il rappelle qu’un tournant artistique n’est jamais une purification totale. Il rappelle que les Beatles, même à leur sommet, étaient encore des hommes jeunes, célèbres, faillibles, traversés par des violences ordinaires.
Et si l’on veut que l’amour, dans la musique comme ailleurs, cesse d’être confondu avec la possession, alors il faut aussi regarder ces chansons-là en face. Pas pour les brûler. Pour comprendre ce qu’elles disent, et ce que nous ne voulons plus qu’elles disent à notre place.
