On a collé à George Harrison l’étiquette du “Beatle spirituel”, comme si la méditation avait poli tous les angles et remplacé le caractère par un sourire doux. Sauf que George, derrière la façade paisible, avait un art redoutable : celui de trancher net. Un humour en coin, une ironie parfois glaciale, et surtout une boussole esthétique qui ne pardonne pas grand-chose. Quand il aime, il s’illumine. Quand il n’adhère pas, il appuie sur “off” sans diplomatie. Ce texte explore ce Harrison-là : pas le sage de carte postale, mais le musicien exigeant pour qui tout commence par la mélodie, le timbre, la grâce — et s’arrête dès qu’il sent la posture, la recette ou la voix qui agresse sans émouvoir. De Neil Young à Oasis, d’Elton John aux Sex Pistols, quatre noms reviennent comme des échardes, quatre réactions viscérales qui en disent plus long sur George que sur ses cibles. Car ces “haines” ne sont pas des vendettas : ce sont des révélateurs. Et au fond, ils racontent une chose simple et très Harrison : la douceur n’empêche pas la dureté — elle la rend juste plus surprenante.
On a longtemps résumé George Harrison au rôle du “Beatle spirituel”, celui qui regarde le chaos des autres avec une patience de moine, qui traverse la célébrité comme on traverse un rêve fiévreux, les mains dans les poches et l’âme ailleurs. Le surnom de “quiet Beatle” lui colle à la peau comme une étiquette trop propre sur une veste usée. Sauf que la vérité, comme souvent chez les gens réputés calmes, est plus rugueuse. George n’était pas un enfant de chœur. Il n’était pas non plus un hippie béat en permanent bain de compassion. Il pouvait être drôle, mordant, d’une ironie presque cruelle, et surtout capable d’un franc-parler qui tranche net, sans diplomatie, sans ce vernis de “respect” que l’industrie adore se fabriquer pour dormir tranquille.
Ce qui fascine, chez lui, c’est cette contradiction apparente : un homme obsédé par l’idée de paix intérieure, mais qui n’hésite pas à dégainer des jugements définitifs sur d’autres musiciens. Un type qui médite, mais qui peut te dire, dans la même respiration, qu’il ne supporte pas ton chant, que ta musique sent la formule, que ton mouvement manque de mélodie. On pourrait y voir de la mesquinerie. On peut aussi y lire une forme d’exigence esthétique, parfois injuste, souvent subjective, mais toujours révélatrice : Harrison juge au nom d’une certaine idée de la musique. Une musique qui doit toucher, chanter, respirer, se souvenir d’où elle vient, et ne pas se contenter d’“effets” ou de posture.
Dans ce paysage, quatre noms reviennent comme des échardes dans sa mémoire et dans ses interviews : Neil Young, Oasis, Elton John et les Sex Pistols. Quatre cas très différents, quatre symptômes d’un même radar : chez George, la musique est d’abord affaire de timbre, de mélodie, de sincérité et de grâce. Quand l’un de ces éléments lui semble absent, il ne se contente pas de froncer les sourcils : il appuie sur la touche “off”.
Sommaire
Le “Beatle tranquille” n’a jamais été un “Beatle gentil”
Il y a, dans la mythologie des Beatles, une répartition presque théâtrale des rôles : Paul le perfectionniste mélodiste, John le provocateur, Ringo le cœur battant, George l’ombre lumineuse. C’est pratique, c’est narratif, c’est vendable. Mais c’est réducteur. Harrison, surtout à partir de la fin des années 60, est un homme qui a appris à ne plus se laisser marcher dessus. Il a encaissé des années dans lesquelles ses chansons étaient comptées comme des pièces de monnaie, pendant que les autres remplissaient l’album de leurs monuments. Il a vu son génie se faufiler entre les portes, il a dû se battre pour imposer “Something” ou “Here Comes the Sun” comme des évidences. Il a appris le détachement, oui, mais aussi l’orgueil. Un orgueil parfois sain, parfois acide.
Et puis il y a sa personnalité : George aime rire. Pas le rire large et social, mais le rire en coin, celui qui te fait comprendre que la conversation peut basculer. Il a le sens de la formule, la petite phrase qui tue, la pique qui te laisse un bleu. Sa spiritualité n’a jamais été un anesthésiant. Elle n’a pas effacé le tempérament. Elle l’a canalisé, au mieux. Au pire, elle a donné à ses jugements un air d’évidence : comme s’il ne parlait pas au nom d’un goût personnel, mais au nom d’une vérité presque cosmique.
Ce n’est pas pour rien que les témoignages sur Harrison oscillent entre l’homme généreux, loyal, drôle, et le type capable d’être glacial. La douceur n’empêche pas la dureté. Elle la rend parfois plus surprenante.
La boussole de Harrison : mélodie, timbre, et méfiance envers la “posture”
Si l’on veut comprendre pourquoi George Harrison peut détester des artistes aussi différents, il faut revenir à ce qui l’aimante : la mélodie comme colonne vertébrale. Il vient d’une culture pop où une chanson doit pouvoir être sifflée, portée par une ligne claire, même quand les arrangements deviennent psychédéliques. Les Beatles ont été des révolutionnaires, mais des révolutionnaires du refrain. Ils ont fait exploser la pop, oui, mais sans jamais renier l’art de l’accroche.
George, lui, a une relation presque charnelle à la mélodie. Son écriture est souvent faite de lignes qui semblent anciennes, comme si elles avaient toujours existé, même quand elles surgissent dans un contexte moderne. Il a aussi un rapport intense au timbre : la guitare slide comme voix parallèle, la recherche d’un son qui pleure et qui sourit à la fois. Chez lui, le “son” n’est pas un gadget : c’est un langage.
De là naît une méfiance envers deux choses. D’abord, la voix qui agresse sans émouvoir, qui semble “fausse” au sens existentiel : pas fausse techniquement, mais fausse dans l’intention. Ensuite, la musique qui ressemble à une recette, une mécanique à tubes, une usine qui tourne. Harrison n’a jamais été anti-pop, au contraire : il adore la pop quand elle est inspirée, quand elle a du cœur. Mais il déteste l’impression de déjà-entendu calculé.
Enfin, il y a la posture. George a grandi dans un groupe qui a connu l’hystérie, la caricature, la presse qui déforme tout. Il sait ce que c’est qu’être réduit à une image. Alors quand il voit un artiste qu’il juge “posture”, il peut devenir féroce. Et parfois il se trompe. Mais il ne se tait pas.
Neil Young : quand un timbre devient une barrière infranchissable
Il existe, dans l’histoire du rock, des voix qui divisent comme des frontières politiques. La voix de Neil Young est de celles-là. Nasale, fragile, parfois plaintive, parfois coupante, elle ressemble à un fil tendu au-dessus du vide : certains y voient une vérité brute, d’autres une gêne insupportable. Harrison est dans le deuxième camp. Et il n’y va pas par quatre chemins.
La scène est presque banale : un studio, des musiciens qui discutent, l’atmosphère de camaraderie où l’on dit des choses qu’on ne dirait peut-être pas en conférence de presse. Et soudain George lâche l’une de ces phrases qui claquent. Il ne parle pas de “différence de style”. Il dit qu’il déteste. Le mot est violent, définitif. Il ne prend même pas le temps d’arrondir.
Ce qui est frappant, c’est que sa critique n’est pas d’abord une critique de composition. Ce n’est pas “les chansons sont mauvaises”. C’est “je ne supporte pas sa voix”. Comme si, chez Young, tout passait par ce timbre-là, et que ce timbre, pour George, était une porte fermée.
Il y a quelque chose d’assez humain là-dedans : on ne choisit pas toujours ce qu’on supporte. Certains sons te traversent, d’autres te hérissent. Harrison, qui a passé sa vie à sculpter des sons, à chercher le bon grain de guitare, le bon espace, le bon écho, est particulièrement sensible à ça. Et il a aussi ce trait d’autodérision qui rend la scène presque comique : il compare le chant de Young au sien, comme si lui-même se plaçait dans la catégorie des voix imparfaites. Harrison n’a jamais été un chanteur “athlétique”. Il est un chanteur d’émotion, de douceur, de texture. Quand il dit que Young chante encore pire que lui, il se moque autant de lui-même que de l’autre.
Mais au-delà de la pique, il y a une question esthétique profonde : George veut une voix qui “porte” la mélodie, pas une voix qui la tord au point de la rendre inconfortable. Or chez Neil Young, la tension fait partie du style. Young chante comme on scie une planche : ça grince, ça râpe, et c’est précisément ce qui fait l’art. Harrison, lui, cherche plus volontiers la fluidité, même dans la douleur.
Ce choc de sensibilités est presque inévitable : le rock de Young est terrien, cabossé, parfois volontairement “moche” au sens noble, comme un tableau expressionniste. Harrison, même quand il est sombre, garde une quête d’harmonie. Il veut que la chanson “tienne” comme un mantra. Young veut parfois qu’elle tremble comme un nerf à vif.
Et pourtant, le paradoxe, c’est que ces deux hommes partagent des points communs : une méfiance envers l’industrie, une fidélité à une idée personnelle de l’art, une capacité à suivre leur propre route. Ce qui les sépare n’est pas la morale. C’est l’oreille.
Ce que la “haine” de George Harrison dit vraiment de Neil Young
Quand Harrison dit “je le déteste”, il ne faut pas imaginer une vendetta, un conflit personnel, une rivalité. Il faut l’entendre comme on entend souvent les musiciens parler entre eux : le vocabulaire est excessif, dramatique, presque enfantin, parce qu’il sert à dire une sensation immédiate. George n’a pas l’air de détester Neil Young en tant qu’homme. Il déteste l’expérience sonore que sa musique lui procure.
Et ça, c’est important, parce que ça révèle un aspect de Harrison : il n’est pas un critique au sens journalistique, il n’est pas un analyste froid. Il est un auditeur viscéral. Son jugement n’est pas construit comme un article, il sort comme une réaction. Il n’essaie pas d’être juste. Il essaie d’être vrai, à l’instant.
Cela peut choquer, surtout quand on a idéalisé le personnage en sage pacifiste. Mais cela le rend aussi plus réel. George Harrison n’est pas une statue. C’est un homme qui écoute, qui aime, qui rejette, qui se contredit, qui vit.
Oasis : la copie carbone des Beatles… avec un grain de sable nommé Liam
Le cas Oasis est plus délicat, parce qu’il touche à un fantasme collectif : celui des années 90 comme résurrection possible des Beatles. À l’époque, tout le monde cherche une filiation. Le rock britannique adore ses lignées, ses dynasties, ses arbres généalogiques. Et Noel Gallagher, avec son art de la mélodie simple, des accords lumineux, des refrains faits pour les stades, tend une main évidente vers la tradition Beatles. Parfois subtile, parfois tellement assumée que ça frôle la citation.
George, lui, n’est pas dupe. Il voit bien le talent d’écriture. Il n’a aucun mal à reconnaître une bonne chanson. Mais il bute sur la voix de Liam Gallagher, sur sa manière de porter les morceaux, sur son attitude aussi, ce mélange de morgue et de provocation.
Ce qui est cruel, c’est que Harrison ne s’attaque pas à l’ensemble. Il dit, en substance, que le groupe pourrait se passer du chanteur. C’est un coup de couteau dans l’ego d’un frontman, parce qu’un frontman vit précisément de l’idée qu’il est irremplaçable. Dire d’un chanteur qu’il est “de trop”, c’est lui enlever le centre de gravité.
Et la réaction de Liam est à la hauteur du personnage : menace, insultes, fantasme de violence. On est dans un théâtre rock très britannique, où l’honneur se défend comme dans une cour d’école, sauf que les micros sont branchés et que la presse adore.
Il faut aussi entendre, derrière le jugement de George, une forme de raisonnement musical : pour lui, Noel écrit, Noel compose, Noel “sait” la chanson. Liam, dans cette logique, serait un véhicule imparfait. Sauf que l’histoire d’Oasis prouve l’inverse : Liam est une signature. Sa voix n’est pas juste un timbre, c’est une attitude sonore. Elle transforme des chansons relativement classiques en slogans émotionnels. Sans Liam, Oasis n’est plus un mythe, c’est un bon groupe de pop-rock. Avec lui, c’est une entité culturelle.
Mais Harrison, qui a vécu l’intérieur d’un groupe où le chanteur principal était aussi un symbole, sait à quel point l’ego peut détruire. Liam lui rappelle peut-être, de manière déformée, les côtés les plus irritants de Lennon : la provocation permanente, l’assurance agressive, le goût du scandale. Sauf que Lennon, aux yeux de George, avait un génie qui justifiait (au moins en partie) ses excès. Liam, lui, est jugé moins “musicien”, plus “posture”.
Et là encore, on retrouve la boussole de Harrison : la musique avant l’attitude. Si l’attitude prend trop de place, George se ferme.
Britpop, nostalgie et malentendu : pourquoi George Harrison ne “cède” pas à Oasis
Il y a une ironie : Oasis arrive dans une époque qui consomme les Beatles comme un patrimoine national, presque comme une religion. Londres se vend sur l’héritage des sixties. La culture pop recycle, compile, remixe. George, qui a été l’un des artisans de cette révolution initiale, observe ce recyclage avec une méfiance naturelle.
Car pour lui, les Beatles n’étaient pas une esthétique à imiter, mais une urgence. Ils faisaient ce qu’ils faisaient parce qu’ils n’avaient pas le choix : c’était leur langage, leur vie. Oasis, même quand c’est brillant, peut donner l’impression d’un geste conscient de sa propre légende. Un groupe qui sait très bien d’où il vient, et qui s’en sert.
George a toujours eu un rapport compliqué à la nostalgie. Il peut être ému par un vieux son, par une vieille chanson, mais il déteste être enfermé dans le musée Beatles. Or Oasis, malgré elle, renforce ce musée : “regardez, la pop britannique revient à la maison”. Harrison, lui, a passé une partie de sa vie à fuir la maison.
Et puis il y a la question de la mélodie, paradoxalement. Oasis a des mélodies, bien sûr. Mais Harrison juge la façon de les chanter, la façon de les incarner. Il veut de la nuance, de la grâce. Liam, lui, chante comme il boxe : frontal, rude, parfois magnifique dans cette rudesse, mais rarement “gracieux”. George n’aime pas ça. Il ne veut pas être bousculé de cette façon-là.
Elton John : l’ami de studio, la star, et la musique “à la formule”
Le troisième cas est peut-être le plus intéressant, parce qu’il montre une contradiction très humaine : George Harrison peut ne pas aimer la musique de quelqu’un… et travailler avec lui. Dans la vie réelle, les artistes ne sont pas des concepts. Ils se croisent, se respectent, s’apprécient, même quand leurs goûts divergent.
George a eu des mots durs sur Elton John. Il lui reproche une musique qui sonne comme une recette. L’image est presque culinaire : on met les ingrédients, on secoue, et voilà le tube. Derrière la moquerie, il y a une accusation lourde : celle d’une pop industrielle, d’une inspiration remplacée par un procédé.
Cette critique, venant de Harrison, est fascinante, parce qu’il sait mieux que quiconque ce que c’est que d’être pris dans la machine à tubes. Les Beatles ont été une usine à succès, malgré eux, parfois. La différence, à ses yeux, c’est que chez les Beatles, l’invention primait. Chaque album ouvrait une porte. Chez Elton, George entendrait au contraire une répétition, une stabilité qui finit par ressembler à une formule.
Mais George n’est pas dupe du talent pur. Il peut reconnaître un grand musicien sans aimer son œuvre. Elton, pianiste flamboyant, est un professionnel absolu, un homme de scène, un artisan de la pop au sens noble. Harrison peut critiquer la musique et apprécier l’homme, ou apprécier le musicien et se méfier de son catalogue.
Et surtout, il y a un fait central : Harrison, quand il veut faire un disque, veut qu’il sonne. Il veut des gens capables de livrer, capables d’être efficaces, capables de servir une chanson. Dans les années 80, lorsqu’il revient avec un album important, il s’entoure de musiciens solides. Elton est de ceux-là : une présence qui apporte une couleur, une touche, une autorité pop.
Cloud Nine : la revanche élégante de George Harrison et l’utilité d’Elton
Quand George Harrison publie “Cloud Nine”, il sort d’une période de retrait. Il revient dans un monde où la pop a changé, où le rock a muté, où les années 80 imposent leurs textures, leurs brillances, parfois leurs laideurs aussi. Harrison, lui, n’a pas envie de faire semblant d’être moderne. Il veut faire un disque qui lui ressemble, mais qui parle au présent.
Le résultat est un album qui a quelque chose de paradoxal : il est très produit, très “80s” dans certains choix, mais il garde une âme de songwriter classique. On y entend le goût de George pour la chanson bien construite, pour le refrain qui te reste dans la tête sans te forcer la main.
Dans ce contexte, la présence d’Elton John sur plusieurs titres ressemble à un pacte : George utilise la puissance pop d’Elton comme un outil, tout en gardant son identité. Il ne se renie pas, il s’entoure. Il fait ce que font les grands : il sait quand la collaboration sert la musique.
Et c’est là que la critique de la “formule” devient intéressante : Harrison n’a pas peur de la pop, il a peur de la pop sans âme. S’il fait venir Elton, c’est qu’il estime qu’à ce moment-là, Elton peut apporter une âme à ses chansons, ou au moins une énergie, une couleur, un professionnalisme qui n’écrase pas la chanson.
George n’est pas sectaire. Il est sévère, mais il n’est pas idiot. Il peut dire du mal d’un style et aimer une performance. Il peut critiquer une discographie et apprécier un individu. C’est aussi ça, la maturité artistique : ne pas confondre le jugement esthétique et la relation humaine.
Le vrai reproche de Harrison à Elton John : la répétition comme offense à l’invention
Chez George, l’invention est une valeur morale. C’est presque spirituel : créer, c’est chercher. Répéter, c’est s’endormir. Quand il accuse Elton d’écrire “à la formule”, il l’accuse d’avoir arrêté de chercher.
Ce reproche est d’autant plus cruel que Harrison a lui-même connu des périodes où l’inspiration semblait moins flamboyante. Personne n’écrit des chefs-d’œuvre en permanence. Mais George, même dans ses moments moins inspirés, garde cette obsession : la chanson doit être honnête. Elle doit venir de quelque part.
Or Elton, avec son image de star, ses costumes, ses hits, incarne pour Harrison une pop spectaculaire, parfois trop lisse. George, lui, aime les fissures. Il aime quand la chanson laisse passer quelque chose de fragile.
Sex Pistols et punk rock : “du bruit et rien” contre l’empire de la mélodie
Le punk rock, à la fin des années 70, est une gifle historique. Une manière de dire au rock des années 60 et 70 : “vous êtes devenus des monuments, et nous, on vient casser vos statues”. On pourrait croire que Harrison, ancien révolutionnaire, serait sensible à ce geste. Mais non. Pas vraiment.
George voit dans le punk une absence de ce qui l’obsède : la mélodie. Il dit qu’il préfère “une belle mélodie” à cette musique “tinny”, lourde, agressive. Le mot n’est pas neutre : “tinny”, c’est métallique, étriqué, comme un son de boîte. Pour lui, le punk sonne pauvre, et pas au sens esthétique glorieux du minimalisme, mais au sens d’un appauvrissement.
Les Sex Pistols, en particulier, représentent ce que George déteste dans la posture : l’anti-tout, le scandale comme carburant. Et musicalement, il entend un geste qui lui paraît négatif : un refus de la sophistication, du chant, de la nuance. Harrison a passé sa vie à raffiner, à apprendre, à étudier, à intégrer des influences, à travailler la guitare comme un langage. Le punk, dans sa caricature, semble dire : “on s’en fout de savoir jouer”. Pour George, c’est presque une insulte à l’art.
Mais là encore, il faut nuancer, parce que Harrison n’est pas complètement aveugle. Il peut éprouver de la compassion pour les punks en tant que symptôme social. Il peut comprendre la colère, même s’il n’aime pas la musique. Il n’est pas simplement un vieux rockeur qui crache sur les jeunes. Il est un musicien qui ne se reconnaît pas dans cette esthétique.
Et surtout, il y a un point crucial : les Beatles ont été des provocateurs, mais des provocateurs mélodistes. Leur révolution passait par la chanson, pas par la destruction pure. Les Sex Pistols, dans la lecture de George, incarnent au contraire la destruction sans construction.
Pourquoi Harrison ne pardonne pas au punk : parce qu’il confond rupture et renoncement
Le punk, historiquement, n’est pas qu’un style musical. C’est une éthique, une manière de reprendre le contrôle, de dire que le rock appartient à ceux qui le vivent, pas à ceux qui l’exposent dans des stades. Mais Harrison, lui, entend d’abord la surface sonore. Et à la surface, il entend une agression, une simplification, une absence d’harmonie.
Ce qui le dérange n’est pas la simplicité en soi. Les Beatles ont écrit des chansons simples, parfois avec trois accords. Le rock’n’roll originel est simple. Mais il est mélodique. Il est dansant. Il a une joie même quand il est noir.
Le punk, surtout chez les Pistols, lui apparaît comme une musique qui refuse la beauté. Or Harrison croit profondément à la beauté comme force. Pas la beauté décorative, mais la beauté qui élève, qui apaise, qui donne du sens. C’est très “George” : la musique comme chemin vers quelque chose de plus grand que soi.
De là naît son rejet : le punk, dans sa caricature, ne cherche pas l’élévation. Il cherche la collision. George n’aime pas les collisions.
Un artiste “détesté” peut rester un grand artiste : la leçon involontaire de Harrison
Le mot “détester” fait vendre. Il excite. Il simplifie. Il transforme des histoires complexes en petites capsules de clash. Mais si l’on écoute vraiment George Harrison, on comprend que ses “haines” sont souvent des refus esthétiques, pas des condamnations humaines.
Il peut détester la voix de Neil Young et reconnaître que certaines chansons sont bonnes. Il peut juger Oasis sévèrement et voir le talent d’écriture. Il peut moquer la “formule” d’Elton John et collaborer avec lui, parce que l’homme et le musicien comptent. Il peut rejeter le punk rock et éprouver malgré tout une forme de compassion pour ce qu’il exprime socialement.
Ce qui se joue, au fond, c’est l’idée que Harrison a de la musique : un art qui doit offrir une forme de lumière. George n’est pas un cynique. Il est parfois un grincheux, parfois injuste, mais il n’est pas cynique. Son franc-parler vient d’un amour profond pour la chanson, pour la mélodie, pour ce moment où un refrain te prend par la main et te conduit ailleurs.
Et c’est peut-être ça, le plus beau paradoxe : le “Beatle tranquille” n’est pas tranquille parce qu’il est tiède. Il est tranquille parce qu’il a construit un monde intérieur très fort. Et quand quelque chose ne rentre pas dans ce monde, il le dit. Sans diplomatie. Comme un homme qui n’a plus envie de plaire à tout le monde.
La cohérence secrète : Harrison juge les autres comme il se juge lui-même
Il y a, dans la phrase où George se moque de son propre chant en comparant celui de Neil Young, une clé. Harrison a des insécurités. Il sait qu’il n’a pas la voix de Lennon, ni la perfection pop de McCartney. Il a une voix plus douce, plus fine, parfois fragile. Il a appris à l’utiliser comme un instrument d’intimité.
Quand il critique les autres, il parle aussi de lui-même. Il parle de ce qu’il cherche, de ce qu’il fuit, de ce qu’il ne veut pas devenir. La musique “à la formule” d’Elton, c’est ce qu’il refuse pour lui-même. La posture d’Oasis, c’est ce qu’il déteste dans la célébrité. Le punk “sans mélodie”, c’est ce qu’il ne comprend pas dans une époque qui semble vouloir effacer la beauté.
George Harrison n’est pas un juge impartial. Il est un homme qui défend sa vision, parfois avec une mauvaise foi charmante, parfois avec une sévérité excessive. Mais toujours avec cette intensité qui fait qu’on l’écoute : parce que, même quand il se trompe, il parle comme un musicien. Pas comme un communicant.
Ce que ces quatre cas racontent de l’héritage de George Harrison
À l’époque des réseaux, des réactions instantanées, des punchlines recyclées, Harrison pourrait passer pour un “hater” avant l’heure. Mais ce serait une lecture paresseuse. George n’est pas dans la haine gratuite. Il est dans une forme de fidélité à ce qu’il aime.
Et ce qu’il aime, au fond, c’est la chanson comme art. La chanson qui résiste au temps. La chanson qui ne dépend pas d’un effet de mode. La chanson qui peut être jouée à la guitare acoustique dans une cuisine et rester magique. C’est une esthétique profondément Beatles, mais aussi profondément personnelle.
Ses jugements sur Neil Young, Oasis, Elton John et les Sex Pistols ne sont pas des vérités universelles. Ce sont des révélateurs. Ils nous montrent un Harrison moins lisse, moins iconique, plus humain. Un homme qui a ses angles, ses obsessions, ses intolérances, et qui ne cherche pas à les maquiller.
Ce qui reste, ce n’est pas “George détestait untel”. Ce qui reste, c’est cette idée : même les sages ont des nerfs à vif. Et parfois, c’est ce nerf à vif qui rend leur musique si belle.
