Si vous êtes un fan des Beatles, deux documentaires actuellement diffusés sur Disney+ vont certainement étancher votre soif. Regardez attentivement, et vous y trouverez des leçons importantes que nous pouvons tirer de ces musiciens talentueux et qui s’appliquent à la photographie créative.
L’incroyable travail de restauration des Beatles : Get Back
La première chose qui frappe dans le documentaire « Get Back », c’est la définition des images d’archives. Comparez-le avec un extrait de l’enregistrement original montré dans le programme de McCartney. Tourné à l’origine pour la télévision, dans le documentaire « Let it Be » de Michael Lindsay-Hogg en 1970, le métrage était granuleux et manquait de saturation et de contraste.
Heureusement, Peter Jackson avait déjà mis au point un processus de restauration pour son film de 2018, « They Shall Not Grow Old ». Dans ce film, lui et son équipe ont restauré des séquences qui avaient été tournées à des vitesses variables par des caméras à manivelle ; il y avait tout, de 10 images par seconde à 17 ou même, occasionnellement, 18 ips. Les images ont été converties au standard cinématographique 24 fps, nettoyées et colorisées.
Les images des Beatles ont été tournées sur un film 16 mm plein cadre (format 1,33:1), soit environ un tiers de la taille d’un capteur MFT. Contrairement aux films de guerre, il a été enregistré à 24 images par seconde, et la dégradation de ce film vieux de 50 ans aurait été moindre que celle des images de la Première Guerre mondiale vieilles de 100 ans. De plus, il était en couleur. Par conséquent, le documentaire qui en résulte est stupéfiant, donnant un aperçu en haute définition de la vie professionnelle des musiciens et un aperçu étonnant du processus d’écriture des chansons.
Le processus créatif des Beatles et la lutte contre le fanatisme
C’est un film long mais fascinant : huit heures de film choisies parmi 60 heures de séquences filmées et plus de 150 heures d’enregistrements audio. Ce qu’il révèle, c’est l’incroyable processus créatif, et c’est quelque chose dont tout photographe ou artiste peut s’inspirer.
Paul McCartney jamme sur sa guitare car John Lennon est en retard pour la session. Ce jam se transforme progressivement, au fil des heures puis des jours, en une chanson de protestation satirique contre les attitudes d’extrême droite de ceux qui veulent rapatrier les immigrants. (Comme de nombreux pays occidentaux, le Royaume-Uni a connu d’énormes problèmes de racisme dans les années 1960, problèmes qui n’ont pas disparu). Les Beatles s’étaient déjà dressés contre le sectarisme auparavant, ayant refusé de jouer devant des publics faisant l’objet d’une ségrégation raciale en Amérique, ce qui avait eu pour conséquence de mélanger les publics.
La chanson a finalement évolué pour devenir le classique rock « Get Back », mais ses racines de chanson de protestation font partie de la légende des Beatles.
D’un point de vue photographique, nous pouvons adopter la même approche évolutive pour créer des images. Par exemple, les photographes paysagistes revisitent souvent le même endroit et font de nombreuses tentatives pour créer la meilleure image possible, en changeant les réglages de l’appareil et le positionnement. Les meilleurs photographes animaliers passent des heures, des jours, voire des semaines sur un site pour obtenir la photo parfaite d’une créature insaisissable. Chaque cliché, espérons-le, est une amélioration du précédent.
Nous pouvons aussi, bien sûr, utiliser notre photographie pour mettre en lumière et combattre l’injustice sociale et le sectarisme.
Il semble y avoir beaucoup de photographes débutants qui s’attendent à ce que de superbes images leur soient données sur un plateau. Mais ça ne marche pas comme ça. Il a fallu attendre 1954, année où Paul McCartney a rencontré George Harrison, 1957, année où ils ont rejoint John Lennon au sein des Quarrymen, et 1964 pour que Love Me Do devienne un tube. Le succès du jour au lendemain nécessite des années de travail acharné et de pratique. Cela s’applique à la photographie comme à la musique.
Le style de tournage de McCartney 3, 2, 1
Dans « McCartney 3, 2, 1 », Paul McCartney parle de sa carrière avec le producteur de musique Rick Rubin. Il y a beaucoup de discussions sur le processus créatif.
L’entretien se déroule dans le studio de Rubin, à côté d’une table d’enregistrement et d’un piano. Tourné en monochrome, l’arrière-plan est entièrement noir, bien qu’il soit parfois interrompu par un rayon de lumière ou la présence ombrageuse d’une caméra. Cette configuration discrète fonctionne. Non seulement elle incite le spectateur à se concentrer sur le sujet, mais elle est aussi très belle ; c’est comme une série d’images bien composées, parfaitement éclairées et bien développées. De nombreuses images de l’interview se suffiraient à elles-mêmes comme de grands portraits photographiques.
Lorsque la scène passe à des images d’archives, elle passe le plus souvent à la couleur ; c’est comme le Magicien d’Oz à l’envers. Si l’on ajoute à cela que ces vieux films sont très éclairés, on obtient un contraste énorme entre les deux styles. Cette juxtaposition fait ressortir encore plus chaque scène.
